THE END

Cinémathèque de Nice | Steven Spielberg & Elizabeth Taylor

2012-02-01T04:43:00.000-08:00

La programmation du mois de février de la cinémathèque de Nice est en ligne sur leur site internet et malgré le fait qu'il s'agisse du mois le plus court de l'année, celui-ci risque d'être riche en plaisirs cinématographique. Une des première constatation face à la sélection, c'est la ressemblance de plus en plus grande avec les choix de la cinémathèque de Paris. Car après la rétrospective consacrée à Steven Spielberg, l'institution niçoise propose à son tour un ensemble de film autour du cinéaste américain. Un "ensemble" car il manque à l'appel un nombre conséquent de long-métrage mais peut-être seront-ils programmés au mois de mars, espérons-le. En attendant voici les films diffusés à partir de la semaine prochaine.

ANNÉE 70 : SUGARLAND EXPRESS (1974) | LES DENTS DE LA MER (1975) | RENCONTRES DU TROISIÈME TYPE (1977)

ANNÉE 80 : LES AVENTURIERS DE L'ARCHE PERDUE (1981) | E.T. L'EXTRA-TERRESTRE (1982) | LA QUATRIÈME DIMENSION (1983) | INDIANA JONES ET LE TEMPLE MAUDIT (1984) | LA COULEUR POURPRE (1986) | EMPIRE DU SOLEIL (1987)

ANNÉE 90 : LA LISTE DE SCHINDLER (1993) | IL FAUT SAUVER LE SOLDAT RYAN (1997)

ANNÉE 2000 : LE TERMINAL (2004)

Outre Steven Spielberg, la cinémathèque de Nice propose un hommage à Élizabeth Taylor presque un an après sa disparition. Une sélection qui ne révèle pas de grande surprise, les grands classiques sont présents (Qui a peur de Virginia Woolf, Géants, La chatte sur un toit brulant, Cléopâtre) et tous disponible en vidéo. En revanche deux films avec Elizabeth Taylor sont toujours (honteusement) indisponible en dvd en France. Le premier, et non des moindres, est Reflet dans un œil d'or (Reflections in a golden eye - 1967) de John Huston avec, s'il vous plait, Marlon Brando, Brian Keith, Julie Harris et Robert Foster.

Dans une garnison militaire du Sud des États-Unis, le couple du Major Penderton bat de l'aile. Son épouse a pour amant un officier supérieur et l'arrivée d'un jeune soldat va perturber le major…

> mardi 28 février 2012 à 16h00

Le second film, le Chevalier des sables (Sandpiper - 1965) réalisé par Vincente Minnelli, est tout autant introuvable en dvd en France. Jadis sorti dans un coffret zone 1 consacré à l'actrice aux yeux couleur améthyste, c'est donc une opportunité à saisir pour découvrir ce film au casting prestigieux. On retrouve aux côtés d'Elizabeth Taylor, Richard Burton et Charles Bronson.

Laura Reynolds, artiste et esprit libre, vit avec son fils de 9 ans dans une villa isolée de la côte californienne. Révoltée que la justice veuille placer son enfant en pension, elle rencontre le proviseur de l'école…

> vendredi 17 février 2012 à 19h30
> dimanche 19 février 2012 à 15h00

L'amateur de curiosité ou de rareté sera comblé puisque le film Cérémonie secrète (1969) de Joseph Losey fera également parti de la célébration.

Léonora, prostituée londonienne, a perdu sa fille il y a quelques années. Régulièrement, elle se rend sur sa tombe. Un jour, sur le chemin du cimetière, une étrange jeune fille la suit et l'accoste…

> mardi 21 février 2012 à 16h00
> vendredi 24 février 2012 à 19h45

Croisons les doigts pour que le mois prochain, la cinémathèque nous propose l'incroyable Boom, toujours de Joseph Losey, tourné l'année suivante.

Et comme chaque mois finissons avec les séances rattrapages et ce mois-ci on peut dire que le cinéphile azuréen est gâté !

MELANCHOLIA | THE HOUSEMAID | GAINSBOURG (VIE HÉROÏQUE)

Pour retrouver toutes les dates et les horaires, nous vous invitons à faire un tour sur le site de la cinémathèque de Nice.

Werner Herzog en 3D

2012-01-31T01:54:00.000-08:00

On peut classer les (grands) cinéastes en deux catégories, les hyperactifs (Spielberg, Scorsese) et ceux qui prennent leurs temps (Paul Thomas Anderson, Terrence Malick). Werner Herzog fait partie de la première catégorie, voire même des hyper hyperactifs puisque c'est plus d'une dizaine de film en moins de dix ans mais tous n'ont pas connu le privilège d'une exploitation en salle. Le film qui nous intéresse aujourd'hui a été réalisé en 2010 (depuis Herzog a signé un film en 2011), sorti sur nos écrans le 31 aout 2011 et à fait le bonheur des cinéphiles (non claustrophobes).

La grotte des rêves perdus se présente comme un documentaire mais dépasse allégrement ce statut par une mise en scène simple, dénué d'ornementation inutile, rehaussée par une 3D permettant une immersion totale aux confins de nos origines en tant qu'espèce, mais aussi de s'interroger sur l'origine de la pensée humaine. Un film incroyable qui confirme après Bad Lieutenant, Escale à la Nouvelle Orléans la grande forme du cinéaste d'origine allemande.

Et Metropolitan ne s'y trompe pas en nous "offrant" le 1 mars prochain une édition combo blu-ray 3D et dvd collector de qualité en édition limitée.

C’est une grotte immense, protégée du monde depuis 20 000 ans parce que le plafond de son entrée s’est effondré. C’est un sanctuaire incrusté de cristaux et rempli de restes pétrifiés de mammifères géants de la période glaciaire. Pourtant, ce n’est pas le seul trésor que ce lieu unique au monde avait à nous offrir…
En 1994, au sud de la France, les scientifiques qui ont découvert la grotte sont tombés, ébahis, face à des centaines de peintures rupestres, des œuvres d’art spectaculaires réalisées il y a plus de 30 000 ans – presque deux fois plus vieilles que les peintures rupestres les plus anciennes découvertes jusqu’alors. Ces dessins, ces œuvres, ces témoignages exceptionnels ont été créés à l’époque où les hommes de Neandertal parcouraient encore la terre, en un temps où les ours des cavernes, les mammouths et les lions étaient les espèces dominantes sur notre continent. Depuis, seules quelques très rares personnes ont été autorisées à pénétrer dans la grotte, et ses chefs-d’œuvre sont restés à l’abri des regards – jusqu’à ce que Werner Herzog obtienne l’autorisation d’y réaliser un documentaire d’exception. Avec ses caméras 3D, Herzog a capté toute la beauté de ces merveilles dans l’un des sites les plus grandioses qui soit. Dans un saisissant voyage visuel, Herzog nous entraîne à à la rencontre de nos très lointains ancêtres, à la découverte de la naissance de l’art, de la symbolique puissante des lieux et des étranges personnes qui vivent aujourd’hui dans les environs.

En supplément, un livret de 36 pages, un documentaire sur le film et le court Ode to the Dawn of Man (2011 - 27 mn), plus les bandes-annonces habituelles.

Si vous avez des doutes quant à la continuité dans l’œuvre de Werner Herzog, nous vous proposons un extrait de la critique des Cahiers du Cinéma signée Jean-Sébastien Chauvin.

Au fond, le film suit un mouvement identique à l'ensemble du cinéma d'Herzog, qui en cherchant l'humain, une vérité de l'être, a souvent trouvé le mutant, l’extraterrestre, de Kaspar Hauser au flic de Bad Lieutenant, Escale à la nouvelle- Orléans, en passant par Aguirre. Pas besoin de quitter la Terre. Les mondes étranges sont à notre portée, à côté d'un chemin de randonnée, cachés sous la montagne, enfouis derrière la forêt. C'est pourquoi les films du cinéaste, et particulièrement ses documentaires, sont généralement bine plus que de simples descriptions d'une réalité. Ce sont des contes, des récits imaginaires, des constructions poétiques qui donnent au réel des allures de chimère (et la musique d'Ernst Reijseger fait décoller La Grotte des rêves perdus du réel pour engendrer un diffus sentiment de sacré). Sous l’œil d'Herzog, les archéologues eux-mêmes deviennent des êtres étranges, forment un peuple troglodyte aux occupations impénétrables ; témoin ce panoramique qui les révèle travaillant silencieusement dans un bureau paysager où ils sont finalement tout aussi énigmatiques que les hommes de l'époque aurignacienne.

Jean-Sébastien Chauvin in Cahiers du Cinéma #670 - p30

Joel et Ethan Coen, principes d'incertitude

2012-01-29T12:37:00.000-08:00

Quel est le dernier bon film des frères Coen ? Si à cette question la réponse est partagée, THE END y répondra volontiers, No Country for Old men (2007) mais ce n'est pas l'objet de ce message mais plutôt pour évoquer la sortie du 49ième numéro de la revue Éclipses consacrée aux deux frères responsables de néo-polars aboutis et dérangés ou au films - remake (déjà deux dans leurs filmographies) - réactivant des figures stylistiques du passé. Entre visions passéistes et post-modernismes, il y a sans doute beaucoup à dire sur l’œuvre des cinéastes américains, dont voici la présentation de l'éditeur.

Avec True Grit (2010), Joel et Ethan Coen viennent de réaliser leur meilleur score au box-office américain, après avoir signé deux titres qui comptent parmi les plus réussis de leur carrière. Dès lors, le moment semble particulièrement opportun pour opérer une vue d’ensemble et revenir sur la filmographie prolifique et passionnante des deux frères les plus célèbres du cinéma américain contemporain.
Affichant ouvertement une filiation avec le cinéma de l’âge d’or hollywoodien, leurs films adoptent assez fréquemment un aspect classique. Pour autant, c’est en iconoclastes qu’ils agissent, car au-delà du fait de se conformer à certains modèles génériques (le film noir, la comédie), il y a en permanence chez eux un sens aiguisé de la dérision, de l’exagération et de la satire, qui s’exercent sur la matrice originelle et la fait tendre vers une certaine modernité.
La plupart des films des frères Coen adoptent la structure de la fable, qu’elle possède un arrière-plan mythologique au sens strict du terme comme dans O’Brother (2000) avec L’Odyssée, ou bien qu’elle soit le produit d’un effet permanent de mise en abyme des références multiples (historiques, cinématographiques, etc.) dont l’œuvre est traversée. Mais la finalité de la fable repose sur l’énoncé de la morale finale, ou bien, en l’absence de celle-ci, sur la possibilité de pouvoir au moins la déduire de l’issue du récit. C’est bien cette question qui finit par constamment faire retour lorsque l’on s’intéresse au cinéma des frères Coen : quelle est, au bout du compte, pour ne pas dire « au bout du conte », la morale de leurs films ? C’est à l’examen de cette question, notamment, que s’emploient les différentes contributions de ce 49ème volume de la revue Éclipses.

Sommaire :
(Cliquez sur l'image pour lire le sommaire)

Prix : 12 euro

Sono Sion, Monsieur Chaos

2012-01-27T12:15:00.000-08:00

Aussi étrange que cela puisse paraitre, seulement deux films, Suicide Club et Noriko's Dinner Table, de Sono Sion sont disponibles en dvd en France et ce, malgré un noyau de fan de plus en plus large. Étrange car cela fait quelques années que chaque long-métrages du cinéaste nippon fait la joie des festivals de genre comme des plus renommés (dont le dernier festival de Venise avec la présentation remarquée de Himizu ou Cannes pour Guilty of Romance).

Lors de l'édition 2011, de l’Étrange Festival Paris, nous avons pu découvrir les films Guilty of Romance et Cold Fish. Deux morceaux de cinéma extrêmes, dérangeants et intrigants. Deux films qui sont autant de descentes aux enfers dans la vie calme et paisible de gens normaux qui voient leurs vies basculés dans la violence, dans l'absurde à la limite du point de rupture. Toute la force du cinéma de Sono Sion réside dans sa capacité à mélanger les univers sans jamais se laisser dominer par eux.

Et dire que ce n'est que la partie visible en France. Pour découvrir le reste de sa filmographie, il faut (comme trop souvent) se tourner vers l'import afin de pouvoir se rendre compte (si besoin est) que Sono Sion, de notre point de vue (de THE END comme celui que l'on pourrait qualifier d'Occidental) est la plus belle promesse du cinéma nippon. Ce qui est moins évident dans son pays natal. Les longs-métrages aussi divers que Love Exposure, fresque de quatre heure sur le fanatisme religieux, Exte, film d'horreur original et très réussi basé sur un postulat pourtant risible, des cheveux "démoniaques" et les deux films évoqués plus haut qui sont déjà disponibles sur support vidéo. A quand une rétrospective de son œuvre en France ?

Surtout quand on sait que les cinéphiles italiens ont eu la chance et le privilège d'assister en novembre dernier à un hommage à Sono Sion lors du Torino Film Festival (TFF) alors qu'aucun films du metteur en scène est disponible en vidéo. A cette occasion, le blog italien Sonatine, spécialisé dans le cinéma Japonais, a publié en partenariat avec le festival de Turin la première monographie consacrée à Sono Sion.

Le livre fait 159 pages et retrace après une présentation biographique de Sono Sion, tous les films du cinéaste, un par un. On retrouve également un entretien passionnant d'une dizaine de pages sur aussi bien les influences du réalisateur, que son utilisation de la musique ou bien son point de vue sur Fukushima, la société japonaise. Voici quelques extraits de l'ouvrage :
(cliquez sur l'image pour lire le texte)

Oui, le premier frein à l'acquisition de ce livre est sa langue. Mais si vous avez un niveau scolaire en italien (comme votre serviteur ici présent) vous n'avez qu'une envie : vous procurez cette ouvrage à moins qu'un éditeur français (Rouge Profond ? IMHO ? Bazaar & Co ? Le Lézard Noir ?) se décide à nous proposer une publication sur ce cinéaste chaotique.

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Si vous êtes intéressé par l'acquisition de cette ouvrage (environ 20 euro), manifestez-vous auprès de nous afin qu'on rentre en contact avec l'éditeur et ainsi proposer le livre en France. >theendstore@gmail(POINT)com

Swedish Erotica Collection

2012-01-25T10:08:00.000-08:00

Avant d’être disponible chez Bach Films (et donc auprès de THE END), les trois fleurons du cinéma érotique suédois que sont La possédée, libres-échanges et Anita étaient disponibles en zone 2 chez nos voisins Britanniques. Dispatché dans deux coffrets distincts, Swedish Erotica Collection 1 & 2, ces éditions avaient l'avantage de proposer à l'époque six films indisponibles en France. Depuis, (Saint) Bach films a remédié à ça en nous proposant 3 films (en version française uniquement) sur les six. C'est-à-dire les trois avec la célèbre Christina Lindberg. Depuis quelques jours une box réunie l'intégralité des films au sein d'un seul coffret.

Vous pouvez donc retrouver dans ce coffret les six films suivants :

The Language Of Love (1969)
More About The Language Of Love (1970)
Exposed (1971) La Possédée
Love Play: That's How We Do It (1972)
Anita, Swedish Nymphet (1973) Anita / Les impures
Wide Open (1974) Libre-échanges

Pour le cinéphile français ce coffret ne présente plus que l'intérêt de proposer trois long-métrages représentatifs du cinéma érotique suédois dont Language of love disponible à l'unité, et ce pour la première fois.

Deux autres films sont vendus à l'unité, Exposed et Anita, deux films disponibles en zone 2 chez Bach Films. Pour le plaisir, voici les visuels des dvd (que nous trouvons particulièrement réussis) :

Pas de bonus, mais à noter qu'il s'agit ici des versions originales sous-titrés en anglais.

Robert Altman, une biographie orale

2012-01-24T07:30:00.000-08:00

Lorsqu'on évoque Le Nouvel Hollywood (1969-1981), les premiers noms de films ou de cinéastes qui viennent à l'esprit sont ceux de Coppola, Scorsese, Malick ou De Palma et peut-être Robert Altman (1925-2006). Depuis le 18 janvier dernier, la cinémathèque de Paris rend hommage à celui qui signa peut-être les films les plus revendicatifs et inventifs au sein du système Hollywoodien. On pense à M.A.S.H (palme d'or à Cannes en 1970, John McCabe (1971) ou à son adaptation de Chandler, Le Privé (1973). En marge de cette rétrospective, l'éditeur G3L a publié en novembre 2011, un ouvrage retraçant ce parcours si singulier. Pour en juger par vous-même, voici ce qu'écrit Peter Biskind dans son livre Le Nouvel Hollywood :

Catholique défroqué, Altman avait toujours été un rebelle. Ainé de trois enfants, il vit le jour dans une éminente famille du Kansas, le 20 février 1925. Courtier en assurances, son père avait des penchants pour le jeu, les filles et l'alcool. En dépit de cela, la vie familiale était plutot équilibrée. Engagé volontaire dans l'armée de l'Air à dix-neuf ans, Robert servit en tant que copilote dans un B624 au Japon durant les derniers combats de la Seconde Guerre Mondiale. A son retour, il épousa Lavonne Elmer. Quelques jours avant le mariage, les tourtereaux eurent un grave accident de voiture et c'est les mâchoires fermées que Lavonne murmura tant bien que mal devant le maire le "oui" décisif. "Miraculeusement indemne" : voici en deux mot résumée la vie d'Altman. Le couple s'envola pour Los Angeles, où ils essayèrent de gagner leur vie du mieux qu'ils purent. Bob fit de nombreux petits boulots, tatoueur de chiens par exemple. Sa seule détente était le cinéma. Le Voleur de Bicyclette de Vittorio De Sica et Brève Rencontre de David Lean furent à l'origine de sa vocation. Il commença à écrire quelques scénarios. Mais, foncièrement instable, il ne tarda pas à quitter Lavonne et revint s'installer à Kansas City, où il trouva un boulot dans l'industrie.
Mais il avait attrapé le virus du cinéma à Los Angeles et pour commencer, il avait décidé de vivre à hollywoodienne, ce qui revenait principalement à fréquenter les filles, à jouer et à se saouler. A l'hollywoodienne, bien sûr. Au beau milieu du déjeuner, il quittait la table et allait rejoindre une prostituée dans la rue d'à côté pour une pipe à deux dollars. "Se faire sucer à l'heure du déjeuner, pour lui, c'était tout particulièrement Hollywoodien", se souvient Richard Peabody, son copain de l'époque.
En 1954, [...] il fit alors ses débuts dans le documentaire en tournant un film au budget ridicule, The Delinquants, financé par un petit industriel de la région. Altman décida de monter son film à Los Angeles. L'industriel en question refusant catégoriquement de lui payer son billet d'avion, un beau soir d'aout 1956, il vola les rushes, les mit dans le coffre de la voiture prêtée par la production et démarra, direction Los Angeles, laissant une fois pour toutes derrière lui sa (seconde) femme, ses enfants et toute sa famille.

Robert Altman a fait irruption sur la scène cinématographique en 1970 avec le film M*A*S*H. Il a révolutionné le cinéma américain et en une décennie a réalisé des chefs-d’oeuvre tels que John McCabe, Nous sommes tous des voleurs, Le Privé,Trois Femmes et, bien entendu, Nashville. Puis, après une période de désillusion, il s’est réinventé à travers une série de films audacieux : The Player, Short Cuts et Gosford Park. Juste avant la sortie de son quarantième et dernier film The Last Show, il a reçu un Oscar d’honneur remis par une Académie qui l’avait longtemps ignoré. Sa carrière unique et singulière est racontée à travers les mots de sa famille et de ses amis, des agents, scénaristes, coéquipiers, producteurs et vedettes avec qui il a travaillé. On y retrouve Meryl Streep, Warren Beatty, Julianne Moore, Paul Newman, Martin Scorsese et tant d’autres. Robert Altman – réalisateur visionnaire, fêtard invétéré, homme de famille excentrique et légende hollywoodienne – reprend vie dans cette biographie cinématographique.

Mitchell Zuckoff, professeur de journalisme à l’université de Boston, travaillait avec Robert Altman à ses mémoires peu avant sa mort. Il tisse ici les derniers entretiens où se mêlent histoires et articles de journaux, dressant le tableau d’une vie en tous points extraordinaire.

594 pages - 40 euro

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Divers films de Robert Altman sont disponibles en dvd auprès de THE END (Le privé, Short Cuts, The Player, John McCabe,... plus d'infos par mail à theendstore@gmail(POINT)com

Spielberg en (hors) série

2012-01-23T10:39:00.000-08:00

A l’occasion des sorties rapprochées des films Les aventure de Tintin et Cheval de guerre (22 février 2012), ainsi qu'une (grande) rétrospective à la cinémathèque de Paris (du 9 janvier au 3 mars 2012), Mad Movies et Les Inrockuptibles viennent de publier deux hors séries à un mois d'intervalle. THE END vous propose un bilan pour faire votre choix. Commençons tout d'abord par Mad Movies puisqu'il s'agit du premier a avoir été disponible en kiosque.

Sorti en décembre 2011, le Hors-série de Mad Movies fait 132 pages pour un poids de 300 grammes. Spécialisé dans le cinéma de genre et plus particulièrement d'horreur, Mad Movies consacre la majorité de ses pages aux films qui s'inscrivent dans le domaine de la science-fiction et du fantastique. Voici le sommaire

Préface de Joe Dante
Les critiques des films : Duel, Les Dents de la mer, Rencontres du troisième type, E.T., l'extra-terrestre, La Saga Indiana Jones, Jurassic Park + Le Monde perdu, A.I. Intelligence Artificielle, Minority Report, La Guerre des mondes et Les Aventures de Tintin
Les débuts de Spielberg
Spielberg et l'horreur
Spielberg et les E.T.
La TV de Spielberg
Œuvres mineures ? (1941, La Quatrième dimension, Always, Hook)
La Formule Amblin
La Famille Spielberg
La Musique
Vidéographie

Si les autres films (La couleur pourpre, La liste de Schindler ou encore Amistad) sont évoqués au travers d'articles pour témoigner de la boulimie de travail du cinéaste, le cinéphile plus "généraliste" aura un gout d'inachevé... mais la ligne éditoriale de la revue passe avant... et celle-ci est respectée, cela est compréhensible. En contre-partie l'amateur de Spielberg pourra se délecter d'articles aussi bien informatif que proposant des analyses perspicaces et développé de fort belle manière.

Le point fort du HS de Mad Movies est de proposer un ensemble conséquent aux différentes activités parallèle de la carrière de Steven Spielberg, que se soit en tant que producteur (via Amblin puis Dreamworks) qu'à la télévision à travers ses nombreux projets, par toujours récompensés par le succès, loin s'en faut.

Quant aux Inrocks, leur hors-série fait 100 pages pour un poids de 200 grammes. Il suffit de feuilleter la revue pour s’apercevoir de la rareté du texte au profit de photographies, mais c'est une impression qui s'évacue rapidement dès la lecture, car ce numéro hors-série de l'hebdomadaire culturel réserve quelque bonne surprise. Avant de lister les points forts, regardons le sommaire :

I. Une Vie
Un jeu d'enfant Naissance d'un cinéaste
Une génération Spielberg et le Nouvel Hollywood
La construction d'un empire Plongée dans le Système Spielberg
L'extension d'un empire Spielberg et la télévision
Le maitre et ses disciples Les Héritiers de Spielberg

II. Une œuvre
Critique de l'intégralité des longs métrages de Duel (1971) à Cheval de guerre (2011)
Persistance rétinienne Onze motifs récurrents dans l’œuvre de Spielberg

III. Des gens
Master Class Steven Spielberg s'entretient avec James Cameron et J.J Abrams
Portrait de groupe La galaxie Spielberg
Tout Spielberg Filmographie, rétroxpective à la Cinémathèque français

Outre le fait que les Inrocks propose des critiques sur l'ensemble de la filmographie de Steven Spielberg, le cinéphile appréciera plus particulièrement deux articles passionnants. Le premier s'intitule "Persistance rétinienne" et s’intéresse à tous les motifs visuels récurrents dans l’œuvre de Spielberg. On retrouve donc le chromo familial, le halo, l’œil, la mâchoire, le parc d'attraction, les ébahis, l'ami imaginaire, le caca, le cercle, apnées et enfin les avions. Pas d'analyse mais juste la preuve par l'image de la répétition de signes, telle une marque de fabrique du style Spielberg. L'autre document important de ce hors-série est la retranscription (divers extraits) de la Master Class donné par Steven Spielberg en compagnie de James Cameron et J.J Abrams à la Director's Guild of America, à Los Angeles. Une discussion qui revient sur différents thèmes traités à l'intérieur du hors-série mais qui développe certains aspects ou entêtement (réalisé La Liste de Schindler en noir et blan et non en couleur comme le souhaité le studio) qui affirme Steven Spielberg comme un réalisateur de conviction et non le yes man à la solde des studios comme on l'a trop souvent présenté durant la fin des années 80.

Pour le reste, on peut constater des similitudes (obligatoires ? même le pull à rayure de Spielberg est identique) entre les deux revues qui reviennent l'une comme l'autre sur les aspects de la constellation Spielberg. Après c'est une question de sensibilité vis-à-vis de la revue mais sachez que les chroniques des films des Inrocks sont peut-être plus courtes mais font tout autant réfléchir et surtout donne une irrésistible envie de se replonger dans le monde de Steven Spielberg.

Au final, Les Inrockuptibles permettent d'avoir une vue d'ensemble de la carrière du papa d'E.T. tandis que Mad Movies dévoile l'inconscient d'un cinéaste qui marquera le septième art comme Kubrick ou Hitchcock l'ont fait dans leurs temps.

13 assassins de Miike en dvd / blu-ray

2012-01-22T12:33:00.000-08:00

Tourné un an avant Hari Kiri, son dernier film a être sorti dans les salles française en novembre dernier, 13 assassins pourrait être la confirmation que le style de Miike a perdu en excentricité. Mais, mieux vaut voir ces deux films de sabre comme une parenthèse plus qu'un changement radical. En effet, le réalisateur nippon semble comme toujours alterner les projets "adultes" comme les projets plus légers (en 2011, outre son remake d'Hara-Kiri, Miike a signé l'adaptation du manga Nintama Rantarô de Soubee Amako, une histoire d'enfant ninja). 13 assassins à l'instar d'Hara-Kiri, mort d'un samouraï est le remake d'un film d'Eichi Kudo de 1963 (disponible en dvd dans la collection Les Introuvables Wild Side sous le titre Les Treize Tueurs).

C'est sous la bannière de Metropolitan Filmexport que verra le jour l'édition dvd et blu-ray. A noter que la sortie blu-ray se fera sous le label HK Vidéo en édition limité, comprenant en bonus exclusif un livret de 12 pages. Pour le moment, nous n'avons que le visuel du dvd à vous faire partager.

A l’époque des Shoguns, le puissant seigneur Naritsugu menace la paix du Japon en provoquant des guerres incessantes. Déterminé à stopper sa folie meurtrière, un groupe de samouraïs renégats prépare en secret sa chute. Inférieurs en nombre, les 13 guerriers vont devoir affronter la redoutable armée de Naritsugu lors d’une ultime bataille, monumentale et sanglante.

Supplément :
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Entretien avec le réalisateur
Scènes coupées
Bandes-annonces
Livret exclusif de 12 pages (pour l'édition blu-ray)

Sortie : 20 mars 2012

Eyes Wide Open #1

2012-01-20T00:30:00.000-08:00

Comme beaucoup de cinéphiles, THE END cherche les derniers projets cinématographiques qui feront le "ramdam" dans les prochaines semaines parmi la communauté des passionnés de cinéma... enfin du moins on l'espère. Alors voici une sélection de trois films projetés dans divers festivals qui ne sont pas encore annoncés en France mais on croise les doigts, n'hésitez pas à nous laisser vos avis sur notre page Facebook.

Débutons notre premier "eyes wide open" avec ce long métrage australien présenté à Venise dans la section "Orizzonti".

Après son documentaire Bastardy, Amiel Courtin Wilson signe son premier film de fiction racontant l'histoire des retrouvailles entre un ex prisonnier et sa femme. Grandement inspiré des souvenirs de l'acteur principal (Daniel P. Jones) et de son épouse (qui joue son propre rôle dans le long-métrage), la bande annonce de Hail laisse présagé un film à la beauté plastique digne de Terrence Malick ou du récent Take Shelter de Jeff Nichols.

Direction la Malaisie avec un film de kick boxing matinée au film de gangster

Près de la frontière Thaïlandaise, le parcours de trois frères va se transformer en histoire criminelle. Réalisateur de court métrage dans les années 80, c'est seulement au début des années 90 que Dain Said se fait remarquer avec son "documenteur" ou "mockumentary" Surabaya Johnny. 17 ans plus tard, le réalisateur retrouve les écrans de cinéma avec Dunkun, un film que l'on annonce comme un croisement entre la magie noire et le polar. Enfin Bunohan (que l'on peut traduire par meurtre) est sans aucun doute son ticket pour la reconnaissance en occident.

Enfin, finissons en légèreté, avec une comédie nordique sur un sport peu médiatisé et peu connu par chez nous, le... curling.

Sortie le 23 septembre 2011, Kong Curling (ou King Curlin pour son titre international) est le premier film écrit et réalisé par Ole Endresen sur le retour d'un ex champion de ce sport au sein de son équipe, les Trashy Gentlemen, afin de réunir de l'argent pour sauver leurs anciens entraîneur.

Les premiers pas de James Dean

2012-01-19T13:21:00.000-08:00

Si pour beaucoup, James Dean, c'est trois films, (A l'est d'Eden ; La Fureur de Vivre et Géant), Bach Film a décidé de déterrer des entrailles de la télévision américaine les premières apparitions comme les "premiers" rôle de l’icône.

Présentation de l'éditeur :
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DISQUE 1
HILL NUMBER ONE
Pendant la Guerre de Corée, à la veille d’un nouveau combat, un groupe de soldats est abordé par un prêtre qui souhaite les sensibiliser à la religion catholique…
Bonus : Présentation du film par Stéphane Bourgoin.

I AM A FOOL
Un adolescent rebelle tombe amoureux d’une jeune fille de bonne famille.
Bonus : Présentation du film par Stéphane Bourgoin.

THE BELLS OF COCKAIGNE
Un jeune père sans le sous tente de subvenir aux besoin de son enfant malade.
Bonus : Présentation du film par Stéphane Bourgoin.

DISQUE 2
THE JAMES DEAN STORY
Le tout premier documentaire après la mort de James Dean réalisé par Robert Altman.
Bonus : Présentation du film par Stéphane Bourgoin.

THE EVIL WITHIN
La femme d’un savant jette son dévolu sur l’assistant de celui-ci, interprété par James Dean.
Bonus : Présentation du film par Stéphane Bourgoin.

DISQUE 3
CONDAMNÉ À MORT (SENTENCE OF DEATH)
Une course contre la montre s’engage pour sauver un homme accusé d’un crime qu’il n’a pas commis.
Bonus : Présentation du film par Stéphane Bourgoin
- A propos de Thomas Walsh par François Guérif
- Entretien avec André Grasset sur la restauration - Film avec publicités d’origine, dans les conditions du direct.

L'ensemble du coffret a une durée de 269 minutes dont voici la répartition :

Hill Number One (série : Family Theatre - 1951) : 60 minutes
I am a fool (série : General Electric Theater - 1953) : 30 minutes
The Bells of Cockaine (série : Armstrong Circle Theatre) : 25 minutes
The James Dean Story : 82 minutes
The Evil within (série : Tales of Tomorrow - 1951) : 25 minutes
Sentence of death (série : Studio One - 1953) : 60 minutes

Enfin sachez que le documentaire de Robert Altman a été édité par TF1 vidéo en 2004, couplé avec un autre documentaire "James Dean, Gloire et solitude d’un géant" de 52 minutes. Ce coffret est toujours disponible à la vente. Mais l'intérêt du coffret Bach est de proposer pour 25 euro, des archives rares, jamais vu (en dvd) en France qui sont donc a valeur plus historique que qualitative, mais peut-être nous nous trompons, du moins encore un bel effort de Bach pour creuser toujours plus loin l'autre histoire du cinéma.

Le Conformiste en blu-ray / dvd

2012-01-18T03:13:00.000-08:00

Si aujourd'hui le cinéma de Bernardo Bertolucci n'a plus grand intérêt à nos yeux, le cinéaste italien a jadis signé des films bouleversants et aux visuels incroyables. C'était le temps des débuts (Prima della rivoluzione, prochainement disponible en dvd auprès de THE END), des années 60 (Partner, 1968, avec Pierre Clementi et Tina Aumont, à quand une réédition en dvd / blu-ray ?) et surtout la décennie des années 70 qui va le consacrer internationalement avec Le dernier Tango à Paris (1972), 1900 (1976) et surtout Le Conformiste (1970).

Les interrogations et les actes d'un jeune fasciste en 1935 alors qu'il est envoyé en mission en France pour supprimer un professeur de philosophie qui lutte au sein des activités antifascistes.

Restauré par la Cinémathèque de Bologne, Le Conformiste, adaptation d'un ouvrage d'Alberto Moravia, se voit offrir une seconde jeunesse chez l'éditeur transalpin Raro Video, par l'intermédiaire d'une édition événement en dvd et en blu-ray :

En bonus, on retrouve une bande-annonce, un documentaire intitulé "All'ombra del conformista" que l'on peut traduire par "A l'ombre du Conformiste" de Adriano Aprà, une interview de Bernardo Bertolucci (57 minutes) et un livret en italien et en anglais.

Cette restauration fait des émules puisque l'éditeur Arrow sortira à la fin du mois de février son édition dont voici les détails :

- Audio commentary by Italian cinema expert David Forgacs
- Feature length documentary “Bernardo Bertolucci: Reflections on Cinema” on Bertolucci’s career with on-set archive material and interviews directed by Sandro Lai (Blu-ray only)
- A comprehensive booklet featuring brand new writing on the film by critic Michael Atkinson, a re-printed interview with Bernardo Bertolucci from 1971 and Bertolucci’s thoughts on filmmaking, illustrated with original stills
- High Definition Blu-ray and Standard Definition DVD presentation of the film
- HD restoration supervised by Director of Photography Vittorio Storaro in the original 1.66:1 aspect ratio
- Original Mono 2.0 audio
- Italian language with optional English subtitles.

Si de prime à bord, Arrow propose (une nouvelle fois) une interactivité riche et conséquente et qui plus est sous la forme d'un combo blu-ray / dvd, le francophone ne pourra que regretter l’absence d'un quelconque doublage en Français (n'évoquons même pas un sous-titrage, l'éditeur anglais ne propose jamais de sous-titrage dans la langue de Molière, et ce, surement pour des questions de droits). En attendant une hypothétique édition française (Wild Side ? Carlotta ? ces derniers on déjà travaillé avec la Cinémathèque de Bologne pour le coffret consacré à Lionel Rogosin. Peut-être un élement de réponse...) l'édition italienne reste la seule possibilité pour revoir le film... en français. Et oui, le dvd comme le blu-ray propose une piste son française*, quoi de plus normal pour une coproduction entre la France et l'Italie (et l'Allemagne)

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*nous devons recevoir dans les prochains jours, nos exemplaires destinés à la vente, nous vous tiendrons informés de la présence d'une piste française sur l'intégralité du long métrage.

Fassbinder restauré, Fassbinder réédité

2012-01-17T14:18:00.000-08:00

Hier, nous évoquions la fidélité de Capricci envers Albert Serra. Aujourd'hui, nous allons évoquer celle qui unit Carlotta à Rainer Werner Fassbinder (1945-1982). En effet, depuis 2004, Carlotta a contribué à (re)faire connaitre l’œuvre du cinéaste allemand à travers des ressorties salles grâce à des copies restaurées et à une collection de dvd aux conditions plus qu'exceptionnelles. Proposant bien souvent des suppléments passionnants, Carlotta a su petit à petit offrir au cinéphile des pépites jusqu'à ce jour invisible. On pense à la saga Berlin Alexanderplatz, Je veux seulement que vous m'aimiez ou encore le rare, Le Monde sur le fil. Avec 43 films à son actif, Fassbinder n'a pas fini de nous ravir.

Les deux nouveaux Fassbinder a être édité par Carlotta ne sont pas à proprement parler des "nouveautés". Whity (1970) et Lili Marleen (1980), les films en questions, étaient jadis disponibles au sein d'un coffret comprenant également Pionniers à Ingolstadt (1970). L'intérêt de ce coffret est toujours d'actualité puisque les éditions Carlotta vont ne comporter, selon nos informations, aucun bonus, à l'exception de bandes-annonces.

Un étonnant western marxiste, une œuvre unique et rare.
Surprenant western aux allures de drame social, Whity est un cas unique dans la carrière féconde de R.W. Fassbinder. Si le cinéaste rend hommage aux modèles du genre en citant Frtiz Lang (L'Ange des maudits) ou Erich Von Strohein (Les Rapaces), il offre une version pervertie du mythe américain. Bouc émissaire de ses maitres dégénérés, le héros noir de Fassbinder stimule les perversions sadomasochistes de la classe dominante pour mieux inverser les rapports de force. Porté par le charme d'Hanna Schygulla (Lili Marleen) et l'insolence de sa mise en scène, Whity est une oeuvre rare !.

Un superbe portrait de femme
Inspiré d'un hymne mythique de la Seconde guerre mondiale, rendu mondialement célèbre par Marlène Dietrich, Lili Marleen raconte le destin tragique d'une femme dans l'Allemagne nazie. Avec cette fresque monumentale, d'une ampleur rare dans l’œuvre de Fassbinder, le cinéaste livre son film le plus mélodramatique et nous raconte une histoire d'amour impossible. Égérie du réalisateur, Hanna Schygulla (Le Mariage de Maria Braun) trouve là son plus grand rôle. Vision pessimiste de la cruauté des hommes, Lili marleen est une charge poignante contre les rouages de la machine politique et l'une des œuvres majeures de Fassbinder.

Présenté en version originale sous-titré français et en version française, incluant donc les bandes-annonces, ces éditions seront vierges de toutes analyses de journaliste ou d'historien de cinéma. Certes les films n'auront jamais été aussi beau mais par rapport au coffret (toujours disponible auprès de THE END) point de présentation de Noël Simsolo et point de documentaires (Remember Fassbinder : les romanciers ; les cinéastes ; Les découvreurs). Si le premier bonus, c'est le cinéma, pour paraphraser le slogan de la collection dvd des Cahiers du Cinéma / Why Not, il ne fait aucun doute que les amoureux de Fassbinder seront quelque peu désapointer face à ce manque de compléments. Mais attendons la sortie des dvd en avril 2012, peut-être auront nous une surprise ?

Capricci : Albert Serra en dvd

2012-01-15T14:26:00.000-08:00

A force de nous abreuver de publications plus intéressantes les unes que les autres, on oublie que le métier premier de Capricci est la production d’œuvre cinématographique. Après avoir distribué en salle puis en dvd, le premier long métrage d'Albert Serra,Honor de cavalleria (2006), Capricci a directement aidé à la production de son second long métrage, Le chant des oiseaux (2009). Sorti en salle en janvier 2009 et auréolé de nombreux prix à travers le monde, Capricci réitère son engagement envers le cinéaste ibérique avec la sortie en dvd (mars/avril 2012) de ce second film, ainsi que du récent El senyor ha fet en mi meravelles traduit littéralement Le Seigneur a fait pour moi des merveilles.

DVD 1 : Le chant des oiseaux (2008)
Les Rois Mages sont en route à la recherche du Sauveur. Ils traversent, un peu au hasard, des déserts de glace, puis de sable. Ils vivent au gré des saisons, en harmonie avec la nature, se nourrissant simplement et dormant à la belle étoile.

"Tourné en Islande, en France et dans les îles Canaries, Le Chant des oiseaux porte l'adoration des mages à l'ère d'Internet, dans un désert mondialisé. C'est un refrain désormais connu, entendu partout, de Shanghaï à Hollywood. Mais les mages ne tirent ici ni puissance ni ivresse de ces bonds intercontinentaux. Au contraire, ils sont lourds, raides ou enflés en toutes circonstances, marchent le dos voutés ou tanguent comme des pingouins, et lorsque se présente la chance d'une séquence aquatique, leur corpulence leur permet tout juste d'agiter l'extrémité de leur membres et de flotter à la surface comme des bouées ou des toons. On les voit parcourir le globe, ils sont taillés pour la sédentarité. Leur langue, leur élocution, leurs traits et leur port sont ceux de la Catalogne profonde. Allongés côté à cote, le simple fait de changer de position paraît nécessiter une force titanesque. évoquant les capes de Star Wars, leurs habits font aussi bien songer à des peignoirs"

Antoine Thirion p.10-11 in Cahiers du Cinéma #641 - janvier 2009

Aussi surprenant que contemplatif, cette "comédie" en déstabilisera plus d'un face à ce film d'où émane par la beauté des images une certaine étrangeté. Son premier long métrage était déjà une relecture des aventures de Don Quichotte et Sancho Pança, ici, point de blasphème, juste une libre interprétation d'un récit.

Le second film, projeté l'été dernier au Festival de Locarno (Suisse), est une commande du musée d'art contemporain de la ville de Barcelone (MACBA) entre Serra et Lisandro Alonso. Le principe était que chacun des cinéastes envoient à l'autre une "correspondance" vidéo. Alonso a réalisé un court métrage d'une trentaine de minutes, Carta para Serra et Albert Serra lui a répondu par un long-métrage de 146 minutes.

DVD 2 : Le Seigneur a fait pour moi des merveilles (2011)
Albert Serra, ses proches collaborateurs et ses acteurs, repèrent des paysages, visitent, débattent, attendent. Ils arpentent La Mancha.

Si nous ne savons que très peu de chose sur ce film, qui se présente comme une comédie, l'adjonction de ce second film est le supplément inattendu qui suffit à réjouir le cinéphile. Pour patienter jusqu'à la sortie du dvd, retour sur Le chant des oiseaux avec un extrait de la note d'intention du réalisateur publiée dans les Cahiers du Cinéma lors de la sortie du film en salle.

La quête des Rois mages...
Qui ne connait pas cette histoire, à la base de la tradition chrétienne ? Trois rois partis pour adorer le Seigneur nouveau-né, guidés simplement par une étoile, chargés des plus somptueux présents... Quel paradoxe, pourtant, quand on songe que leur épopée tient en deux paragraphes dans La Bible. Dans quelle mesure alors ce que nous en savons, ou croyons en savoir, ne relève-t-il pas davantage de notre imagination que du Texte ?
Pour le réalisateur que je suis, tout est donc possible? Impensable trahison de l'Idée ; évident foisonnement d'idées. Le Rois mages en proie aux rigueurs climatiques - la neige, le froid ; la lumière irradiant le sable du désert libyen. Les Rois mages face à des signes difficiles à interpréter : un buisson en feu, un éclair sur un lac. Les Rois mages évoquant des sujets plus matériels : d'où proviennent leurs maux de ventre ? Choisissent-ils avec circonspection les herbes dont ils se nourrissent simplement ? Rois mais hommes avant tout, forcés de vivre en harmonie avec la Nature.
Il n'est pourtant, et naturellement pas question de faire un film verbeux, sensationnel. Il ne s'agit pas de narrer le mythe constitutif mais plutôt de rendre compte de son atmosphère, de sa dimension poétique. Comme dans mon précédent film, Honor de cavalleria, c'est la recherche d'une forme singulière qui m'intéresse.
Je souhaite réaliser Le Chant des oiseaux dans le même esprit, poussant plus loin encore la philosophie de tournage qui a présidé à la production de Honor de cavalleria.
Au niveau technique, d'abord. Le tournage d'Honor de cavalleria m'a convaincu du potentiel qu'offre aujourd'hui le numérique. Tout ce qui est joué par les comédiens est tourné, sans souci de changement d'objectifs, de lumière artificielle, de remplacement de chargeur, de répétitions. Cela est primordial pour travailler avec des acteurs non professionnels. Les aspects techniques ne seront pas négligés pour autant dans ce nouveau projet. Au contraire. Ils seront confiés aux mêmes professionnels (directeurs de la photographie, directeur artistique et technique du son) ainsi qu'au même laboratoire que pour Honor de cavalleria. Nous chercherons à atteindre une image encore plus surprenante, tout en gardant une certaine austérité visuelle.
Je souhaite néanmoins donner au Chant des oiseaux un ton plus empreint de comédie que pour Honor de cavalleria, film sévère, très conceptuel. Le chant des oiseaux offrira, je l'espère, davantage de place à l'inconnu puisque la Bible propose un récit très sommaire de l'épopée des Rois mages. La mise en scène pourra être plus extravagante dans ce projet que dans le précédent - même s'il est difficile de rendre compatibles ces deux tons si divergents, le mythique et l'humoristique. C'est aussi en cela que l'on pourra juger de la réussite du projet.

Albert Serra - p.13

Prix : 25 euro

Mondo Hollywood : un mondo culte !

2012-01-12T13:06:00.000-08:00

Disponible en dvd depuis 2008 chez l'excellent éditeur Chalet Pointu, Mondo Hollywood (1967) est un mondo devenu culte par son interdiction (temporaire) en France comme en Californie. Son côté sulfureux vient également des apparitions de Bobby Beausoleil, bien connu des admirateurs de Kenneth Anger ou de Charles Manson et de tous un tas de freaks comme de vedette de cinéma, et ce, pendant plus de 120 minutes psychédéliques. L'évocation de ce dvd, nous permet également de rappeler l'existence de l'(excellent) ouvrage de Sébastien Gayraud et Maxime Lachaud, Mondo Movies et films cannibales, Reflets dans un œil mort, indispensable pour quiconque s’intéresse à ce phénomène aujourd'hui disparu (quoique, on retrouve dans certains shows de télé-réalité ou certaines émissions des réminiscences des Mondo qui jadis faisaient scandales, là, où aujourd'hui cela est anecdotique) et sur l'évolution des mœurs à travers le monde.

Tourné entre 1965 et 1967, ce documentaire underground est un film culte sur le Hollywood des années 60 : acteurs, sportifs, LSD gourous, hippies, musiciens, danseuses, travestis...Considéré comme une "prophétie bizarre" par la critique, un film "pro-communiste" pour la CIA, "donnant une image trop flatteuse du capitalisme, trop de voitures et de piscines" pour les communistes, interdit en 1968 en France pour apologie de perversités, incluant la drogue et l'homosexualité, ce film est un témoignage dune société en pleine mutation morale. Avec des apparitions de Frank Zappa, Sean Connery, Brigitte Bardot, Alfred Hitchcock, Ronald Reagan... mais aussi Bobby Beausoleil, membre de la "Manson family" (aujourd'hui en prison pour meurtre) et Jay Sebring coiffeur des stars, victime de Charles Manson.

Supplément : interview de Robert Carl Cohen (80mn)

En bonus, THE END vous propose (dans un but informatif et pour la promotion de l'ouvrage) la chronique de Sébastien Gayraud et Maxime Lachaud extraite de Mondo Movies et films de Cannibales.

Mondo Hollywood (1967) de Robert Carl Cohen est un (autre) objet cinématographique non identifié mais dont le montage survitaminé et le psychédélisme jubilatoire en font un témoignage passionnant et unique sur les États-Unis des années 60, même si son action se déroule exclusivement à Hollywood.

Robert Carl Cohen commence dans le documentaire à la fin des années cinquante et après avoir filmé la Chine, l'Allemagne ou Cuba, il se décide avec ce projet d'enfin retourner vers ses origines et d'aller à la recherche des personnalités les plus excentriques du lieu où il a grandi. Il part d'un principe simple : il y mettrait tous les êtres les plus hors normes et les plus insolites qu'il rencontrera et leur fera narrer leurs propres scènes, dans un principe de volontariat et de liberté d'expression. Personne ne sera payé, aucune ligne de dialogue n'est écrite, et Cohen, lui, se charge de monter tout ce qu'il récoltera sur bobines.

Muni d'une camera 24 heures sur 24, il se fait le témoin de ce Hollywood de la fin des années soixante, excentrique, tourné vers la culture surf et les acides. Le tournage commence en septembre 1965 et dure jusqu'en mai de l'année 1967 mais, comme il le stipule lui-même dans un entretien avec Don Wrege, son attitude diffère de celle de Jacopetti lorsqu'il fit Mondo Cane : "J'ai fait de mon mieux pour capturer l'esprit de la ville à cette époque, un esprit qui n'existe plus. Hollywood est très différente aujourd'hui. Je n'ai pas essayé d'aller chercher ce que vous appelleriez "l'obscène". Mondo Cane fut le premier à utiliser le spectacle Mondo aux Etats-Unis.[...] J'ai donc essayé de montrer le monde Hollywoodien, alors que dans Mondo Cane , ils recherchaient le sensationnel. Je n'essayais pas de rendre Hollywood sensationnel, elle l'était déjà assez !".

Il n'a pas besoin d'aller chercher l'insolite, l'insolite est partout à Hollywood. De plus, en se faisant passer pour un journaliste de la chaine Monte Carlo TV (qui n'a d'ailleurs jamais existé), il a pu avoir accès à des séances exceptionnelles et on trouve dans son film de nombreuses personnalités : d'Alfred Hitchcock à la Reine Elizabeth, de Frank Sinatra à Brigitte Bardot, de Dean Martin à Robert Mitchum, de Telly Savalas au couple Elizabeth Taylor/Richard Burton, de Michael Caine à Anthony Quinn, de Jayne Mansfield à Charlton Heston, de Steve McQueen à Rock Hudson, etc. Plusieurs séquences font aujourd'hui partie de l'histoire comme la conférence de presse de Ronald Reagan, sans parler de la présence de Frank Zappa avant même qu'il ait sorti son premier album. En effet, comme dans tous les autres Mondo Movies américains de cette époque, la musique y est un élément majeur, assuré ici par des formations qui allaient par la suite devenir cultes comme Davie Allan & the Arrow ou The Mugwumps et d'autres noms comme The Raphaels. Il faut savoir que les personnalités choisies pour figurer dans le film ont-elles mêmes par moment assuré les chants et les parties musicales des épisodes les concernant.

Dans sa sélection, Robert Carl Cohen avait appliqué trois critères qu'il a suivi à la lettre : que ce soit quelque chose qui représente totalement Hollywood, son rêve et ses illusion, que la personne choisie soit inhabituelle et fantasque, et qu'elle soit dans le rêve Hollywodien. Il a donc retenu en vrac et entre autres Gypsy Boots, un écolo déjanté, Lewis Beach marvin III, un millionnaire qui vit avec un singe et so nchien, margaretta Ramsey, une actrice, Vito, un musicien hippy excentrique, Mr & Mrs White, un couple aisé, Dale E. Davis, un surfeur, Valérie Porter, une ancienne actrice de films de série B, Estella Scott, une femme de ménage, Sheryl Carson, une esthéticienne, Carol Cole, la fille de Nat King Cole, Richard Alpert, un psychologue, Helen White, une star du cinéma muet, ainsi que des sportifs, go-go danseuses, travestis ou accros aux amphétamines.

Comme d'autres films de l'époque, tel Medium Cool par exemple, il faut recadrer cette œuvre dans son contexte et dans les bouleversements qui déchiraient les États-Unis à ce moment-là : les manifestations anti-Vietnam, le mouvement des droits civiques, l’émergence très forte de la contre-culture avant qu'elle ne montre sa face la plus sombre. Il est d'ailleurs à noter que Bobby Beausoleil, un des personnages du film, a travaillé pour Kenneth Anger avant de commettre des crimes avec les disciples de Charles Manson et d'être incarcéré à vie. On y retrouve aussi un coiffeur, Jay Sebring, qui fut assassiné par la bande de Manson.
Mais ceux qui attendent de voir un Mondo dans la lignée italienne, avec des scènes terribles, seront décontenancés car il ne demeure ici qu'un désir de faire un cinéma libre, sans tabous, sans interdit. Du coup, les censeurs critiqueront le fait que, selon eux, le film fait l'apologie de la drogue mais, comme Cohen le dit lui-même, ce n'est pas sa faute si "à n'importe quel endroit où je mettais la caméra, la culture de la drogue était présente". Des éléments très Mondo demeurent néanmoins : en pur héritier du plan choc à la Jacopetti, Cohen passe de culturiste leveurs de poids à une femme qui coupe une tranche de viande. S'ajoutent des scènes de foules, des matches de foot ressemblant à des grandes messes nazies, des cracheurs de feu et un goût pour les freaks, une visite d'un musée du sexe, une évocation des sexualités taboues, etc. Le montage, quant à lui se délecte dans le gros plan et les effets psychédéliques.

En 1968, le film fut invité pour ouvrir le Festival du film d'Avignon, le ministère de l'information interdira instamment le film pour des raisons qui semblent bien absurdes aujourd'hui : "Apologie d'un certain nombre de perversités, parmi lesquelles les drogues et homosexualité... Un danger pour la santé mentale du public par son agression visuelle et la psychologie de son montage". Trois années plus tard, en 1971, le ministère français de la Culture enlèvera l'interdiction " en raison des changements profonds" apportés au film. Rien ne fut changé mais Mondo Hollywood gardera une réputation sulfureuse, notamment en Californie où il fut interdit deux fois et accusé de "pornographie".

Sébastien Gayraud et Maxime Lachaud in Mondo Movies et films cannibales, Reflets dans un oeil mort (2010) page 67 à 70.

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Mondo Movies et les films de cannibales. Reflets dans œil mort de Sébastien Gayraud et Maxime la chaud. Mondo movies et films de cannibales. Deux genres qui n'en sont qu'un, à mi chemin entre le documentaire et le film d'horreur. De Mondo cane (1962) à Cannibal holocaust (1980), plus de vingt ans d'images-choc, de polémiques, de scandales. Un cinéma du XXe siècle, inconnu, mystérieux. Ici, les explorateurs se perdent dans la jungle, fusils et caméras aux poings. Ici, le monde entier est un spectacle et la vie et la mort sont authentiques. Authentiques, vraiment ? Où se termine la réalité et où commence la fiction? De l'Italie à la France, en passant par les États-Unis, une fascinante cinématographie parallèle, véritable panorama de l'étrange. De L'Amérique insolite jusqu'à La France interdite, de Mondo Hollywood jusqu'à Face à la mort, un voyage aux frontières de l'extrême. Reviendrez-vous de ces continents perdus ? - 368 pages, 30 euros. Disponible auprès de THE END (à commander à theendstore@gmai(POINT)com

John Carpenter, le retour

2012-01-11T01:01:00.001-08:00

Plus de 10 après son dernier long métrage (Ghost of Mars, 2001), John Carpenter fait son grand retour, non pas en salle mais directement en dvd/blu-ray avec The Ward, l’hôpital de la terreur.

En 1966, dans l’Oregon, Kristen est arrêtée par la police après avoir mis le feu à une ferme. Murée dans un état de stupeur, le corps couvert d’ecchymoses et incapable d’avoir le moindre souvenir de ce qu’il s’est passé, Kristen est enfermée dans un hôpital psychiatrique pour jeunes filles. Au sein de l’institution, les autres détenues : Emily, Sarah, Zoey et Iris, vivent toutes dans la terreur d’un fantôme qui aurait été vu la nuit dans les couloirs. Kristen, qui est bien décidée à s’échapper, n’y prête aucune attention mais va bientôt comprendre que la créature qui hante l’institution détient peut-être la clé pour comprendre son passé…

Bonus :
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> Commentaires audio de John Carpenter et Jared Harris (VOST)
> Les coulisses du film

C'est probablement du aux mauvais échos lors de festivals qui a freiner les distributeurs français pour une exploitation salle. Heureusement les fanatiques de Big John ont pu découvrir le film durant la première édition du PIFFF (Paris International Fantastic Film Festival). THE END était présent mais à délibérément fait l'impasse sur le film pour ne pas définitivement enterré le réalisateur de Prince des Ténèbres et de Assaut sur le central 13, aujourd'hui nous regrettons...
Édité par Metropolitan Filmexport, le label a la riche idée de ressortir le même mois (février 2012) le premier film de John Carpenter, le cultisme Assaut.

Dans un commissariat isolé, où téléphone et électricité ont été coupés, un groupe de policiers se retrouve sous l’assaut d’un gang de rue de Los Angeles. Afin de s’en sortir, Ethan Bishop, lieutenant de police, doit demander l’aide des prisonniers détenus au poste.

Bonus :
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> Commentaire audio de John Carpenter
> L'histoire du film (16 mins)
> Piste séparée avec la bande originale
> 2 spots radio
> Bande-annonce

Le bonus THE END, quelques extraits du livre John Carpenter par John Carpenter de Gilles Boulenger jamais sorti en librairie mais jadis disponible dans l'édition collector limitée de Ghost of Mars.

Comment avez-vous rencontré Joseph Kaufman et J. Stein Kaplan, les producteurs du film ?
J. Stein Kaplan était un ami de l'USC, et il avait rencontré Joseph Kaufman lors d'un séjour à Philadelphie. je devais réaliser eyes avec le duo Kaplan/Kaufman comme producteurs, mais Jon peter et la Colombia ont voulu acheter le projet. J'ai donc écrit Assaut pour le tandem Kaplan/Kaufman en remplacement de Eyes.

Sont-ils intervenus durant le tournage ? Ou aviez-vous une totale liberté ?
J'ai eu une liberté totale. Mes seules limites étaient d'ordre budgétaire.

Comment s'est fait le distribution des rôles ? Sur quels critères ?
Darwin Joston était un ami. Un voisin, en fait. C'était l'époque où je vivais sur les collines de Hollywood, près de l'endroit où a été tourné l'Invasion des profanateurs de sépultures [de Don Siegel, 1956]. J'avais vu Austin Stocker dans Abby et Sheba Baby, deux films de blaxploitation. Nancy Loomis était la petite amie de Tommy Lee Wallace,, mon producteur exécutif. henry Brandon [qui jouait Scar dans La Prisonnière du désert, Ndr] était assez âgé à l'époque et était plus qu'heureux de se retrouver dans Assaut. J'ai choisi Laurie Zimmer et tout le reste de la distribution après des essais libres. A mes débuts, je choisissais les comédiens sur des critères simples : leur aptitude à la comédie et leur tempérament bon enfant. On ne payait pas beaucoup, alors il fallait que tout se passe pour le mieux.

La manière dont le film est structuré reste assez unique dans votre œuvre. Vous installez quatre actions différentes, puis vous les reliez entre elles.
Je voulais montrer le caractère inéluctable d'événements dus au hasard qui, en s’entremêlant, finissent par provoquer une situation qui n'aurait jamais eu lieu dans d'autres circonstances. C'était le biais que j'avais trouvé pour surmonter le caractère invraisemblable de l'idée du siège. Le film terminé, je me rappelle avoir lu un article sur un commissariat, Fort Apache, à New York, qui subissait les attaques constantes des habitants du quartier. J'ai alors réalisé que l'idée de base de Assaut n'était pas aussi ridicule et mélodramatique que j'avais pu l'imaginer.

Autre ouvrage consacré à John Carpenter paru lui en librairie mais aujourd'hui épuisé, Mythes et Masques : les fantômes de John Carpenter de Luc Lagier et Jean-Baptiste Thoret retrace film après film la carrière de ce grand cinéaste du fantastique. Extrait :

"Au milieu des années soixante-dix, la tendance du cinéma américain est l'atomisation des formes de narration classiques. dans les films de Tobe Hooper, Georges Romero ou encore Wes Craven, la caméra se déchaine et tente de restituer une réalité déconstruite par le cauchemar du Vietnam. Si Dark Star (1974) ne déroge pas à cette veine chaotique et désabusée, Assaut (que l'on peut considérer comme le premier "vrai" film de Carpenter) travaille une forme qui, en apparence seulement, confine à l'ultra classicisme. Mais derrière sa facture faussement désuète de série B révérencieuse, Assaut dissimule en ébullition, subtilement masqué par la rigueur des cadrages (l'utilisation du cinémascope renforce cette sensation d'ordre) et celle du récit, très respectueux des règles de la tragédie classique (unité de lieu, de temps et d'action). Dans le dispositif fantastique du film, ce travail sur la surface est essentiel : il a pour fonction de charger au maximum la vraisemblance de l'histoire et de forger une réalité opaque. Lorsqu'il se déclenchera, le siège apparaitra ainsi littéralement incroyable aux yeux des spectateurs, comme à ceux des protagonistes. "Le Fantastique ne se conçoit que par rapport à une norme" écrit Charles Grivel, et l'effet fantastique produit sera d'autant plus efficace que cette norme aura d'abord paru inébranlable. L'originalité d'Assaut réside donc dans sa double capacité à construire une surface ordonné et sûre, et de procurer dans le même temps, une sourde impression de chaos"

Melville, l'homme au Stetson

2012-01-10T06:39:00.000-08:00

Alors que la sortie événement en dvd / bluray collector du film Le Samouraï (1967) fait des remous sur internet (dvdclassik) et dans la presse (Cahiers du Cinéma) et ce, en partie dû à une qualité d'image quelque peu approximative en comparaison au Criterion, voire au René Chateau, l'éditeur Sonatine annonce la sortie d'un ouvrage consacré au maitre du polar, Jean-Pierre Melville.

Présentation de l'éditeur :
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Été comme hiver, Jean-Pierre Melville arborait invariablement un Stetson et des Ray-Ban. Le cinéaste du Samouraï et du Cercle rouge n’a jamais cessé d’entretenir sa légende.

Mais qui était vraiment ce styliste hors pair dont les treize longs-métrages continuent d’influencer des cinéastes aussi divers que Quentin Tarantino ou John Woo ? Un visionnaire qui a préfiguré la nouvelle vague en s’affranchissant des règles traditionnelles et en créant ses propres studios ? Un réalisateur tellement maniaque qu’il n’hésitait pas à se brouiller avec ses stars ? Un homme à jamais marqué par son passage dans la Résistance ?

À travers une enquête qui l’a conduit à rencontrer une quarantaine de proches et à découvrir des documents jusque-là classés « Confidentiel » dans les archives de la France combattante, Bertrand Tessier reconstitue le parcours d’un homme aussi complexe que génial tout en faisant revivre une époque : celle du grand polar à la française.

L'auteur
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Bertrand Tessier est journaliste, auteur et réalisateur. Il a signé des documentaires sur Romy Schneider et Patrick Dewaere et publié des biographies de Jean-Paul Belmondo, Alain Delon et Romy Schneider.

source : Sonatine

A noter que l'ouvrage Riffs pour Melville que nous évoquions ici est toujours disponible auprès de nous.

Jean Rouch : 3 nouveaux dvd

2012-01-08T12:24:00.000-08:00

L’œuvre de Jean Rouch (1917-2004) parait gargantuesque et en perpétuelle redécouverte. Le cinéphile devra attendre très longtemps avant de pouvoir revoir certains films du cinéaste ethnographe tant la restauration prend du temps face à une filmographie considérable. Les Éditions Montparnasse ont déjà proposé à travers diverses sorties un large spectre de son travail, notamment celui consacré à l'Afrique mais ces deux nouveaux titres prouvent que d'autres long-métrages documentaires sont encore à redécouvrir.

Chroniques d'un été / Edgar Morin et Jean Rouch (1960)

Paris 1960. Alors que la guerre fait rage en Algérie et que le Congo lutte pour son indépendance, Edgar Marin, sociologue, et Jean Rouch vont enquêter sur la vie quotidienne de jeunes parisiens pour tenter de comprendre leur conception du bonheur…

La version proposé ici est de 90 minutes. A l'origine le bout à bout fait par Morin et Rouch était de 4 heures, une durée déjà réduite puisque se sont pas moins de 20 heures qui ont été tourné. Dans un article des Cahiers du Cinéma, il a été évoqué que ces 20 heures soient proposés sous forme d'épisodes pour mieux rendre l'aspect prise de vue du quotidien parisien. Malheureusement cela ne semble plus d'actualité...

Passons au second titre à sortir au mois de mars 2012 qui fait partie des derniers travaux de Jean Rouch.

Madame l'eau (1993)

A la recherche de solutions pour lutter contre la sécheresse, Lam, Damouré et Tallou partent en Hollande, le pays de l’eau et des moulins. Ils ramènent dans leurs bagages un ingénieur néerlandais et le moulin démontable dont il est l’inventeur.

Nous ne savons que très peu de choses sur ce film qui fait partie des très nombreuses "ethnofiction" du cinéaste. Le film a reçu le Prix de la Paix à Berlin en 1993. A noter que le tournage de Madame l'eau a fait l'objet d'un autre film Rouch's gang (1998) signé Steef Meyknecht, Dirk Nijland et Joost Verhey.

Finissons par un documentaire de 52 minutes de Philippe Costantini sur l'hommage de Jean Rouch à Germaine Dieterlen, ethnologue de renom disparu en 1999, qui eut droit à un enterrement Dogon au Mali. Le film fait également figure de testament puisque Jean Rouch restera définitivement au Mali où il s’éteindra quelques semaines plus tard, le 18 février 2004.

Présentation de l'éditeur :
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En décembre 2003, Jean Rouch se rend au Mali, en pays dogon. Depuis la mort de Germaine Dieterlen avec qui il tourna les cérémonies du Sigui et plusieurs films sur les rituels funéraires, Jean Rouch souhaitait ardemment que des funérailles traditionnelles lui soient célébrées comme ce fut le cas pour Marcel Griaule (chef de la mission Dakar - Djibouti en 1931) qui révéla le peuple Dogon. Jean Rouch, fils spirituel de Marcel Griaule, retrouve ainsi à Sangha les fils des informateurs avec qui Germaine et lui travaillèrent tout au long de ces années de tournage et de recherche. Il évoque avec eux le souvenir de cette relation singulière établie par Marcel Griaule et poursuivie soixante ans durant par celle que les Dogons appellent “Madame l'Éternelle”. Fidèles au souhait de Jean Rouch, disparu brutalement avant la cérémonie prévue, les Dogons rendent leur hommage en inhumant un mannequin dans une grotte funéraire et élèvent ainsi cette grande dame au rang d'ancêtre.

“Ce devait être la cérémonie funéraire pour Germaine Dieterlen, ce fut aussi un peu celle de Jean Rouch (...). C'est ce moment étrange de passation des savoirs, cet adieu aux Dogons et à lui-même, que le film a saisi (...). Un bel hommage du village à celle qui était pour eux Yassiguiné, la soeur des masques. Pas seulement une ethnologue, une initiée donc, tout comme Rouch. Après leur départ, les Dogons n'ont pas seulement la mémoire de leurs dialogues avec Germaine, de leurs tournages avec Jean Rouch, ils ont aussi les photos de Germaine et de Jean. Et les films.” (Libération).

Les Introuvables : Lang, De Toth, LeRoy

2012-01-07T13:25:00.001-08:00

Voilà bientôt 10 ans que Wild Side à travers sa collection "Les Introuvables" comble le cinéphile comme l'amoureux d'un cinéma tombé dans l'oubli. Avant l'arrivée du dvd et de Wild Side, le seul moyen de (re)voir certains films étaient d'espérer un passage télévisé (cable, satellite ou hertzien) ou lors d'un festival ou d'une rétrospective. Autant dire une probabilité plus que hasardeuse. Aujourd'hui avec internet et le raccourcissement des distances, quantités de long-métrages sont aujourd’hui accessibles. Espérons que cela continue encore et toujours, de quelque manières que se soient...

Les trois prochains titres sont déjà connus depuis le début du mois de décembre via dvdclassik et 1kult mais nous vous proposons le visuel de ces trois films américains signés Fritz Lang (dont une rétrospective est en cours à la Cinémathèque de Paris), André De Toth et Mervyn LeRoy. Tous les trois ont déjà eu l'honneur de précédentes éditions, ce qui marque une certaine fidélité de la part de Wild Side envers ces cinéastes.

Désirs humains [Human Desires](1954)

Carl Buckley (Broderick Crawford) tue l’amant de sa femme Vicki (Gloria Grahame). Témoin de la scène, elle avoue le meurtre à Jeff Warren (Glenn Ford), un collègue de Carl. Pour ne pas compromettre Vicky dont il s‘est épris, Jeff garde le silence. Les amants décident alors de tuer le mari…
Inédit en DVD, ce drame social magistral est un des grands classiques du maître Fritz Lang. Inspiré de La Bête humaine de Zola, ce bijou de réalisation met en scène Glenn Ford (Gilda, La Vallée de la poudre), Gloria Grahame (Feux croisés, Les Ensorcelées) et Broderick Crawford (Les Fous du roi, Les Gens de la nuit).

Bonus : La loi des Désirs, entretien avec Bernard Eisenschitz (13mn)

La Valse dans l'ombre (Édition Collector [Waterloo Bridge] (1940)

Londres, 1917. Myra tombe amoureuse de Roy, un officier, sur le pont de Waterloo pendant un raid aérien. Plus tard, l’armée annoncera qu’il est tombé sous le feu de l’ennemi. Le cœur brisé, Myra sombre dans la prostitution. Mais parfois l’histoire se répète…
Merveille de réalisation à la sublime photographie, LA VALSE DANS L'OMBRE met en scène les stars Vivien Leigh (Autant en emporte le vent, Un tramway nommé désir et Robert Taylor (Ivanhoé, Libre comme le vent) dans une inoubliable histoire d'amour. Un trésor enfin édité, accompagné de la 1ère version du film, réalisée par James Whale (Frankenstein, la Fiancée de Frankenstein) en 1931.

Bonus : Waterloo Bridge : un pont entre deux rêves, entretien avec Olivier-René VEILLON (13mn) + Waterloo Bridge (1931) - 78 minutes - avec : Mae Clarke, Douglass, Montgomery, Doris Lloyd, Frederick Kerr, Enid Bennett, Bette Davis.

Femme de feu [Ramrod] (1947)

Connie Dickason refuse d’obéir à son père Ben qui souhaite la marier à Frank Ivey, un rancher très puissant, autoritaire et irascible. Pour tenir tête à ce dernier, elle engage Dave Nash…
Œuvre rare du grand André DeToth, FEMME DE FEU (Ramrod) est une pépite magistralement réalisée. Le film rassemble Joel McCrea (Buffalo Bill, Coups de feu dans la sierra) et la star Véronica Lake (pour son unique western) dans un rôle savoureux de lady manipulatrice et indépendante.

Bonus : Western noir pour femme de feu : entretien avec Bertrand Tavernier (26mn)

source : Wild Side

Black Power Revolution : cinéma & dvd

2012-01-05T02:31:00.000-08:00

L'un des privilèges de vivre à Paris est de ne rater aucun film, ou presque. Sorti le 16 novembre 2011, le film documentaire suédois Black Power Mixtape 1967-1975 est toujours à l'affiche de quatre salles parisiennes. Croisons les doigts pour que le film fasse le tour de France et qu'une salle niçoise est la bonne idée de projeter ce documentaire retraçant l'évolution des noirs aux USA durant les années 60 et 70.

Extraits du dossier de presse :
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The Black Power Mixtape est un documentaire d’archives axé sur la musique qui examine l’évolution du mouvement « Black Power » dans la communauté afro-américaine ainsi que sa diaspora entre 1967 et 1975. Combinant de surprenantes images inédites tournées en 16mm, reposant dans les caves de la télévision suédoise depuis 30 ans, avec des entretiens audio contemporains d’artistes, d’activistes, de musiciens et d’érudits afro-américains majeurs, le film observe les gens, leur culture et leur style au sein d’une société en changement. Utilisant un format novateur qui colle au format populaire des années 1970, The Black Power Mixtape est un voyage cinématographique et musical au sein des ghettos américains.
A la fin des années 1960 et au début des années 1970, l’intérêt des suédois pour le mouvement contre la guerre et pour celui des droits civiques aux Etats-Unis a atteint un sommet. En combinant engagement et naïveté, les réalisateurs suédois ont traversé l’Atlantique afin d’explorer le mouvement « Black Power », qui était tantôt ignoré, tantôt dépeint par les médias américains comme un mouvement naissant, terroriste et violent. Malgré les obstacles auxquels ils ont été confrontés de la part des conservateurs blancs américains comme des membres de mouvements radicaux, les réalisateurs suédois n’ont pas interrompu leurs investigations et ont formé au bout du compte des liens avec des figures-clés du mouvement « Black Power », basés sur leur objectif commun d’obtenir l’égalité en droits pour tous. [...]
Les entretiens filmés incluent à la fois des grandes figures telles que Stokely Carmichael, Eldridge Cleaver, Bobby Seale et Angela Davis (au temps de son incarcération), ainsi que des extraits du téléfilm de Lars Ulvestam : Harlem : Voices, Faces. (Quand ce film fut diffusé en Suède, l’ambassadeur américain basé dans le pays a demandé et obtenu un temps de parole à la télévision suédoise pour mettre en lumière les « nombreux défauts » du film).

Une rumeur circula pendant des années parmi les réalisateurs comme quoi la Suède avait plus de matériel d’archives sur les Black Panthers que les Etats-Unis. Il y a 2 ans, je travaillais sur un film parlant de Philly Soul et j’explorais les archives de la Swedish Television quand j’ai compris que cette rumeur était fondée. Peut-être pas entièrement, mais les archives sur le Mouvement Black Power étaient incroyablement riches. J’ai tout de suite su que j’avais mis la main sur quelque chose de rare. A partir du moment où nous avons vu le contenu d’archives, nous avons su immédiatement que nous ferions The Black Power Mixtape 1967-1975, d’une manière ou d’une autre. Nous n’avons pas attendu l’approbation de qui que ce soit ; nous avons commencé à faire ce en quoi nous croyions, et avons trouvé les fonds nécessaires au cours de notre cheminement. J’ai également considéré cet acte comme mon devoir de faire en sorte que ces fantastiques images sortent de la cave et soient rendues accessibles au public.

Göran Hugo Olsson, réalisateur

Déjà disponible en zone 1 ou en zone 2 uk (sans sous titres à l'exception des passages en suédois qui sont sous-titrés en anglais), le film n'est pas encore annoncé en dvd en France. Mais le documentaire est soutenu par Arte, ayant déjà sorti divers films dont ceux de William Klein consacré au FESTIVAL PANAFRICAIN D'ALGER et à ELDRIDGE CLEAVER BLACK PANTHER (dans un coffret 2 dvd disponible auprès de THE END) ainsi qu'un autre double dvd, THE MURDER OF FRED HAMPTON / AMERICAN REVOLUTION 2. Ce documentaire viendrait completer leur offre des plus belles manières.

En attendant une éventuelle sorti en dvd, on pourra toujours patienter en se procurant le documentaire de John Evans chez BQHL. Datant de 1998, ce film est une interview de Huey P. Newton (1942-1989), co-fondateur et leader du parti Black Panther, durant son emprisonnement dans les années 70.

OAKLAND, 1966 : fatigué de subir le harcèlement de la police locale depuis des années, un groupe de jeunes activistes met sur pied des patrouilles armées, chargées de mettre fin à la brutalité policière. C'est ainsi que nait le Black Panther Party pour l'Autodéfense. Abandonnant la philosophie de Martin Luther King quant à la résistance non-violente, les Panthers prônent une politique plus militante, notamment l'autodétermination et le séparatisme pour leur peuple. Huey P. Newton est le cofondateur du Black Panther Party pour l'Autodéfense, une organisation considérée par J. Edgar Hoover, directeur du FBI, comme “la plus grande menace à la sécurité intérieure des États-Unis”. Il passe quatre ans en prison pour homicide, avant que sa condamnation ne soit annulée en 1971. Ce document fort consiste en une interview exclusive de Newton pendant son incarcération, réalisée par le cinéaste John Evans. Newton expose ses buts en tant que révolutionnaire : l'autodétermination pour les Afro-Américains, le plein emploi, un logement décent pour les pauvres et les gens privés du droit de vote, la fin de la brutalité policière et le retrait des troupes américaines du Viêtnam.

Cinémathèque de Nice | De Palma & Pagnol

2012-01-02T12:13:00.000-08:00

Si le début d'année 2011 voit la fin du cycle Pierre Etaix et David Leane, la semaine prochaine la cinémathèque de Nice commence deux hommages à Brian De Palma et Marcel Pagnol, une confrontation pour le moins... exotique.

A THE END, nous avons toujours défendu l'idée de "mixité" entre les cinéastes et les films et laissez les questions de hiérarchie au cinéphile pour apprécier un Rollin comme un Godard, un Dominic Sena comme un Lautner. "Récemment" dans l'industrie musicale et vidéo, le "mash-up", mélange de son et d'image en provenance de différente source trouve un certain succès. Un festival, MashUp Film Festival, a même eu lieu au Forum des images à Paris en juin dernier. Si il n'est pas question ici de cette "discipline", la proximité et la possibilité de voir un Pagnol puis un De Palma nous donne le sourire, un sourire plein de perversité cinématographique. Pour le plaisir des yeux, voici quelques affiches de films présentés durant le mois :

FURY [The Fury] (1978)

Un ancien agent de la CIA recherche son fils disparu. Il le retrouve bientôt, prisonnier d'une agence secrète du gouvernement américain qui kidnappe les enfants dotés de pouvoirs surnaturels pour en faire des tueurs…

> mardi 24 janvier à 20h00
> jeudi 26 janvier à 16h30

CARRIE AU BAL DU DIABLE [Carrie] (1976)

Carrie, tyrannisée par sa mère et tête de Turc de ses camarades, a une adolescence difficile. Lorsqu'une de ses camarades la prend en pitié et veut l'aider, une autre monte un complot spectaculaire contre la jeune fille qui doit la ridiculiser…

> mardi 10 janvier à 18h15
> vendredi 13 janvier à 21h15

BLOW OUT (1981)

Jack, ingénieur du son, enregistre accidentellement la preuve d'une conspiration qui a conduit à un meurtre maquillé en accident. Voulant faire éclater la vérité, sa vie est menacé par les tueurs…

> mercredi 11 janvier à 19h30
> samedi 14 janvier à 14h00

PULSION [Dressed to Kill] (1980)

Une jeune femme perturbée consulte un psychiatre. Après ce rendez vous, elle visite un musée et rencontre un homme avec qui elle passe la nuit. Le lendemain elle est assassinée. Il y a un témoin…

> mardi 24 janvier 2012 à 14h00
> vendredi 27 janvier 2012 à 21h30

Tous les films du cycle Brian De Palma
OBSESSION | LE BÛCHER DES VANITÉS | MISSION : IMPOSSIBLE | MISSION TO MARS | FEMME FATALE | LE DAHLIA NOIR | REDACTED | L’ESPRIT DE CAÏN L'IMPASSE | SNAKE EYES

Si nous sommes heureux de pouvoir (re)découvrir sur grand écran la quasi intégralité de l’œuvre cinématographique de Brian De Palma, la cinémathèque n'a malheureusement pas fait "l'effort" de proposer des long-métrages moins "(re)connus" comme Greetings, Hi mom ou encore sa période années 60 comme le récent Murder à la Mod disponible en dvd (et auprès de THE END). Tous sont disponibles sur support numérique et la cinémathèque fait partie des institutions qui n'ont aucun problème pour diffuser ce matériel (à notre grand regret, surtout sans aucune mention).

LA cinémathèque proposera également toute une série de films récents dont :
VOUS ALLEZ RENCONTRER UN BEL ET SOMBRE INCONNU | THE GHOST WRITER | POETRY | APPALOOSA | NORTEADO | SOMEWHERE | LE COMPLEXE DU CASTOR...

Retrouvez tous les horaires et tous les films sur cinematheque-nice.com

Derek Jarman sur grand écran

2012-01-02T01:58:00.000-08:00

Tandis que sa filmographie apparait au compte goutte en dvd - du moins en France seulement trois films disponibles* sur le support - le grand écran (et l'import) reste encore le meilleur moyen pour découvrir ou revoir certains long-métrages rares de Derek Jarman (1942-1994). Le cinéphile aura en ce début d'année deux occasions pour voir dans les salles obscures, deux films emblématiques de sa carrière, Jubilee (1978) au Forum des images (Paris) dans le cadre d'un cycle "London is swinging" et Edward II (1991) au Nouveau Théâtre de la cité (Nice).

L’ange Ariel prédit à la reine Elizabeth l’avenir de l’Angleterre, où régnerait l’anarchie. “Jubilee est un portrait réaliste et haut en couleurs de ce qu’a pu être l’éclosion du mouvement punk à Londres, plein de violence, de passion, de sexe, de drogue et de mort.” (Alain Pacadis, Libération)

Analyse de Gérard Courant
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On se demande bien de quelle manière ce film va être reçu par le public. Tourné en 1977 au moment où le mouvement punk était en pleine effervescence, il a, trois ans plus tard, un petit goût de rétro qui, à coup sûr, n’est pas pour le désavantager. Et pourtant, c’est un film qui ne triche jamais avec lui-même : donner un aperçu parcellaire et jamais global d’un fait de société qui secoua les bases tranquilles de la société britannique. Tout y est : violence, sexe, destruction, vermine, décadence, bref, l’apocalypse. Derek Jarman épouse ces idées et cette réalité en filmant joyeusement et avidement la crasse, un Londres rempli de merde, un Londres ignoré des touristes et envahi par les punks, le tout en un rituel endiablé qui fait plaisir à voir.

Derek Jarman se sent à l’aise dans cet espace. Il n’a ni l’oeil de l’ethnologue, ni celui du sociologue venant enquêter sur un groupe marginal dont il ne pourrait donner qu’une représentation obligatoirement floue et diffuse. Rien de tout cela : il sait sur quel terrain il se trouve et filme en conséquence sans se soucier le moins du monde d’une quelconque grammaire cinématographique. Pour filmer les partisans de la destruction, on ne pouvait pas demander mieux ! Il invente à mesure qu’il filme. Ce n’est jamais génial, mais jamais ennuyeux et toujours emballant.

L’histoire est cucul et à l’eau de chardon : en 1578, l’alchimiste John Dee propose à la Reine Elizabeth de faire un voyage dans l’avenir. Elle accepte et découvre un Londres sans couronne, sans loi, sans ordre, aux mains et aux bottes de cuir de hors-la-loi anarchistes. Comment est-ce possible, se dit-elle ? Vous imaginez sa surprise ! C’est drôle, d’autant que, à aucun moment, les personnages de ce film ne se prennent au sérieux. Je ne sais pas comment Derek Jarman est parvenu à imprimer si fortement cette impression, mais ça marche ! On peut imaginer que chacun des interprètes a pu donner beaucoup de lui-même et en retour Jarman a dû les laisser très libres.

À qui s’adresse un tel film ? Assurément pas aux punks puisqu’ils n’existent presque plus ! À tout un chacun, sans aucun doute, car il se propose, sans ambages ni cérémonie, de mettre à vue et à nu un monde effondré, en totale décrépitude où la seule loi qui demeure est celle du plus fort. Bref, c’est un monde pourrissant qui tire à sa fin. Et si ce monde était le nôtre ?

Derek Jarman procède de la même manière que le Godard de Alphaville ou que le Kubrick de Orange mécanique. Ses extérieurs très réels de la périphérie londonienne deviennent un autre monde. Jarman situe son futurisme dans le monde d’aujourd’hui avec des flics presque identiques à ceux de sa majesté, la Reine d’Angleterre. Épurant le genre romanesque avec l’énergie d’une réalité quotidienne, Jarman se trouve confronté avec ce que Annette Michelson, dans son étude sur Alphaville, désigne par la notion d’immanence : immanence du futur dans le présent, de l’horrible dans le quotidien et du fantastique dans le réel.

Et pourtant, il y a une contradiction essentielle entre ce fait apocalyptique qui ne laisse guère d’espoir (le No future craché par les punks) et les personnages de ce film qui, tel Lemy Caution débarquant à Alphaville, prennent possession d’un espace poisseux. Bob, la réincarnation de la Reine, Amyle Nitrite, la chanteuse punk, Mad, la pyromane et Crabs, une « nympho » de première, quatre femmes, maîtresses des lieux, quatre corps qui ne se laissent pas marcher dessus et qui dépensent une telle énergie qu’ils feraient frémir les habitants bien tranquilles de Farenheit 451. Elles investissent l’espace de la plus simple des manières : en fonçant droit devant elles, sans chercher le moins du monde à opérer des détours quand la géographie et la configuration des lieux leur conseilleraient de le faire. Bien entendu, cela ne va pas sans heurts, témoin cette séquence orgiaque et très drôle dans une boîte où s’affrontent hippies, mods et punks, trois générations de marginaux que l’alcool, la drogue et le sexe parviendront à réconcilier. Un joli carnage que Derek Jarman filme avec la dose de délire et d’humour qui scandaliserait la reine Elizabeth en personne si elle avait le malheur de voir ce film.
Gérard Courant in Cinema 80, n°255 - mars 1980

> Jeudi 5 janvier à 16h30
> dimanche 15 janvier à 21h00

Le film Jubilee est disponible auprès de THE END en deux éditions dvd : zone 1 (Criterion) et zone 2 (import UK), attention pas de sous-titres.

Nouvellement couronné, Édouard II rappelle son fidèle ami et amant Piers Gaveston de l’exil. Follement épris de ce dernier, Édouard le couvre de cadeaux et de titres honorifiques, suscitant la jalousie de la cour. Avec l’appui du roi, Gaveston fait torturer et enfermer l’évèque de Winchester, responsable de sa déportation, à la Tour de Londres. Outragé par cet acte, la cour s’organise autour de Mortimer, le chef des armées, et de la reine Isabelle, souveraine délaissée, pour exclure Gaveston. Sous la contrainte, Édouard doit bannir son amant…

Réécriture vandale de la pièce de Christopher Marlowe, Edward II est une oeuvre libre et baroque qui mêle passion, trahison et violence en faisant fi de toute règle. Contestataire et provocateur, Jarman mêle la langue de Marlowe, l’un des plus illustres contemporains de Shakespeare, aux formes et aux emblèmes postmodernes des années 90. Puisant aussi bien dans la scénographie moderne (les espaces vidés du décor qui évoque le carton-pâte du Macbeth d’Orson Welles), que dans l’iconographie gay (le goût pour les uniformes comme revendication identitaire) ou dans l’esthétique pop (l’icône Annie Lennox y fait une apparition remarquée), Edward II mélange les genres sans pour autant renier son origine classique. Artiste protéiforme, figure clé du cinéma expérimental, Derek Jarman fait partie de ces cinéastes qui, avec Ken Russell et Kenneth Anger, ont construit leur cinéma autour du saccage des conventions. Oeuvre d’un auteur culte mort du sida en 1994, Edward II est un condensé magnifique de rage et de poésie.

Présentation de Derek Jarman
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Michael Derek Elworthy Jarman nait le 31 janvier 1942 à Northwood en Angleterre. Il étudie la peinture dès les années soixante à la Slade School of Fine Arts, ce qui lui permet, à la sortie de l’école, de décrocher ses premiers contrats en tant que décorateur pour plusieurs opéras du Royal Ballet.
En 1970, il fait son entrée dans le monde du cinéma grâce à The Devils (Les Diables) de Ken Russell, pour lequel il est engagé pour faire les décors, ainsi que pour collaborer à la production. Se découvrant une passion pour le septième art, il prend part à la recherche de financement pour le film Savage MessiaMessie sauvage) de Ken Russell (1972), tout en s’essayant à la réalisation en tournant des courts métrages et des clips vidéos en caméra Super 8. En 1975, il coréalise avec Paul Humsfress le scandaleux Sebastiane, sur la vie du martyre Saint Sébastien, dans lequel il mêle religion et sexualité. Avec ce premier film, Jarman se forge déjà une réputation de cinéaste marginal -d’autant qu’il se déclare publiquement homosexuel- mais voit son œuvre devenir une œuvre culte pour la communauté homosexuelle, notamment grâce à sa manière d’exalter le corps masculin. En 1977, il signe, cette fois seul, un hommage à la culture punk de Londres, Jubilee (Jubilé), constitué d’épisodes successifs souvent violents et affichant une vision clairement antimonarchique.
Deux ans plus tard, Jarman porte à l’écran la pièce The Tempest de Shakespeare, tout en continuant en parallèle la réalisation de courts métrages. Durant les années quatre vingt, le cinéaste confirme à travers ses films un travail soutenant le mouvement homosexuel, alors en pleine affirmation. Il tourne ainsi The Angelic Conversation, film singulier qui reprend des sonnets de Shakespeare lus par Judi Dench, durant lesquels défilent des images photographiques d’un couple gay au ralenti. En 1986, il présente son film le plus populaire, Caravaggio, qui est à la fois une biographie anti-conventionnelle et une réflexion sur le célèbre artiste italien. Grâce à la conception visuelle du film qui s’apparente aux œuvres du peintre, Jarman reçoit un Ours d’argent lors de la Berlinale ainsi que le Prix spécial du jury au Festival International du film d’Istanbul. Fort de son succès, Jarman enchaine en dressant un sombre portrait de l’Angleterre intitulé The Last of England (1987), puis War Requiem (1988), sérieux réquisitoire contre la guerre. A cette même période, le cinéaste découvre sa séropositivité, et s’engage de manière plus active en faveur de la communauté gaie en parlant publiquement du sida.
Tout au long des années quatre vingt dix, Jarman prolonge son travail de soutien à la cause homosexuelle et de peinture provocante et impitoyable de la société britannique. On peut citer The Garden (1990) dans lequel il revisite la Passion du Christ à travers un couple d’homosexuels, ainsi qu'Edward II (1991), réécriture ravageuse de la pièce éponyme de Christopher Marlowe pour laquelle il fut récompensé du Teddy Award, le prix FIPRESCI à la Berlinale, et le Hitchcock d’or au Festival du Film britannique de Dinard. Très atteint par la maladie, il poursuit malgré tout son travail de relecture de l’Histoire avec Wittgenstein (1992), qui retrace la vie et la pensée du philosophe allemand à travers une succession de saynètes. Quelques mois avant son décès en 1994, il réalise Blue (1993), qui est à la fois un film testament et son autoportrait face au sida et à la mort, et enfin Glitterbug, un documentaire composé d’images inédites de sa vie et de ses tournages.
Proche du cinéma expérimental, Derek Jarman est un des cinéastes les plus extrêmes du cinéma britannique, et surtout un des seuls à être resté en dehors des circuits commerciaux. Véritable novateur, Jarman est une figure essentielle de l’histoire du cinéma anglais, notamment grâce son action en faveur de la communauté gay. Il a su utiliser l’Histoire comme métaphore de la société de l’époque, et faire passer des messages pacifistes à travers l’art et la culture en montrant les homosexuels de manière positive. N’ayant jamais abandonné la peinture, Jarman est également réputé pour son esthétique singulièrement poétique, et son attention aux décors qui participent véritablement à l’atmosphère du film.

> jeudi 12 janvier 2012 à 20h00 (copie 35mm)

source : Forum des images / Carlotta
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* Les trois films disponibles en dvd sont Caravaggio (1985) et Wittgenstein (1994) dans un double dvd et Edward II, tous deux sont disponibles auprès de THE END. Pour commander envoyer un mail à theendstore@gmail(POINT)com

Godard & le groupe Dziga Vertov

2011-12-29T02:18:00.000-08:00

Retour sur un coffret incontournable pour tous les amoureux de Jean-Luc Godard dont certaine zone d'ombre dans sa filmographie sont enfin disponible grâce à un éditeur... espagnol.

Malgré le logo Gaumont sur le coffret, ne vous y trompez pas, il s'agit d'une édition étrangère renfermant une parenthèse dans l’œuvre de Godard aussi bien politique que esthétique. Entre 1968 et 1974, Godard, aidé par Jean-Pierre Gorin à partir de Vent d'est, aura pour but de lutter contre le concept bourgeois de la représentation et de combattre les appareils idéologiques d’États. Pour résumer "donner et prendre des leçons et (s') interroger".

Pour vous présenter ce coffret, nous avons décidé de vous proposer des extraits du numéro spécial Godard de la revue Avant scène Cinéma de Juillet - Septembre 1976 consacrant une grande part au groupe Dziga Vertov.

Un film comme les autres (1968)
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Conversation entre trois étudiants de Nanterre et deux ouvriers de Renault-Flins, entrecoupée d'images des événements de Mai 68 tournées par les États Généraux du Cinéma, et des sons pris dans diverses brochures et textes politiques du mouvement révolutionnaire depuis octobre 17. JLG

Produit antispectaculaire qui fonctionne par frustration, par provocation, Un film comme les aures a soulevé lors des quelques rares projections, des réactions de fuite ou de colère. Ainsi, l'unique séance qui a eu lieu au Lincoln Center de New York a été marquée par une véritable (petite) émeute. Il s'est trouvé néanmoins des partisans résolus de ce film dont les critiques de la revue Cinéthique.
Nous citons ainsi de large extraits de l'article de Jean-Paul Fargier : "Une double carthasis" paru dans Cinéthique n°1.
"Un film comme les autres ne ressemble à rien : ni aux films commerciaux, ni aux films des États-Généraux sur Mai, ni aux autres films de Godard (bien qu'il utilise portés à leur degrés zéro, des procédés précédemment élaborés). Efficace parce que d'emblée, il désigne le film comme film, dévoilant la démarche fondamentale de ce film qui consiste à prendre les signes d'abord en seule référence à eux-mêmes. [...]

Il n'est que de prêter attention aux éléments premiers qu'il met en rapport et selon quelle lois, l'action pédagogique ; et cette combinaison s'offre alors comme une deuxième voies d'approche de ce film pas comme les autres.
La bande image est composée de longs plans séquences en couleur montrant un groupe de travailleurs et d'étudiants discutant, cet été, dans l'herbe fleurie d'un terrain vague. Mais précaution envers la censure, procédé de distanciation, facteur d'anonymat ou d’universalisation ? Ils sont toujours cadrés de trop près ou de trop loin, de telle sorte que ces images ne donnent rien à voir, ou, pour être précis qu"elles ne montrent pas ce que le spectateur a envie de voir quand quelqu'un parle : le visage. Ces plans en couleur sont parfois coupés par des séquences en noir et blanc montrant des scènes de Mai, avec particularité qu'elles sont muettes.
La bande son est donc constitué uniquement avec des paroles de l'après-Mai. Elle comprend la discussion des militants sur les thèmes habituels, et un commentaire tantôt monologué tantôt dialogué composé de rappels chronologiques des causes, des moments et des suites de Mai, des citations allant de Shakespeare à Mao en passant par Michèle Firk, et des réflexions personnelles de Godard. Les deux pistes sonores se déroulent simultanément, en concurrence, tantôt s’effaçant l'une devant l'autre par un chevauchement jusqu'à l'inaudible. Ainsi, ce film où il n'y a la plupart du temps rien à voir, n'offre souvent rien à entendre.
Il semble donc conçu moins comme une démonstration au sens propre (il ne démontre ni n'explique rien) que comme une épreuve thérapeutique pour le spectateur. Il ne s'agit pas d'agit-prop ; au contraire, il intègre la propagande (discussion et commentaire) comme de simple éléments d'une composition. Autrement dit, il n'a pas pour but d'inculquer une idée, comme les ciné-tracts que Godard a fait en Juin. [...] Ce n'est ni un film descriptif, ni un film psychologique. Il s'agit plutôt de mettre en œuvre une catharsis politique et esthétique par le seul jeu d'éléments sonores et visuels rattachés à la réalité de Mai, mais détachés de leurs significations premières par leur agencement dans le film. Paroles et images ne signifient pas, mais leurs combinaison au sein du film produit une action directe sur le spectateur.
A ce niveau ce qui compte ce n'est pas les mots qui sont dits, mais qu'il y ait des mots qui soient dits, ce n'est pas celui qui parle, mais qu'on parle.
L'ultime étape est atteinte dans les moments inaudibles. Frustré de tout spectacle, frustré de la parole des autres, le spectateur est renvoyé à sa propre parole. Dans le silence qui nait de la saturation du son sa parole peut s'installer.

Bristish Sounds (1969)
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Comme son nom l'indique, ce film est fondé sur des sons. Dans les six séquences qui le composent, des images simples sont traversées, débordées, par une riche trame sonore. Un poing fermé ouvre le film en crevant un drapeau britanique en papier. Une voix dit " La bourgeoisie fabrique un monde à son image. Camarades, commençons par détruire cette images !"
Remarques de Jean-Luc Godard
Film encore non politique dans la mesure où il ne fait qu’énumérer les problèmes (ouvrier, étudiant, fascisme, etc) en termes sociologiques, comme le Monde ou L'Express, au lieu de les poser à partir d'une prise de position politique. Film non politique qui reste un objet de classe bourgeois, au lieu d'être un sujet encore bourgeois, qui prend une position de classe prolétarienne. Film politique en ce sens que sa façon de procéder extrêmement simple permet à tous de le critiquer facilement ; et donc de faire la démarcation entre être de classe bourgeoise et prendre une position de classe prolétarienne. Film politique en ce sens qu'en face de lui, objet de classe, on doit se définir comme sujet de classe vis-à-vis de cet objet.

Pravda (1969)
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"Au départ, nous étions trois à travailler sur Pravda, et je l'ai fini tout seul. Mais même si j'étais seul, ma solitude était différente de celle que j'ai ressentie faisant Week-end, ou Pierrot le fou, ou A bout de Souffle. Parce que je me suis senti davantage liés aux événements politiques, aux mouvements de masse et à la lutte des étudiants, j'étais pas vraiment seul... C'était très différent".

Jean-Luc Godard in Take One (mars 71)

"un tournage soi-disant politique, en fait, du tourisme politique, ni plus ni moins ; des images et des sons enregistrés un peu au hasard : les cadres, les ouvriers, les étudiants, les rapports de production, l'américanisme, le révisionnisme, etc., bref, des images et des sons enregistrés selon la bonne vieille classification de l'idéologie bourgeoise à laquelle on prétend pourtant s'opposer".

Vent d'est (1969)
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Vent d'est est le résultat d'un échec, d'une mésentente. Cohn-Bendit voulait tourner un "western politique", Godard et Gorin voulaient s'attaquer à travers le western au concept bourgeois de représentation. De cette faille est né un film qui, par son histoire, ne ressemble à aucun autre.

Luttes en Italie (1970)
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Gorin : Luttes en Italie est un film sur la transformation d'une fille qui dit au début qu'elle est impliquée dans le mouvement révolutionnaire et qu'elle est marxiste. Le film présente trois parties. pendant la première partie, tandis qu'elle parle, on découvre petit-à-petit qu'elle n'est pas si marxiste qu'elle dit. L’idéologie bourgeoise marque certains aspect de la vie. Ce que nous essayons d'expliquer dans les deux autres parties, c'est comment c'est arrivé. Donc tout le film est fait de reflets des quelques images de la première partie. Godard : Dans la deuxième partie, elle prend conscience que quelque chose n'allait pas dans la première partie. Elle prend conscience, et nous avons elle (puisque nous lui ressemblons), mais elle ne sait pas vraiment comment découvrir ce qui est arrivé. Dans la troisième partie, à cause de ce qu'elle vient de réaliser, elle doit revenir sur la première partie et essayer de découvrir ce qui s'est passé.

Par comparaison avec les travaux antérieurs du groupe Dziga Vertov, Luttes en Italie marque un progrès au niveau de la recherche théorique sur les sons et les images. [...] Avec Luttes en Italie, film "philosophique" sur l'idéologie, le Groupe entend construire des images simples et justes, veut contrôler entièrement la continuité, la chaine de montage selon le principe de Vertov, que l'on monte avant, pendant et après le tournage.

Qu'est-ce que qu'une image juste ? "c'est une image nécessaire et suffisante" répond le Groupe Dziga Vertov. On peut ajouter que, dans Luttes en Italie, c'est une image fabriquée avec économie de moyens, qui visualise, par un raccourci, le sujet dont il est question dans la séquence. [...] Luttes en Italie, tourné à Paris par des cinéastes qui ne sont pas particulièrement impliqués dans le mouvement révolutionnaire italien, ne traite pas des luttes concrètes, en Italie ou ailleurs. Son objet est abstrait et sa ligne théorique s'apparente à celle de Louis Althusser.

Vladimir et Rosa (1970)
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Vladimir et Rosa s'inspire du procès des "8 de Chicago". Ce procès est ainsi évoqué dans une note additive à la traduction française du livre de Jerry Rubin : Do it (Seuil) : Bobby Seale, Tom Hayden, David Dellinger, Abbie Hoffman, Rennie Davis, Lee Weiner, John Froins et Jerry Rubin : les "8 de Chicago", protagonistes du plus important procès politique américain de ces vingt dernières années (octobre 68 - mars 69). Inculpés de "conspiration" en vue de provoquer une émeute lors de la convention démocrate de Chicago en aout 1968, ils en furent acquittés, mais condamnés à des peines allant de deux mois à quatre ans de prison pour "injure au tribunal" (y compris kes deux principaux avocats). Ce procès fait date en raison de l'attitude irréductible des accusées qui transformèrent la salle d'audience en piste de cirque et en ring de boxe tout au long des six mois que dura le procès. Les "8" représentent à peu près toutes les nuances du "mouvement".

Vladimir et Rosa est un exercice de théâtre de guérilla, une reconstitution semi-brechtienne du procès de la "conspiration de Chicago" et une dissertation sur comment les films, y compris celui-ci devraient être faits.

Susans Rice, Take One, vol.2 n°11

Dans Vladimir et Rosa, comme dans le procès de Chicago lui-même, le style théâtral est d'abord celui de la farce bouffonne. Beaucoup de l'humour de ce film vient de pitreries de Godard et Gorin eux-mêmes, car ils paraissent abondamment à l'écran, soit en tant qu'accusés Yippies (ils semblent s'être attribué les rôles de Abbie et Jerry, bien que Jean-Luc campe dans le procès "Friedrich Vladimir" et Jean-Pierre "Karl Rosa" - d'où le titre du film), soit dans leur rôle également humoristique de fabricants de films essayant de "faire politiquement un film politique".

James Roy Mac-Bean, Film Quaterly, Fall 72

Vladimir et Rosa est peut-être une pochade mais a) contient un certain nombre de notations justes sur l'appareil répressif d’État, qui politiquement ne le rend pas sans intérêt, b) au niveau de la contradiction spécifique du travail de Godard et Gorin, marque surtout l'exaspération d'un ton (la dérision grinçante) que l'on identifiait naguère au "style" Godard, qui de toute façon est présent dans les autres films fu groupe Dziga Vertov, et qui reflète une contradiction politique ; l’absence d'une pratique révolutionnaire organisée de masse, la situation flottante du "groupe" et l'aspect principalement critique, destructeur, de sa pratique ".

Cahiers du Cinéma n°238-239

1PM. One Parallel Movie (1971)
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[...]fin 68. Il commence à New-York, avec D.A. Pennebaker, le tournage de One American Movie (One A.M.) à propose de " la nouvelle Révolution américaine". Plusieurs scènes et interview ont été tournés avec Eldrige Cleaver (au nom des Black panther PArty), Tom Hayden qui fut le premier président du S.D.S. (Students for a Democratic Society, principale organisation de la Nouvelle Gauche entre 1960 et 1970), le groupe Jefferson airplanes... et un administrateur de Wall-Street. Mais très rapidement, des conflits éclatent entre Godard et l'équipe Leacock-Pennebaker qui veulent faire du cinéma vérité et qui prennent le pouvoir en dénonçant "les manipulations et les déformations des faits par Godard" (Note : printemps 70), Godard, décide, en accord avec Gorin, d'abandonner définitivement le "cadavre" de One A.M. Pennebaker utilise les rushes du film pour monter sa propre version qu'il appelle One Parrallel Movie (One P.M.) J.P. Gorin dit à propos de ce film : " c'était une merde parce que que les rapports entre Jean-Luc et Pennebaker étaient absolument inexistants. Leacock et Pennebaker ont fait leur truc en jouant du zoom et en courant autour, Jean-Luc ne voulait que des plans fixes. Et c'es très étranges quand tu regardes One P.M. car tu vois Jean-Luc comme un zombie dans un coin de l'écran absolument incapable de sais ces singes fous" Interview dans Take One en 1975).

Letter to jane, an investigation about a still (1972)
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En octobre 72, il fait avec Gorin une tournée dans les universités américaines où ils présentent Tout va bien et un essai en 16mm : Lettre à Jane, enquête sur une photo. Ce film de 45 minutes est basé sur une photo-couverture de L'Express qui représente Jane Fonda en train de regarder un village dévasté du Nord-Vietnam. La légende de la photo dit à peu près ceci : "Jane Fonda interroge les Nord-Vietnamiens sur les bombardements américains". La lettre que Godard-Gorin adresse à Jane Fonda est une critique de son attitude de vedette internationale, de son comportement "paternaliste" envers les Vietnamiens qu'elle se permet d'interroger au lieu de simplement les écouter...

"exercice en sémiologie barthésienne, une étude en cybernétique, une histoire du cinéma, une critique marxiste de la culture populaire "

Sight and Sound, été 73

Deux autres films sont disponibles dans le coffret :
> un film publicitaire Schick (1974)

> Ici et ailleurs (1974) / 53 minutes

En bonus, nous retrouvons des présentations de David Faroult, un livre (en espagnol) Chronologie du groupe Dziga Vertov (64 pages).

Enfin nous ne pouvions finir ce message sans évoquer la prochaine sortie de trois films de Jean-Pierre Gorin en zone 1 chez Criterion / Eclipse

> Poto and Cabengo (1980)
Grace and Virginia are young San Diego twins who speak unlike anyone else. With little exposure to the outside world, the two girls have created a private form of communication that’s an amalgam of the distinctive English dialects they hear at home.
> Routine Pleasures (1986)
What do a club devoted to model trains and the legendary film critic and painter Manny Farber have in common? These two lines intersect in Jean-Pierre Gorin’s lovely and distinctly American film.
> My Crasy Life (1992)
Jean-Pierre Gorin’s gripping and unique film about a Samoan street gang in Long Beach, California, is, like other works by the filmmaker, a probing look at a closed community with its own rules, rituals, and language.

Un coffret 100 % U.S.A. pour un réalisateur français dont aucun film n'est disponible en France. Il faut croire que, ni sa collaboration avec Godard, ni son travail documentaire n'est trouvé grâce aux yeux des éditeurs français... et c'est bien dommage. Grâce à ces deux coffrets dvd, le cinéphile a aujourd'hui la possibilité de voir ces trésors oubliés.

Pour commander le coffret Godard envoyez un mail à theendstore@gmail(POINT)com

Capricci, planning 2012

2011-12-28T12:45:00.000-08:00

A de nombreuses reprises, nous avons affirmé sur ce blog les qualités éditoriales de Capricci et le premier trimestre 2012 confirmera cela avec un programme chargé dans lequel nous retrouvons tout l'éclectisme qui caractérise l'éditeur.

En plus de proposer des livres, des dvds, voire les deux ensembles, Capricci publie également une "revue" (nous sommes plus proches du livre que d'un simple magazine) annuelle faisant aussi bien le bilan de l'année écoulée qu'offrant un regard sur les projets futurs de l'éditeur. Ce Capricci 2012 peut-être considéré comme le porte drapeau de l'éditeur, renfermant les ambitions à venir, les coups de cœur comme des réflexions sur le médium.

On trouvera pêle-mêle dans ce numéro un chapitre inédit de l'autobiographie de Luc Moullet (à ne paraître intégralement qu'après sa mort), un journal de tournage du nouveau film d'Albert Serra, tenu par l'écrivain catalan Jaume C. Pons Alorda, le récit d'une rencontre haute en couleurs avec Vincent Gallo, un extrait du nouveau scénario de Matt Reeves, le réalisateur de Cloverfield, et de nombreux autres projets et bien d'autres choses dévoilées prochainement.

Originellement prévu pour septembre dernier (ce numéro 5 de la collection Actualité critique devait paraître après Réponse à Hadopi de Juan Branco, finalement, c'est David Fincher ou l'heure numérique qui a pris sa place) est dorénavant annoncé pour 2012, espérons que ce livre de 96 pages verra enfin le jour.

Oz, série américaine créée en 1997 par Tom Fontana, a été saluée comme une des plus influentes de ces vingt dernières années. En 6 saisons et 56 épisodes, Tom Fontana construit un drame shakespearien complexe à travers la vie et la mort de détenus d’une prison de haute sécurité. Suspens oppressant, personnages imprévisibles, crudité de la violence et du sexe montrés à l'écran (interdite en France aux moins de 16 ans), la série n'a pas vieilli depuis sa fin en 2003. Jean Douchet est le plus influent des critiques français en activité. A ce jour il ne s'est jamais exprimé sur une série télévisée. Ce livre est l'événement qu'attendent ses admirateurs. La Vie en Oz traverse les motifs de la série : la violence des relations entre hommes en prison, l'homosexualité, la famille et les clans, la religion... Il analyse la vision d'un système carcéral, le rapport des Américains à la morale, à la justice, à la peine de mort. Il est le croisement entre la vision d’un monde d'images en plein bouleversement et celle d'une société américaine pour qui la fiction permet d’interroger ses paradoxes.

Jean Douchet est cinéaste, critique, historien du cinéma. Rédacteur aux Cahiers du cinéma de la première époque, grand pédagogue, aussi actif à la radio qu'à travers ses ciné-clubs, il a marqué des générations de cinéphiles. Il est l'auteur de succès de librairie, sur Alfred Hitchcock et sur la Nouvelle Vague, mais aussi d'analyses des œuvres de Murnau, Vincente Minnelli, Akira Kurosawa ou Jean-Luc Godard. Son enseignement à l'IDHEC, puis à la Fémis, a marqué de nombreux jeunes réalisateurs. Il n'a jamais cessé d'animer des ciné-clubs, dont chaque semaine celui de la Cinémathèque française. Il apparaît dans de nombreux films : A bout de souffle de Jean-Luc Godard, Les Quatre Cents Coups de François Truffaut, La Maman et la putain puis Une sale histoire de Jean Eustache, Un jeu brutal de Jean-Claude Brisseau, La Reine Margot de Patrice Chéreau

Si certains cinéastes ou genres cinématographiques ont une actualité littéraire restreinte, voire quasi inexistante (et c'est bien dommage) le cinéaste chinois Jia Zhang-Ke peut se targuer d'avoir déjà un livre analysant son œuvre (Le cinéma de Jia Zhang-ke, No future (made) in China ; Éditions PUR / 2009) et bientôt un second avec Mon gène cinématographique : Textes et entretiens sur mes films, la Chine et le monde par le réalisateur lui-même.

Mon gène cinématographique est un recueil d'essais, d'entretiens et de discours donnés par Jia Zhang-ke entre 1996 et 2010. Le livre est organisé en dix parties, traitant chacune d'un film. Chaque texte reflète la pensée du cinéaste à une époque donnée, offrant un éclairage immédiat et vivant sur ses oeuvres. Les sujets abordés sont divers et complets : récit des expériences de jeunesse, problèmes survenus lors des tournages, production et distribution des films, en passant par un exposé de l'esthétique cinématographique de Jia et des observations faites au fil de ses contacts avec le monde du cinéma. Mais la véritable valeur du livre tient à l'observation pointue et aux critiques virulentes adressées à la société et au cinéma chinois. Jia laisse fuser un humour piquant et une certaine veine satirique visant principalement les représentants du cinéma industriel en Chine. Les entretiens accordent également une place à plusieurs figures notables du cinéma, notamment les réalisateurs taïwanais Hou Hsiao-Hsien et Tsai Ming-Liang. Certains essais traitent de réalisateurs ayant joué un rôle direct sur l'oeuvre de Jia, comme Martin Scorsese, ou indirect, comme Yasujiro Ozu. Ces personnages constituent un cadre dans lequel il devient possible de comprendre quelle position Jia tient vis-à-vis de ses pairs.

C'est 1998 que le public français découvre Jia Zhang-ke, né en Chine en 1970, et son premier long métrage Xiao Wu, artisan pickpocket. Aujourd'hui, Jia est unanimement reconnu comme le plus grand cinéaste chinois actuel. Mieux que quiconque, il s'est fait le peintre des bouleversements de son pays au passage du communisme au capitalisme, et le chroniqueur d'une jeunesse post-Tien-an-Men, particulièrement dans des films comme Plaisirs inconnus (2002) ou The World (2004). Il a su montrer comment ces bouleversements sont liés à des mouvements plus profonds, à la résistance d'un vieux monde. C'est en partie l'objet de Still Life (2007), c'est plus directement celui de ses documentaires In Public (2001), 24 City (2008) et I wish I knew (2010), tournés dans l'intervalle de ses fictions. D'abord contraint de tourner sans autorisation, Jia peut désormais travailler plus librement. Il a reçu de nombreux prix dans les festivals de films internationaux, dont la Montgolfière d'Or au Festival des trois continents pour Xiao Wu, artisan pickpocket (1999) et Platform (2001), le grand prix au FIDMarseille pour In public (2002) et le Lion d'or à la Mostra de Venise pour Still Life (2007).

Rappelons également les disponibilités imminentes des ouvragesClint Fucking Eastwood et Deux Temps, Trois Mouvements évoqués sur le blog il y a quelque semaines. Mais nous avons également les prochains titres, à défaut de visuel et d'informations sur le contenu, à paraitre au printemps prochain

> Charlie Sheen, un certain art de vivre de Cédric Anger (critique au Cahiers du Cinéma, réalisateur [Le Tueur, 2007] et scénariste [Le Petit Lieutenant de Xavier Beauvois, 2005]

> D'où viens-tu Dylan ? de Louis Skorecki (déjà auteur chez Capricci d'un récent "Sur la Télévision")

De belles lectures en perspectives qui confortent la position (dominante ?) de Capricci sur le segment de la littérature consacrée au cinéma, peut-être pas en terme de vente mais en qualité éditoriale c'est une évidence.

Pour toute commande ou demande de tarification, un seul mail theendstore@gmail(POINT)com

Bach Films : rééditions & nouveautés

2011-12-27T12:12:00.000-08:00

Bach Films termine l'année en beauté avec une salve de nouveautés qui raviront les fans de Science Fiction des années 50 avec pas moins de cinq nouveaux doubles programmes et des rééditions pour une nouvelle collection. Commençons justement par ces trois ressorties (précédemment disponibles chez l'éditeur) qui ont eu droit à une cure de jouvence bien mérité avec des copies remastérisées et réunis sous la bannière "Collection Films Noirs".

MORT A L'ARRIVE / Rudolph Maté (1950)

Frank Bigelow, un homme apparemment sans histoire, fait irruption dans un commissariat de police pour signaler un meurtre : le sien. Epuisé et mourant, il raconte aux policiers comment il a été empoisonné et la diabolique conspiration dont il a été la cible.

Plus reconnu pour son travail en tant que directeur photo (To Be or not to Be d'Ernst Lubitsch, Elle & lui de Leo McCarey ou encore Vampyr de Carl Theodor Dreyer) que pour son travail de metteur en scène, Rudolph Maté (1898-1964) de son vrai nom Rudolf Mayer n'a pourtant pas démérité avec de très beaux films (westerns) comme Le Souffle de la Violence et le classique Horizons lointains, tous deux réalisé en 1955.
Comme bon nombre de long-métrage libre de droit, Mort à l'arrivé a connu plusieurs éditions dont une chez Wild Side dans leur collection Vintage Classics. Voici selon eux les 5 bonnes raisons pour découvrir ce film :

• Parce que les scènes de rue avec Frank Bigelow en panique ont été tournées sans que les piétons soient au courant.
• Parce qu’il sagit du 3ème et du plus célèbre film de Rudolph Maté, un immense chef opérateur né en Pologne qui a travaillé, une fois établi aux États-Unis, aussi bien avec Fritz Lang, Alfred Hitchcock que Leo Mac Carey et Orson Welles (pour La Dame de Shanghai !).
• Parce qu’Edmond O’Brien, qui a obtenu à deux reprises l’Oscar du second rôle (pour La comtesse aux pieds nus et pour 7 jours en mai), est le « character actor » par excellence.
• Parce que Mort à l’arrivée marque les débuts de Neville Brand qui incarnera Al Capone face à Eliot Ness / Robert Stack dans Les Incorruptibles.
• Parce que le film est bien supérieur – et de loin ! – à ses deux autres remakes : Color me dead en 1969 et Mort à l’arrivée de Rocky Morton et Anabel Jenkel en 1988.

Si de prime abord, il semble que la qualité penche naturellement plus vers Wild Side, attendons les premiers avis pour se faire une idée sur la remasterisation de Bach. Nous pouvons espérer une belle surprise. En revanche le Bach Films a le mérite de proposer un bonus, "LE SUSPENS, documentaire de Laurent Préyale (26 mn)", une interactivité là ou le Wild Side ne comportait strictement rien. Un bon point pour ceux qui ne possèdent pas déjà une édition ultérieure de ce film.

HOLD-UP EN 120 SECONDES / Charles Guggenheim (1959)

Un jeune étudiant fauché se laisse entraîner par une bande de braqueurs professionnels pour le casse du siècle : le cambriolage de la Southwest Bank de Saint Louis.

Après le Blob en 1958, Hold up en 120 seconde de Charles Guggenheim (1924-2002) marque, après des débuts à la télévision, les grands débuts de Steve McQueen sur grand écran. A partir de ce film, chacun de ses films deviendra un classique du Septième art. Alors remercions Bach Films de nous ressortir un de ces premiers films pour voir où tout à commencé.

Le 4ème homme / Phil Karlson (1952)

Joe Rolfe, un ancien détenu, est arrêté pour l’attaque d’un camion blindé où 4 gangsters masqués ont dérobé 1,2 millions de dollar en petites coupures. Après avoir subi un interrogatoire musclé orchestré par la police, il ressort blanchi. Mais Joe n’en reste pas là pour autant et avec l’aide de complices mafieux, il retrouve la trace d’un des braqueurs et usurpe son identité sans éveiller le moindre soupçon.

Comme pour Mort à l'arrivé, Le 4ième homme a connu diverses sorties dont la dernière chez Wild Side qui pour motiver le cinéphile avait présenté le film comme l’œuvre qui a inspiré le scénario de Reservoir Dogs de Tarantino. Pour nous Phil Karlson (1908-1985) reste cet artisan (au sens noble du terme) auteur de quelques films devenus mythiques dans les années 60 et 70 comme la série des Matt Helm avec Dean Martin mais surtout par ce classique de vigilantisme : Justice Sauvage (1973).

Passons maintenant à la collection "Double programme SF" avec ces 5 nouveaux titres :

LA MARTIENNE DIABOLIQUE (1954)
Une martienne se pose sur Terre afin d'enlever des hommes et les utiliser afin de repeupler la planète Mars qui se meurt…

FUSÉE POUR LA LUNE(1958)
Deux évadés de prison se cachent dans une fusée. Le scientifique qui les découvre les force à piloter le vaisseau jusque sur la Lune. Là, ils découvrent un peuple lunaire uniquement constitué de

L'HOMME DE NEANDERTHAL (1953)
Le professeur Clifford Groves est un iminent scientifique qui a orienté ses recherches sur l'étude des origines de l'homme. En étudiant la morphologie de l'homme de Neanderthal, il avance la théorie que cette espèce n'était pas moins intelligente que l'homo-sapiens. Mais sa démonstration est rejetée par l'ensemble de la Société Naturaliste. De retour dans son laboratoire, il travaille alors à la fabrication d'un serum, qu'il compte essayer sur lui-même...

LES MANGEURS DE CERVEAU (1958)
La tranquilité du petit village de Riverdale se trouve perturbée avec la découverte d'un cône d'origine extraterrestre sorti tout droit des profondeurs de la Terre.

LE MONSTRE MAGNÉTIQUE (1953)
Deux agents du bureau des enquêtes scientifiques partent à la recherche d'un élément hautement radioactif dont ils ont toutes les raisons de croire qu'il se trouve à Los Angeles. S'en suit une enquête peu ordinaire…

ZONTAR, LA CHOSE DE VENUS (1966)
Des scientifiques dupés font venir un alien sur Terre depuis la planète Vénus. La créature, nommée Zontar, leur promet d’œuvrer pour le bien de l'humanité. Mais rapidement, Zontar s'avère être une dangereuse créature prenant le pouvoir en contrôlant psychiquement des personnalités de haut rang.

L'INDESTRUCTIBLE (1956)
Charles ''Butcher'' Benton, un criminel dangereux est condamné à mort sur la chaise électrique. Après son exécution, le corps de Benton est soumis à une expérience scientifique inédite : des chercheurs vont tenter de ramener le psychopathe à la vie.

L'HOMME EN 4 DIMENSIONS (1959)
Tony Nelson, un scientifique brillant mais irresponsable, met au point un amplificateur permettant à des objets d'entrer dans la 4ème dimension et de traverser d'autres objets. Tony veut présenter sa trouvaille à son frère Scott, qui mène une expérience sur un nouveau matériau impénétrable : la cargonite.

Enfin finissons avec le double programme le "moins" intéressant sachant qu'un des deux films (en l’occurrence Le Continent perdu aka Lost Continent) est déjà proposé chez Artus Films dans le coffret Les Dinosaures attaquent.

LE CONTINENT PERDU(1951)
Le Major Joe Nolan mène une expédition dans le Pacifique sud afin de retrouver un missile atomique égaré. L'équipe est victime d'un crash et se retrouve sur une île mystérieuse...

LE MONDE PÉTRIFIÉ(1957)
Quatre aventuriers explorent des fonds sous-marins, où nul homme n'a jamais été, grâce à une cloche révolutionnaire créée par le Professeur Wyman. Mais lors de l'exploration, les câbles de la cloche reliés à la surface cèdent et les plongeurs sont entraînés au fond des abysses peuplés de monstrueuses créatures.

Félicitions les éditeurs français en général et Bach Films en particulier de nous proposer ces petites curiosités ou ces grands films oubliés dans de bonne conditions à un prix très abordable.

Prix : 10 euro (édition simple) | 15 euro les doubles programmes

A commander à theendstore@gmail(POINT)com

Arrow, les prochaines nouveautés

2011-12-26T13:05:00.000-08:00

Le planning du mois de mars 2012 de l'éditeur anglo-saxon vient de tomber et THE END ne pouvait laisser passer pareil occasion de vous dévoiler l'intégralité des sorties prévues pour ce printemps. Certes, les premiers titres annoncés sont moins porteurs que des Argento, Fulci ou Lustig mais le soin apporté au bonus et aux packagings font de ces futures éditions des "must have", qui plus est en blu-ray pour 2 titres :

Commençons par Les Oies Sauvages (1978) de Andrew V. McLaglen, célèbre pour ses westerns La loi de la Haine ou Rancho Bravo. The Wild Geesse (en V.O.) marquera le retour au premier plan du film de mercenaire et ce grâce à un casting 4 étoiles, Richard Burton, Roger Moore, Richard Harris et Hardy Krüger. La fin de carrière de McLaglen témoigne de ce revival du film de commando puisqu'il signera la suite du mythique film de Robert Aldrich, Les Douze Salopards et d'autres films de militaires baroudeurs.

En bonus cette édition blu-ray proposera 3 couvertures réversibles, un poster, un livret écrit par Ali Catterall (auteur du livre en anglais "British Cult Movies Since the Sixties") mais surtout un nouveau transfert Haute Définition, un commentaire audio de Sir Roger Moore, du producteur Euan Lloyd et du réalisateur de seconde équipe John Glen (il est également réalisateur de 5 James Bond dont Dangereusement Votre et Octopussy).

Restons au pays de sa majesté avec Who Dares Wins (1982) sorti en France sous le titre Commando.

Réalisé par Ian Sharp, plus habitué à tourner pour la télévision, nous ne connaissons que peu de choses à propos de ce film si ce n'est qu'il s'agit comme pour Les Oies Sauvages d'une production Euan Lloyd que l'on retrouve dans les bonus. Le casting nous révèle la présence de deux figures légendaires du cinéma, Ingrid Pitt (1932-2010) et Richard Widmark. Si Ingrid Pitt restera à jamais la Comtesse Dracula dans l’emblématique film de la Hammer, ici, elle tient un rôle bien secondaire. Tout le contraire de l'immense acteur Richard Widmark (1914-2008) qui restera à jamais affilier aux plus beaux polars US des années 50 (Panique dans la rue mais surtout les Forbans de la nuit de Jules Dassin).
Côté interactivité, Arrow met comme toujours les petits plats dans les grands avec une avalanche de bonus et permettra de découvrir ce film dans les meilleurs conditions.

Reversible sleeve with 3 original poster artworks and newly commissioned artwork cover
- Double-sided fold-out artwork poster
- Collector’s booklet featuring brand new writing on the film by Ali Catterall, author of British Cult Movies Since the Sixties
BLU-RAY CONTAINS:
- High Definition Presentation of the film
- Audio commentary with producer Euan Lloyd and director Ian Sharp
- The Making of Who Dares Wins, featuring Euan Lloyd, Ian Sharp, Lewis Collins, Judy Davis and more!
- The Last of the Gentleman Producers: A Documentary on the life of the legendary producer Euan Lloyd, featuring Sir Roger Moore, Ingrid Pitt, Kenneth Griffith and more!

Quant au film suivant, The Deadly Spawn, les plus habitués du blog et des éditeurs indépendants n'auront pas manqué de se souvenir qu'une édition française existe pour ce film signé Le Chat qui fume. Un long-métrage aux effets spéciaux pour le moins soignés au vue d'un budget qu'on imagine riquiqui. La première sortie de l'éditeur français était déjà remplie de supplément et bien Arrow propose encore plus. Détails ci-dessous

- Digitally remastered windowboxed transfer in the original full frame aspect ratio
- Reversible sleeve with original and newly commissioned artwork by Craig Kraaken
- Double-sided fold-out artwork poster
- Collector’s booklet featuring brand new artwork by Craig Kraaken, writing on the film by Calum Waddell and Tim Sullivan (2001 Maniacs) and an interview between Tim Sullivan and Special Effects Director John Dods.
- Two Audio commentaries with writer and producer Ted A. Bohus and editor Marc Harwood.
- A Comic-style prequel with its own musical score
- Alternate opening sequence with new effects and credits
- In the Workshop of S/FX Director John Dods
- A selection of archive TV interviews featuring the filmmakers
- Stills gallery featuring behind-the-scenes images, pages from the script, artwork and more!
- Outtake Reel
- Audition Tapes
- Original Theatrical Trailer

Mais en ce qui nous concerne LA sortie de ce mois de mars sera la disponibilité dans leur sous collection "Arrow Drome" du film que bon nombre de nostalgique de la VHS ont gardé précieusement : Pyromaniac (1980) de Joseph Ellison. Premier film de Joseph Ellison, qui ne signera par la suite qu'un seul et autre long-métrage Joey en 1986. Don't go in the house en VO est une sorte de démarcation de Maniac de William Lustig et de Deranged d'Allen Ormsby.

Voici ce que l'on pouvait lire sur la jaquette vidéo du film :
"Maman était méchante avec moi... Alors elle a été punie. Maintenant je sais que les femmes sont mauvaises alors je dois les punir..."

Ambiance glauque, meurtres au lance flamme, cette (petite) production des années 80 devenue culte avec l'essor de la VHS aura droit - on l'espère - à un traitement princier quant à la qualité d'image et de son car au niveau des bonus, le cinéphile devra se contenter d'un livret signé Anthony Timpone (auteur de divers ouvrages sur le cinéma horrifique) et d'une batterie de bandes-annonces.

source : Arrow

Deux temps Trois mouvements | Capricci

2011-12-26T09:05:00.000-08:00

"Le Cinéma a toujours entretenu de rapports très intimes avec le monde musical, que ce soit paradoxalement au temps du muet avec les accompagnements au piano dans les salles, redevenus à la mode ces dernières années avec la réapparition des ciné-concerts, ou, bien sûr dès l'arrivée du cinéma parlant. Avec cette dualité d'intérêt : la musique doit-elle être seulement illustratrice du propos de l'image ou aurait-elle une fonction d'appui, voire de redondance, à l'action proprement dite, voire carrément de message parallèle au film ?"

Cette citation n'est pas extraite du nouvel ouvrage à sortir aux éditions Capricci mais de l'avant-propos de l'article Parole, Parole, Parole du fanzine Peeping Tom dont nous vous parlions voici quelques jours. Un article qui résonnera sans aucun doute avec la lecture de ce bouquin co-signé Narboni, Cassard et Chevrie et présenté sous la forme d'entretien

Quelles sont les affinités entre Franz Schubert et Ingmar Bergman ? Louis Beethoven, Jean-Luc Godard et les Rolling Stones ? Jean-Pierre Melville et Morton Feldman ? L’Atalante et Franz Liszt ? Jean-Marie Straub et Yves Angelo ? L’enseignement du piano et Andreï Tarkovski ? Au cours d’entretiens réalisés par Marc Chevrie et Jean Narboni, le pianiste Philippe Cassard propose une approche inédite des correspondances entre musique et cinéma. Il commente les partitions écrites pour l’écran, le recours à des compositeurs classiques ou les films montrant des musiciens au travail. Il décrit les timbres uniques de Danielle Darrieux, Gérard Depardieu, Arletty ou Claude Piéplu. Il analyse le tempo et l’écoute propres aux oeuvres de Robert Bresson, Federico Fellini, Charlie Chaplin, Joel et Ethan Coen… Enfin, il évoque l’influence de son amour du cinéma sur sa pratique d’interprète. Plus qu’un livre sur la musique de film, Deux temps trois mouvements est un livre dédié à la musique du cinéma, au cinéma de la musique, aux films que celle-ci permet de construire, de reconstruire ou d’imaginer.

L'AUTEUR
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Philippe Cassard est pianiste, concertiste, interprète unanimement salué de Schubert et de Debussy. Producteur à France Musique depuis 2005, ses « Notes du traducteur » ont obtenu le Prix Scam en 2007. Un coffret de 6 CD regroupant quelques-unes de ses émissions consacrées à Schubert a été récemment récompensé par le Grand Prix de l’Académie Charles-Cros. Il est l’auteur d’un essai sur Schubert (Actes Sud, Classica).

18 euro | 272 pages
Sortie le 13 janvier 2012

Survivance : Black Harvest, un doc rare en dvd

2011-12-23T12:50:00.000-08:00

L'éditeur Survivance passera l'hiver et verra le printemps (c'est tout le mal qu'on leur souhaite) puisque ils viennent d'annoncer leur prochain titre. Cette quatrième livraison, annoncée pour le 6 mars 2012, est le documentaire australien Black Harvest (1992). Troisième chapitre d'une trilogie (le premier étant First Contact [1982] et Joe Leahy's Neighbours [1989] le second) consacrée à la colonisation en Nouvelle Guinée, le film de Robin Anderson et Bob Connolly, récompensé dans de très nombreux festivals est un véritable drame sur l'échec d'une entreprise confronté aux réalités culturelles d'une tribu.

Présentation de l’éditeur :
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Dans les années 30, les chercheurs d’or australiens sont les premiers blancs à découvrir les populations autochtones des hauts-plateaux de Papouasie Nouvelle-Guinée. Des enfants métis naîtront de cette rencontre. Joe Leahy est l’un d’eux. A l’aube des années 90, il est un entrepreneur agricole prospère qui a su concilier ses deux cultures. Il propose à la tribu des Ganigas de s’associer à lui pour une vaste culture de café. Son expérience des affaires permet une levée de fonds importante auprès des banques. Les Ganigas apportent la terre et la main d’œuvre.

Documentaire culte, l’un des plus primés au monde, Black Harvest est une tragédie contemporaine, le film de la rencontre fracassante d’une société traditionnelle avec le libéralisme économique, ainsi que le portrait d’un homme tiraillé entre deux cultures. Black Harvest a profondément marqué le cinéma documentaire et est souvent cité comme l’un des exemples les plus saisissants de la puissance narrative que peut véhiculer le cinéma direct.

Prix : 15 euro

Coppola / Kubrick : quand les femmes s'en mêlent...

2011-12-22T12:07:00.000-08:00

Disponible depuis octobre 2011 à l'unité ou au sein d'un coffret spécial contenant en blu-ray et en dvd, Apocalyspe Now (version cinéma + redux + Heart of darkness), la lecture de ce document d'Elneaor Coppola m'a immédiatement fait penser à Une vie en instantanés de Viviane Kubrick, épouse de Stanley. Deux livres qui ont le mérite d'offrir un éclairage intimiste de ces deux monstres du cinéma. Révélant des détails de leurs vies aussi bien professionnelles que personnelles, le regard de ces dames donne à contempler la face invisible de ces cinéastes qui peuvent aussi bien être précis, mégalomane, travailleur acharné qu’infidèle (pour Coppola).
Au-delà du fait que ces deux ouvrages soient écrit par des épouses de réalisateur, les écrits ou les photos témoignent d'une grande activité artistique bien souvent dans l'ombre de leur mari.

Printemps 1976. Eleanor Coppola, son mari Françis Ford Coppola et leurs enfants quittent la Californie pour les Philippines, lieu de tournage d’Apocalypse Now. C’est le début d’une aventure à la fois personnelle, conjugale et cinématographique qui durera trois ans et dont les protagonistes sont encore loin d’imaginer l’intensité et la folie. Eleanor Coppola nous ouvre ici son journal intime de ces années terribles. Un témoignage unique sur l’élaboration d’un film pas comme les autres et sur les conséquences, humaines émotionnelles et physiques, d’un tel tournage. Un document exceptionnel.

Parmi les plus grands réalisateurs, Stanley Kubrick a un statut à part, comme s’il échappait à toutes les catégories, les genres, les époques, préservant l’énigme de sa création. « Il faisait plus que des films, il nous proposait des aventures sans limites. », écrit Steven Spielberg dans sa préface. Auteur, bien sûr, artiste et même visionnaire, il explore avec ses films des sujets d’intérêt très divers transcendés par une mise en scène reconnaissable entre toutes : de la vision du futur proposée par 2001 : L’Odyssée de l’espace, à la violence prémonitoire d’Orange mécanique, des visions de l’histoire aussi différentes que celles de la première guerre mondiale dans Les Sentiers de la gloire et de la Guerre froide du Docteur Folamour, du film d’horreur avec Shining au romanesque sulfureux de Eyes Wide Shut. C’est tout à la fois la vie et la carrière de Stanley Kubrick que le livre décline chronologiquement comme autant d’instantanés qui recréent son univers. Une remarquable collection de photographies dont de nombreuses sont inédites sont légendées et commentées par Christiane Kubrick, compagne du cinéaste depuis 1957.Ouvrir les pages de cet album photo permet de poser un regard neuf sur Kubrick derrière la caméra, avec ses équipes et ses acteurs, depuis ses tout débuts de réalisateur dans les années 50 jusqu’au tournage de son dernier film Eyes Wide Shut terminé seulement six jours avant sa disparition en mars 1999. Des photographies évoquent les origines et l’enfance de Stanley Kubrick dans le New York de l’entre deux guerres, et sa vie de famille aux Etats-Unis aussi bien qu’en Angleterre. Une sélection de ses meilleurs clichés en tant que photographe de presse pour le magazine Look, à la fin des années 40, permettent de comprendre l’évolution et le développement du point de vue et de la perception du monde selon Kubrick. Le livre est introduit par une préface de Steven Spielberg qui reprit et réalisa en 2001 le dernier projet de Kubrick A.I.(Artificial Intelligence), et complété par une filmographie incluant les génériques complets de tous les films de Kubrick.

Deux beaux livres à posséder... mais seul le bouquin des Cahiers est disponible auprès de THE END dans un coffret collector

Prix : 45 euro

A commander à theendstore@gmail(POINT)com

Peeping Tom 5

2011-12-21T10:32:00.000-08:00

Honte à nous ! A force de vouloir chercher LA dernière information, nous avons oubliés de vous évoquer la sortie en septembre dernier du 5ième opus du fanzine Peeping Tom. Quasiment un an après notre apéro, les membres du zine auront été encore plus actif en cette année 2011 avec la sortie d'un hors série il y a quelque mois consacré à Paul Schrader et ce dernier numéro au sommaire toujours aussi... éclectique.

Cliquez sur les images pour les agrandir

Prix : 9 euro

La Comtesse Ixe, un Jean Rollin Inédit en dvd

2011-12-20T11:59:00.000-08:00

A THE END ce que nous apprécions le plus avec les (petits ?) maitres du cinéma Bis, c'est qu'il y a toujours un film, une période, un acteur à redécouvrir. Nous pensons à Jess Franco, Antonio Margheriti ou notre Jean Rollin national dont nous venons de fêter tristement le premier anniversaire de sa disparition. Mais réjouissons-nous car les géants ne meurent jamais et tant que des éditeurs français ou hollandais sortiront des long métrages oubliés dans des conditions optimums (contenu des années et de la rareté, nos critères sont beaucoup plus souples qu'envers les blu-ray), le cinéphile pourra se délecter de découvrir les trésors cachés du septième art. Le nouveau titre de la Collection Jean Rollin à sortir prochainement est La Comtesse Ixe.

Présentation de l'éditeur
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Une Kleptomane masquée se faufile dans les bois à la recherche de diamants et... de sexe ! Cette dame mystérieuse, connue sous le nom de comtesse X, sait qu'un groupe s'est enfermé dans un manoir isolé pour y organiser une orgie monstre. Son regard avide se pose sur les possessions des hôtes. L'inconnu décide de les enivrer d'alcool et d'érotisme. Une fois repus, ses victimes sans défense ne pourront plus l’empêcher de s'emparer de leur carats.

La Comtesse Ixe signé Michel Gentil : le pseudonyme que le célèbre réalisateur culte Jean Rollin se donne pour ses films pornographiques. Ce qui connaisse bien l'auteur des films de Vampires savent aussi que la Comtesse Ixe fait partie d'un de ses thèmes favoris. La mystérieuse aristocrate présente par ailleurs de nombreuses similitudes avec Irma Vep, une voleuse parisienne, héroïne d'un film muet des années 20. Avec la complicité de membres de son castings préférés comme Cyril Val et Jean-Pierre Bouyxou, Jean Rollin alias Michel Gentil parsème les bacchanales de son humours cinglants.

Si pour beaucoup de cinéphile, Jean Rollin est synonyme de jolie fille vampire, sa carrière recèle pour (les néophytes) des zones d'ombres qui méritent d'être mises en lumière et l'éditeur Encore nous le permet aujourd'hui avec cet inédit. En bonus, le label, nous offre un livret de 36 pages (le même que pour Jeunes Filles Impudiques) qui retrace toute la période pornographique de Jean Rollin, une interview d'Alain Plumey au Musée de l’érotisme, une bande annonce et une galerie de photos X.

Prix : Non communiqué mais surement 15 euro.

Pour précommander le dvd, une seule adresse : theendstore@gmail(POINT)com

Sonny Chiba fait son come back chez Hk Video

2011-12-19T13:01:00.001-08:00

Après deux coffrets (essentiels) autour de l'acteur japonais parus respectivement en 2007 avec La trilogie Shogun et en 2006 avec l'intégral Street Fighter - sans oublier le non moins indispensable Shaolin Karaté du réalisateur culte Norifumi Suzuki (Le couvent de la bête sacrée, Sex & Fury) - Hk video n'avait pas donné suite quant à exhumer des raretés autour de la carrière de Sonny Chiba. Le début d'année 2012 rectifiera le tir avec coup sur coup deux coffrets qui viendront, à ne pas en douter, satisfaire les cinéphages curieux de "japonaiseries" un brin déviantes et les complétistes d'un maitre du cinéma japonais.

Présentation de l'éditeur
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Samourai Reincarnation (1981) de Kinji Fukasaku
Shiro Amakusa, le chef des rebelles chrétiens massacrés par le Shogun Tokugawa, revient à la vie à l’aide de pouvoirs démoniaques. Ressuscitant d’autres guerriers assassinés, il décide de se venger du Shogun. Un seul homme est assez fort pour s’opposer à eux : Jubei Yagyu, l’âme damné du Shogun.

Ninja Wars (1982) de Kôsei Saitô
Dans le Japon féodal, un sorcier prédit que quiconque mariera la belle Ukyo deviendra le maître du monde. Le prince Donjo, avide de pouvoir, cherche à fabriquer un élixir d’amour pour conquérir le cœur de la jeune femme. Pour contrer les plans du prince, un jeune ninja téméraire, Jotaro, va devoir affronter les impitoyables moines au service du prince.

Les guerriers de l'apocalypse (1979) de Kôsei Saitô

Une unité des forces japonaises d’auto-défense se retrouve propulsée dans le passé suite à une déformation de l’espace temps. Équipés de jeeps, d’un char, d’un hélicoptère et d’un patrouilleur, les soldats atterrissent 400 ans en arrière, dans le Japon féodal du XVIème siècle dominé par les guerres de clans.

A priori pas de bonus sur les coffrets mais l'ajout sur le second d'un film de Yutaka Kohira, Dragon Princess (1976), constitue en soi le supplément principal et justifie son prix (30 euro, comme pour le premier). Si l'amateur de cinéma nippon ne peut que se réjouir dans un premier temps de l’apparition de ces films en France, force est de constater que bien des films de Sonny Chiba - qualitativement parlant - mériteraient de voir le jour en numérique (au hasard, Golgo 13, un temps prévu chez Pathé). Et puis, ne boudons pas notre plaisir de découvrir en dvd un Fukasaku de plus qu'il faudra ranger précieusement entre les divers titres édités par Wild Side et le passionnant livre* de d'Olivier Hadouchi, Kinji Fukasaku un cinéaste critique dans le chaos du xxe siècle (disponible auprès de THE END).

Sortie des coffrets : Janvier / Février 2012

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*Tardivement découverte en Europe ou aux Etats-Unis, son imposante filmographie débute dès 1961. Elle comporte des travaux de commande mais aussi des films très importants tels que Hommes, porcs et loups, la série Combat sans code d'honneur, Sous les drapeaux l'enfer ou Le Cimetière de la morale. Derrière leur ancrage dans divers genres (yakuza eiga, chambara) et leur modestie apparente, ces oeuvres de rupture révèlent un cinéaste inventif et audacieux, fortement marqué par les ruines de la guerre, par l'après Hiroshima et Nagasaki. Sa démarche artistique, souvent très iconoclaste, est parfois comparable à celle d'un Shoei Immamura dans L'histoire du Japon racontée par une hôtesse de bar. A sa manière, le cinéma de Kinji Fukasaku porte un regard très critique sur le présent et le passé de son pays, sur une société qui pratique la fuite en avant dans la consommation effrénée. Et ceci, jusqu'à Battle Royale (2000), brûlot incendiaire tourné par un homme de 70 ans retrouvant l'énergie et la rage de sa jeunesse, et qui atteindra un public renouvelé à l'échelle mondiale. Cet essai constitue la première monographie entièrement consacrée à Kinji Fukasaku en dehors du Japon.

186 pages | 17,50 euro

Clint Fucking Eastwood | Capricci

2011-12-16T14:34:00.000-08:00

Le 11 janvier 2012 sortira sur les écrans français le 34ième long-métrage du dernier monstre d'Hollywood en activité (avec Ernest Borgnine et Kirk Douglas qui sont toujours en vie mais dont les carrières se sont arrêtées à l'orée des années 2000), J. Edgar (Hoover, célèbre fondateur du F.B.I.). L'occasion pour Capricci de sortir dans leur collection "Actualité Critique" un ouvrage questionnant aussi bien la place de l'acteur réalisateur que sa symbolique dans le paysage cinématographique mondial.

Stéphane Bouquet parcourt les vingt dernières années de l’oeuvre, d’Impitoyable (1992) à J. Edgar, et cherche à comprendre les causes de cette réputation, étant entendu que la qualité des films ne saurait suffire à l’expliquer. Il propose le portrait à la fois admiratif et acerbe d’un artiste américain qui a produit une série inlassable d’auto-portraits et fini par devenir, pour beaucoup de spectateurs français, le rêve américain en soi. Ou ce qu’il en reste.

EXTRAIT
Eastwood a le droit à un étrange traitement de faveur qui s’explique, me semble-t-il, par le fait qu’on a cru, et continue à croire, au fétiche. Il y a une façon d’héroïsation du cinéaste qui fonctionne à plein chez les spectateurs, comme s’ils étaient contents d’avoir encore un objet à vénérer. Je pousserais volontiers un pas plus loin en précisant que le fétiche que vénèrent les spectateurs français ce n’est pas seulement l’homme Eastwood mais l’homme qui se prend pour la vieille Amérique, pour l’Amérique idéale.

L'AUTEUR
Stéphane Bouquet est né en 1967. Il a été critique littéraire pour Libération et critique de cinéma pour diverses revues (Cahiers du cinéma, Trafic). Il est aussi poète, scénariste et danseur.

Prix : 7,95 euro | 96 pages

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Rolling Thunder en blu-ray/dvd !

2011-12-15T03:17:00.000-08:00

Certains films ont une aura indescriptible et un engouement hors norme. Celui pour le film de John Flynn (1932-2007) est principalement dû à Quentin Tarantino. Jamais avide de remettre au gout du jour des longs-métrages oubliés, Tarantino avait placé dans une liste de ses meilleurs films ce Rolling Thunder (1977). Et comme très souvent, il y a un fossé entre le cinéma du réalisateur de Pulp Fiction et ses films de chevet. En l'état, le film de John Flynn, réalisateur d'actionner efficace (Haute Sécurité aka Locked up avec Stallone ; Justice Sauvage avec Steven Seagal) sur un scénario de Paul Schrader (Taxi Driver, Raging Bull) est une pure série B décomplexé et jouissif, interprété par un duo d'acteurs (William Devane et Tommy Lee Jones) très Hard Boiled. Alors prenez cette annonce pour ce qu'elle est, un formidable moyen de (re)voir un très bon film des années 70, sans aucun doute le meilleur film de son auteur mais peut-être pas un chef d’œuvre du 7ième art.

Le Major Charles Rane, rentre au pays après huit années passées comme prisonnier de guerre. La torture mentale et physique était pratique courante sur sa personne. Son retour laisse indifférent sa femme et son fils, qui l'ont oublié... L'indemnité de guerre qu'il vient de recevoir du gouvernement est l'objet de convoitise de petites frappes qui, un jour, envahissent sa maison, tuent sa femme et son fils et le laissent pour mort. Charles Rane, mutilé par les voleurs, vivra avec un crochet à la place d'une main. Il refuse de collaborer avec la police et décide de retrouver lui même les assassins de sa famille...

Au vu de ce synopsis, extrait de la sortie du film en vhs, le film pourrait laisser penser qu'il s'agit d'un vulgaire vigilante dans la tradition des Death Wish. Or, on retrouve bon nombre de thématique de Paul Schrader dans ce long-métrage au climat trouble. En ce qui nous concerne le film est à ranger aux cotés de Rambo (1982) de Ted Kotcheff et de Coming Home (1978) de Hal Asby pour avoir sans aucun doute les meilleurs films sur le retour au pays après le Vietnam.

Annoncé pour 30 janvier 2012, Rolling Thunder était sur le point de devenir une arlésienne car repoussé à plusieurs reprises par le passé. Cette édition comprendra les bonus suivant :

> commentaire audio du co-scénariste Heywood Gould (scénariste de Ces garçons qui venaient du Brésil et de Cocktail).
> Bande-annonce cinéma avec le commentaire audio de Eli Roth (Hostel)
> Interview de Linda Haynes
> Questions Réponses avec John Flynn
> Spot publicitaire pour la télévision

On peut remarquer que c'est une filiale du groupe Canal+ qui édite ce film (le logo Studio Canal figure sur le visuel), espérons que cette sortie britannique annonce une future édition française. Wait & See...

Chéribibi 007 : Per Adulti / Automne Érotique 2011

2011-12-13T13:01:00.000-08:00

Le nouveau Chéribibi se dévoile à l'approche de Noël pour rassasier les fanatiques de musique, ciné et bd indépendantes. Contrairement à ce que pouvait laisser supposer la numérotation du magazine (007) il ne s'agit pas d'un numéro consacré à l'agent secret britannique mais plutôt aux relations anatomiques... découvrez le sommaire ci dessous :

CHERIBIBEAT (musique populaire)

The Members, À nous les p’tits anglais ! | Rencontre avec Winston Francis (Mr Fixe It)| Reggaemotion : The Harder They Cum : la chanson paillarde en Jamaïque, part. 1 | Interview avec The Congos | Chanson Populaire : Sex & drugs & Rock & Roll | Chronique de disques | The Forest Hillbillies

CHERIBIBIS (cinéma populaire)
Le Sexe Qui Parle | Rencontre avec Lina Wertmüller (cinéaste) : Anarchia in Cinecittà | Musidora, la vamp féministe ! | Délivrez-Nous Du Mâle, Part. 3 : Dead men don’t rape | Chroniques DVD

CHERIBIBLI (BD & littérature populaire)
Verminax, le gredin de l’ombre par Tôma | Rudynamite ! Le nouvel héros à Gomé | Sadia’n'Mazoch | Le Petit Pervers Du Peuple : Mangez bio, lisez Bionic ! | Bibillustr’ : Clovis Trouille | Le Papelard C’est Bonnard : Don’t fuck with… Fuckwoman | Chroniques livres

+
Rencontre avec Stewart Home (écrivain / artiste), Skinheads et situationnistes, même combat ! | Chérie Noire : Class War : Une nouvelle de Stewart Home qui fait mal au cul | Putain… 20 ans ! Comment ChériBibi a sauvé ma vie | Revue des zines des autres...

Comme toujours on retrouve le style si particulier de la revue et qui la rend si attachante. La culture à travers le plaisir avant tout et non la médiatisation valorisante d'artiste se congratulant de leurs "génies". Bref, un magazine qui ouvre des fenetres vers des ailleurs peut exploiter dans la presse française.

Prix : 5 euro

A commander à theendstore@gmail(POINT)com

Ed Distribution : Putty Hill en dvd

2011-12-12T12:40:00.000-08:00

Ce que l'on apprécie le plus avec l'éditeur Ed Distribution, c'est sa persévérance dans ses croyances. En effet, face à film aussi déconcertant et difficilement catalogable (les maitres mots du label), seul Ed pouvait sortir de l’anonymat ce morceau de réalité brute ou cette fiction naturaliste qu'est Putty Hill. Car le long-métrage de Matthew Porterfield navigue entre documentaire et fiction et ce, de par son filmage (caméra numérique) que de ses acteurs non professionnels. Donc, remercions une nouvelle fois Ed Distribution pour ce travail si précieux de part ces temps de calibrage cinématographique, un peu d'inattendu.

Putty Hill est l’une des plus belles rencontres que le cinéma contemporain nous ait offert récemment.

Philippe Azoury in Libération

Présentation de l'éditeur :
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C'est à Putty Hill, quartier de la banlieue de Baltimore, que vivent Cody, Dustin, Zoé, Spike et les autres. Le temps passe inlassablement entre les parties de paintball, le skate et les baignades en forêt. La disparition d'un des leurs, ami ou frère, va subtilement bouleverser tout ce petit monde. Le deuil fait remonter les souvenirs, tendres comme douloureux ; chacun vit cette perte à sa manière, mais tous se retrouvent finalement unis par des liens simples mais profonds. L'avenir est encore à construire.

En supplément nous avons droit à un documentaire sur le film.

Sortie le 24 janvier 2012.

Prix : 14 euro

A commander à theendstore@gmail(POINT)com

Jeunes Filles Impudiques | Jean Rollin (1973)

2011-12-09T14:03:00.000-08:00

Dans quelques jours, nous fêterons un triste anniversaire, celui du premier anniversaire de la disparition de Jean Rollin. L’occasion pour nous d'évoquer la disponibilité d'un film méconnu (comme preque toute sa filmographie me direz-vous), Jeunes Filles Impudiques. Encore une fois, il faut se tourner vers le marché extérieur pour pouvoir (re)voir ce long-métrage.

Présentation de l'éditeur
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Deux ravissantes auto-stoppeuses décident de se reposer dans une villa en pleine forêt. La propriété semble inhabitée, mais les jeunes filles ignorent qu'elle sert de Q.G. à une bande de voleurs de bijoux dont l'arrivée soudaine donne lieu à toute une série d'actions violentes et érotiques. Les deux belles font preuve d'une bravoure hors pair et elles ne se laissent nullement intimider par la touche de perversité !

Les jeunes filles impudiques est le premier film que Jean Rollin signe de son pseudonyme Michel Gentil. C'est le premier film aussi où le réalisateur culte fait apparaitre la belle actrice Joëlle Coeur, celle qui deviendra par la suite l'héroïne de plusieurs de ses meilleurs films. Coeur s'impose dans ce film pornographique gai et archi dynamique qui rapidement obtint le statut de film "culte", devenant même un grand succès du box-office américain, dont le slogan évocateur "Sex kittens who stop at nothing !" (Les petites chattes du sexe que rien n'arrête) est devenu légendaire !

Prix : 15 euro

A commander en envoyant un mail à theendstore@gmail(POINT)com

Coming soon : Cinema Retro #22

2011-12-08T13:03:00.001-08:00

Dans quelques jours le nouveau Cinema Retro sera disponible auprès de THE END. Un numéro anniversaire puisqu'il marque l'entrée du magazine dans sa huitième année. Un petit miracle en quelque sorte, à l'heure ou tous les "experts" des médias annoncent la fin de la presse papier (encore plus pour la presse dites spécialisée), Cinema Retro témoignent d'un intérêt certain du public aussi bien pour le support que pour la thématique qui, je vous le rappelle, s’intéresse aux films et séries TV des années 60 et 70. Autant dire la base, voire les fondations, de la plus parts des cinéphiles actuels. Mais regardons en détail ce qui nous attends pour janvier 2012 avec Sybil Danning en couverture.

Dossier 8 pages sur Le Dernier train du Katanga* aka Dark of the Sun aka The Mercenaries de Jack Cardiff | Retour sur deux films en Cinerama: Krakatoa à l'est de Java (1969) de Bernard L. Kowalski et de la Conquête de l'ouest de John Ford, Henry Hathaway et de George Marshall signé Sir Christopher Frayling | Bonus le making of de la conquête de l'ouest | Delivrance de John Boorman | Les films d'Elvis Prestley | Des photos rares de James Bond et toutes les rubriques habituelles (dvd, livres, soundtrack,...)

Pour commander ou réserver votre numéro, envoyer un mail à theendstore@gmail(POINT)com

Prix : 12 euro

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*A noter que dans le numéro 11 de la revue Impact daté du mois de septembre / octobre 2011, le Professeur Thibaut décrypte le film.

Nikkatsu / Rétrospective // DVD /// Livre

2011-12-06T12:19:00.000-08:00

Du 7 décembre 2011 au 20 janvier 2012, la cinémathèque de Paris accueille une grande rétrospective consacrée à la Nikkatsu. A travers une sélection de films rares et indisponibles en dvd pour la plus part, la cinémathèque a voulu retracer 100 ans de cinéma japonais à travers la vie d'un studio hors norme qui a vu éclore des talents aussi diverses que Kenji Mizoguchi ou Seijun Suzuki. Ce maitre du polar déjanté sera bien évidemment représenté avec deux longs métrages (La jeunesse de la bête et le vagabond de Tokyo, tous deux disponibles en dvd chez HK Vidéo). Pour beaucoup de fanatique de cinéma érotique (japonais), la Nikkatsu c'est LE studio du Roman Porno (ou Pinku Eiga) et bien évidemment le genre aura droit à trois soirées Bis pour découvrir sur grand écran des œuvres de Chûsei Sone, Noboru Tanaka ou Yasuharu Hasebe dont certains de leurs films sont disponible en France en dvd. Mais laissons la place à Jean-François Rauger qui nous présente la manifestation :

Centenaire de la Nikkatsu

Fondée en 1912, la Nikkatsu est une des plus anciennes compagnies de production cinématographique japonaises. Son histoire témoigne des transformations du cinéma mais aussi de la société. Elle saura s’adapter aux mutations du public et trouvera des solutions originales (le roman porno par exemple) aux crises récurrentes de l’industrie cinématographique.

Parcourir en trente-sept films l’évolution d’une compagnie de production est une manière d’entrer dans l’histoire du cinéma qui ne réduirait pas celle-ci à une addition de titres ni à une sélection de cinéastes, mais à l’examen d’une stratégie industrielle s’adaptant aux transformations de la société et sensible à l’évolution du public. Un mouvement auquel se sont parfois exemplairement pliés quelques-uns de ceux qui sont devenus d’indiscutables auteurs du cinéma. C’est en tout cas ce que nous permettra de constater la programmation consacrée au studio Nikkatsu, qui fêtera son centenaire en 2012. Divisée en grands studios intégrés verticalement (production distribution-exploitation), l’industrie cinématographique japonaise doit sa richesse et sa particularité à ce profil oligopolistique, force et faiblesse de la cinématographie nipponne classique.

Genre contre drames sociaux
La Nikkatsu a été fondée en 1912 par le regroupement de quatre compagnies de cinéma, cumulant les activités d’exploitation de salles, de distribution et de production. Elle possède alors des studios à Tokyo et à Kyoto. Elle lance notamment Matsunosuke Onoe, acteur venu du théâtre kabuki, qui deviendra une des premières stars du cinéma nippon, dans des oeuvres qui constitueront les sources du film de sabre (chambara) et du ninjutsu eiga (films de ninjas), comme le montrera l’étonnant fragment retrouvé et restauré de Jiraiya le ninja de Shôzô Makino (1921). Mais à côté de la production de films historiques, la Nikkatsu s’intéresse aussi aux drames contemporains, catégorie dans laquelle s’affirme Kenji Mizoguchi (La Marche de Tokyo en 1929 ou Terre natale l’année suivante, sans doute les titres les plus anciens disponibles de l’auteur de La Rue de la honte). Alors que Masahiro Makino (fils de Shôzô) continue la tradition du cinéma de genre (Singing Love Birds est un très curieux film musical) dans les années 1930, on voit émerger des cinéastes comme Sadao Yamanaka, cinéaste-poète à la carrière fulgurante (il est mort à la guerre à 28 ans, seuls trois de ses films subsistent) dont seront montrés Tange Sazen et le pot d’un million de ryôs (1935), ainsi que Kôchiyama Sôshun (1936), comédies satiriques subtilement amorales, dénonçant l’ordre féodal.
Pendant la guerre, la Nikkatsu sera contrainte, à la demande du régime militaire, de fusionner avec d’autres compagnies de production. En 1942, son département de production est absorbé par la DAIEI. Essentiellement concentrée sur son réseau de salles après la guerre, la Nikkatsu reprend des activités de production à partir de 1954.

Vers la modernité
Un nouvel âge d’or pour l’industrie cinématographique japonaise s’annonce alors. La Nikkatsu va prendre en compte le rajeunissement d’un public, en quête d’autonomie et d’affirmation générationnelle. C’est le moment des films sur ce que l’on a appelé « la Génération du soleil » et de la découverte d’une nouvelle liberté chez de nombreux cinéastes. De Passions juvéniles de Kô Nakahira par exemple (1956), François Truffaut écrira : « La mise en scène est admirable d’invention et de non conformisme. Presque tous les raccords sont faux, tout simplement parce que les plans se suivent et ne se ressemblent pas… ».

Parallèlement à ce rajeunissement général de l’inspiration, quelques auteurs vont s’imposer à la Nikkatsu, comme Yuzo Kawashima, chaînon manquant du cinéma nippon vers la modernité. On verra de lui Le Paradis de Suzaki (1956) et Chronique du soleil à la fin d’Edo (1957). Puis les désillusions de la « Génération du soleil » s’incarneront dans les années 1960 dans une série de films noirs signés notamment Koreyoshi Kurahara (Black Sun ou The Warped Ones) ou Takashi Nomura (A Colt Is My Passport). Seijun Suzuki, quant à lui, fera exploser le genre dans une série de titres ultra stylisés mêlant violence et grotesque, comme La Jeunesse de la bête ou Le Vagabond de Tokyo. Mais les doutes et les révoltes de la jeunesse s’incarneront, tout autant sinon plus, dans les films de Shôhei Imamura, rejetons d’une Nouvelle Vague qui s’attaqueront de front à la société japonaise et à ses mensonges (Cochons et Cuirassés) et inventeront un cinéma de la pulsion individuelle (Désir meurtrier), elle-même symptôme d’une société déboussolée.

Naissance du roman porno
Au début des années 1970, face à la concurrence de la télévision et à la chute de la fréquentation des salles, les studios durent proposer au public des sensations plus fortes en accentuant la violence et l’érotisme. La Nikkatsu sera ainsi sauvée de la faillite par le roman porno, somptueux genre-maison inauguré en 1971 avec un film comme Le Jardin secret des ménagères perverses de Shôgorô Nishimura. L’audace des sujets et des situations, où s’affirme une sexualité crue, brutale souvent, tordue parfois, inquiétante toujours, s’y marie avec des inventions formelles ébouriffantes. Une génération de cinéastes talentueux, doués, profonds, s’y affirme, comme Tatsumi Kumashiro (L’Enfer des femmes, forêt humide, étonnante transposition de la Justine de Sade), Chûsei Sone (sans aucun doute la révélation de cette programmation), Noboru Tanaka (Rape and Death of a Housewife), Masaru Konuma (Sasurai no koibito : memai). Véritable âge d’or du cinéma japonais, expression à part entière d’une modernité à la fois révoltée et désenchantée, morbide et ardente, le roman porno de la Nikkatsu aura constitué un moment crucial et inégalé depuis.

Jean-François Rauger

Si nous évoquons cette rétrospective à la cinémathèque de Paris, c'est pour vous informer de la disponibilité auprès de THE END, de deux produits qui sont les parfaits compléments pour approfondir (une partie de) l'histoire du studio et découvrir chez soi des perles méconnues de la Nikkastu. Commençons tout d'abord avec ce coffret signé Eclipse (collection parallèle de l'éditeur américain Criterion) intitulé Nikkatsu Noir avec 5 polar à la japonaise.

I Am Waiting de Koreyoshi Kurahara (1957)
Rusty Knife de Toshio Masuda (1958)
Take Aim at the Police Van de Seijun Suzuki (1960)
Cruel Gun Story de Takumi Furukawa (1964)
A Colt Is My Passport de Takashi Nomura (1967)

Seulement deux films (affichés en gras) du coffret seront proposés au public français mais d'autres films (tout aussi intéressants) seront projetés comme Black Sun (1964) et The Woman from the Sea (1959) de Koreyoshi Kurahara.
Pour compléter ses cinq polars japonais - caractérisés par une imagination visuelle de tous les instants - un ouvrage en anglais est paru en 2007, revenant en 160 pages sur les figures les plus importantes du genre.

Décomposé en quatre sections, le livre parle autant des acteurs emblématiques du studio (Yujiro Ishihara, Akira Kobayashi, Keiichiro Akagi et Tetsuya Watari), des actrices (Mie Kitahara, Ruriko Asaoka, Izumi Ashikawa et Meiko Kaji), des acteurs (Joe Shishido, Hideaki Nitani, Nobuo Kaneko, Tamio Kawachi, Hideki Takahashi et Tatsuya Fuji) et des réalisateurs méconnus (Toshio Masuda, Koreyoshi Kurahara) ou cultes comme Seijun Suzuki et Yasuharu Hasebe. L'auteur Mark Shilling, vivant depuis plus de 30 au pays du soleil levant, apporte son lot d'anecdotes passionnantes et d'analyses pertinentes. Un petit livre par la taille mais un régal pour cinéphile avide de découvrir tout un pan du cinéma (d'exploitation japonais) encore méconnu aujourd'hui.
Espérons que cette rétrospective (parisienne) rencontre le succès et qu'un éditeur vidéo (Wild Side ? Carlotta ? HK Vidéo ? ) décident d'investir dans ce cinéma ô combien divertissant et esthétiquement éblouissant.

Retrouvez la programmation du cycle Nikkatsu sur le site de la cinémathèque de Paris, ici

Cinémathèque de Nice | David Lean & Pierre Etaix

2011-12-05T12:19:00.000-08:00

La programmation du mois de décembre 2011 de la cinémathèque de Nice fait écho à deux coffrets dvd indispensables de deux "monstres" du cinéma et aujourd'hui disponible dans dans des conditions optimums !
Commençons par l'édition la plus récente avec le coffret David Lean aux éditions Carlotta renfermant 5 long métrages du réalisateur anglais réalisé entre 1944 et 1950.

5 chefs-d’œuvre sur une période de dix ans durant laquelle David Lean, avant les fresques épiques de la maturité (dont Lawrence d’Arabie et Le Docteur Jivago), devient le maître du cinéma classique anglais. Des comédies de ses débuts aux mélodrames passionnés, le cinéaste élabore un grand style, épris de perfection technique, au montage raffiné. Son tempérament romantique y mélange le lyrisme, la hantise des sentiments fragiles, abîmés, disparus, et la respiration des éléments, ciel, vent et pluie. Incontournable !

Seulement 2 films sur 5 du coffret seront diffusés à la cinémathèque de Nice mais l'institution se rattrape en nous proposant d'autres long métrages de la même période ainsi que les grands succès du metteur en scène (Lawrence d'Arabie, le Pont de la rivière Kwai, Docteur Jivago) :

HEUREUX MORTELS (1944)
1919-1939. Pendant vingt ans, la famille Gibbons réside au 17 Sycamore Road, Clapham, au sud de Londres. Sur fond des grands événements de la vie politique et sociale en Grande-Bretagne, la vie des Gibbons déroule ses joies et ses peines, ses mariages et ses deuils, ses cocasseries et ses nostalgies…
Sous l’autorité de l’auteur, David Lean transpose à l’écran une pièce de Noël Coward, son parrain de cinéma. Avec cette tranche de vie magnifiée par un Technicolor discret et raffiné, Lean dresse à la fois le portrait d’une maison, d’une famille et d’un pays. L’origine théâtrale du matériau stimule son inventivité de cinéaste, les caractères truculents du dramaturge se marient avec le lyrisme plus étouffé du réalisateur. Triomphe exemplaire de l’énergie britannique du moment, Heureux Mortels réunit déjà plusieurs visages familiers du cinéma de David Lean, dont Celia Johnson (Brève Rencontre) et le légendaire John Mills (Les Grandes Espérances, La Fille de Ryan).
> mardi 20 décembre à 14h00
> jeudi 22 décembre à 18h30

BRÈVE RENCONTRE (1945)
Sur un quai de gare, en banlieue de Londres, deux êtres, Alec et Laura, se rencontrent par hasard. Chacun est marié et heureux dans son quotidien bourgeois. D’une rencontre à l’autre, ils se revoient et tombent amoureux. Il leur faut alors affronter la tentation de l’adultère et les dangers du commérage. Ces brefs moments transformeront à jamais leurs existences jusqu’alors paisibles…
Dernière collaboration de David Lean avec le dramaturge Noël Coward, Brève Rencontre est l’une des œuvres centrales du cinéma britannique de l’après-guerre, dont il capture l’amertume, la monotonie du quotidien, la délicatesse d’émotion et le rêve d’évasion. Pour la première fois, le romantisme de Lean s’exprime en solo et, porté par les clairs-obscurs de la photographie de Robert Krasker (Le Troisième Homme) et la musique de Rachmaninov, métamorphose le fait divers en une chronique déchirante sur l’élan et la fragilité de la passion.
> jeudi 8 décembre à 20h00
> samedi 10 décembre à 16h00

L'ESPRIT S'AMUSE (1945)
Romancier couronné de succès, Charles Condomine vient d’épouser en secondes noces la belle Ruth. Pour préparer son nouveau livre, il invite une voyante pour une séance de spiritisme qui a des conséquences imprévues. L’expérience réveille en effet le fantôme d’Elvira, la première épouse de Charles, qui décide de s’installer dans le manoir des nouveaux mariés...
Après Heureux Mortels, David Lean adapte à nouveau une pièce de Noël Coward. Cette fois, il s’agit d’une histoire excentrique et surnaturelle, qui mêle la comédie sophistiquée avec le goût de la période pour les fantaisies magiques. Équilibre d’ironie et de séduction formelle, L’Esprit s’amuse permet aussi à Lean de transcender le matériau d’origine par des idées visuelles originales et une splendide utilisation du Technicolor, d’où émerge le spectre vert d’Elvira !
> jeudi 8 décembre à 18h30
> samedi 10 décembre à 14h00

LES AMANTS PASSIONNÉS (1949)
Mariée au riche et bienveillant Howard Justin, Mary se souvient de son amour pour Steven Stratton. Elle avait d’abord fui la passion avant d’y céder. Des années plus tard, le couple Justin a retrouvé son harmonie, mais le destin fait se retrouver Mary et Steven...
Autour d’Ann Todd, sa troisième épouse, David Lean réunit Trevor Howard (Brève Rencontre) et Claude Rains, son acteur préféré (Casablanca, Les Enchaînés), pour un mélodrame original et flamboyant. Entre liberté baroque et tension parfois proche du thriller, Les Amants passionnés reprend les thèmes de l’adultère et de la passion abordés dans Brève Rencontre et leur donne une forme lyrique, exacerbée, magnifiée par les paysages romantiques et rendue énigmatique par l’imbrication complexe des flashbacks. Au fil des souvenirs de l’héroïne, Lean dresse le portrait subtil des sentiments en perpétuelle métamorphose, du désir et de la peur de la passion jusqu’au mensonge, à la violence et au sublime.

MADELEINE (1950)
En 1857, à Glasgow, contre les voeux de ses parents, qui la destinent à un mariage bourgeois et prometteur, Madeleine Smith noue une relation secrète et passionnée avec Émile L’Angelier. Lorsqu’elle décide de mettre un terme à cette liaison, celui-ci se rebelle. Peu après, Madeleine est accusée de l’avoir empoisonné...
Épouse et muse de David Lean, l’actrice Ann Todd (Les Amants passionnés, Le Mur du son) était fascinée par la figure de Madeleine Smith. Pour elle, le cinéaste élabore un complexe portrait de femme, entre mélodrame et film judiciaire. Par une construction elliptique et la trame raffinée des métaphores du montage, Lean livre l’une de ses œuvres les plus sensuelles, troublante exploration des interdits et de l’érotisme victoriens.

Comme à l'accoutumée, Carlotta a gorgé ce coffret de bonus succincts mais passionnants

Préfaces de Pierre Berthomieu pour tous les films
« Il était une fois Brève rencontre » : souvenirs du tournage (24’)
« Directed by David Lean » : portrait de David Lean par Pierre Berthomieu (32’)
Bande-annonces et galerie photos pour tous les films

Les autres films de l'hommage (20 ans déjà que le cinéaste nous a quitté) à David Lean sont :

LES GRANDES ESPÉRANCES (1946)
CEUX QUI SERVENT EN MER (1942), co-réalisé par Noel Coward
OLIVER TWIST (1948)
CHAUSSURE À SON PIED (1954)
LE PONT DE LA RIVIÈRE KWAÏ (1957)
LAWRENCE D’ARABIE (1962)
LE DOCTEUR JIVAGO (1965)
LA FILLE DE RYAN (1969)
LA ROUTE DES INDES (1984)

A noter que le film Summertime (1955) est disponible en dvd depuis cet été dans une magnifique édition collector toujours chez Carlotta.

Passons maintenant à l'autre moment fort du mois avec la rétrospective Pierre Etaix. En novembre 2010, un coffret intégral de l’œuvre de Pierre Etaix voyait le jour après des années de bataille judiciaire et d'imbroglio juridique.

S'il fallait résumer la vie et l’œuvre de Pierre Etaix, celui de Clown vient très vite à l'esprit. Son travail au cirque, au music-hall, au cinéma ses écrits et son œuvre picturale témoignent qu'il est le digne héritier d'une longue tradition clowesque qu'il a su prolonger jusque dans ses films, comme ses prédécesseurs, de Charlie Caplin à Buster Keaton, l'avaient fait en leur temps. Dessinateur, gagman, musicien, metteur en scène, décorateur de théâtre, mime, cinéaste, homme de télévision, poète, Étaix démarre sur les planches qu’il ne quittera jamais. Mais fasciné par le grand écran, il se lance, au début des années 1960, avec son ami Jean-Claude Carrière, dans la réalisation. C’est le début de 10 ans de collaboration qui donnent naissance à 5 longs métrages et 3 courts qui parcoureront le monde jusqu’au moment où, conséquences d’imbroglios juridiques, les films ne pourront plus être visibles pendant près de 20 ans.

LE SOUPIRANT (1962)
Un jeune homme timide doit se marier très rapidement pour hériter d'une fortune…
> jeudi 22 décembre à 14h00
> vendredi 23 décembre à 18h00
Le film sera précédé du court-métrage : Rupture, 1961, 11mn

YOYO (1964)
Au milieu de toutes ses richesses, un milliardaire s'ennuie, rêvant devant la photo d'une femme. Passe un cirque où il reconnaît dans l'écuyère la femme de la photo, qui a un enfant qui lui ressemble…
> mardi 6 décembre à 20h00
> dimanche 11 décembre à 15h00
Le film sera précédé du court-métrage : Heureux Ann

TANT QU’ON A LA SANTÉ (1966)
Les mésaventures de Pierre, jeune homme sérieux et calme, dans le monde moderne…
> mardi 13 décembre à 20h30
> vendredi 16 décembre à 16h00

LE GRAND AMOUR (1969)
Marié avec Florence et directeur de l'usine de son beau-père, Pierre mène une vie rangée et doucement heureuse. Mais une nouvelle secrétaire arrive et Pierre en tombe amoureux…
> mercredi 7 décembre à 14h00
> vendredi 9 décembre à 20h00
Le film sera précédé du court-métrage : En pleine forme, 1971, 12mn

PAYS DE COCAGNE (1969)
Des Français en vacances, suivis par la caméra de Pierre Étaix, vivent et livrent leurs opinions sur des sujets divers : l'Homme sur la Lune, la publicité, l'érotisme, le mariage…
> mercredi 28 décembre à 18h00

En bonus, on retrouve les suppléments suivants :

PIERRE ETAIX, NATURELLEMENT - 2010 - 30' - d'Odile Etaix
Tout a un lien chez Pierre Etaix : le dessin, le cirque, le cinéma... Un regard sur l'artiste, les éléments détenteurs de son comique, de la scène du music-hall au cinéma, en passant par la piste.

L'ILE AUX FLEURS - 1989 - 12' - de Jorge Furtago
Un film culte et rare choisi par Pierre Etaix.

LE CAUCHEMAR DE MELIES - 1988 - 4' - bde Pierre Etaix
Un film vidéo réalisé dans le cadre d'une hommage à Méliès.

La cinémathèque propose également le dernier long métrage de Pierre Etaix et non disponible sur support numérique :

L’ÂGE DE MONSIEUR EST AVANCÉ (1987)
Un auteur interroge son actrice et le régisseur du théâtre sur la pièce qu'il écrit et qu'il répète. Entre les trois personnages se joue peu à peu une autre pièce…
> mercredi 4 janvier à 14h00
> vendredi 6 janvier à 18h15

A côté de cela, quelques reprises (Red, True Grit,...) films d'animations (le château des singes, Une vie de chats) pour les fêtes et d'autres classiques (les lumières de la ville, Bessie à Brodway), bref un mois chargé et pour tout savoir sur le programme, on vous invite à vous rendre sur le site de la cinémathèque de nice, ici

Coffret David Lean : 40 euro
Coffret Pierre Etaix : 50 euro (+ livres de 112 pages)

A commander en envoyant un mail à theendstore@gmail(POINT)com

source : Arte, Carlotta, Cinémathèque de Nice

La Nouvelle Vague Allemande | coffret dvd

2011-12-02T14:09:00.001-08:00

Noël est la période propice au cadeaux et notamment aux coffrets dvd et blu-ray. L'éditeur La Vie est belle a pensé à tous les germanophiles avec un coffret de 9 films pour découvrir la relève du cinéma allemand.

Présentation de l'éditeur
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Dès le début des années 2000, de jeunes réalisateurs allemands s’emploient avec foi, humilité et sobriété à renouveler l’esthétique, le style et l’histoire du cinéma de leur pays. Établis à Berlin, ils se sont rencontrés « A travers les films des uns et des autres », selon l’expression d’Angela Schanelec. Leur cinéma, intimiste, est un reflet puissant de l’Allemagne d’aujourd’hui. Ils sont régulièrement sélectionnés à Cannes, Berlin ou Toronto. La presse européenne a baptisé leur mouvement « École de Berlin ». Ce coffret rassemble quelques-uns de leurs films majeurs.

Angela Schanelec
Orly (2010)
Quatre récits croisés, quatre moments d’une vie dans un lieu où l’on ne fait habituellement que passer, l’aéroport d’Orly. Une jeune femme, partant chez elle rejoindre son mari, tombe amoureuse d’un autre homme. Une mère accompagne son fils encore adolescent à l’enterrement de son ancien mari et père de l’enfant. Un jeune couple en route pour un grand voyage se perd de vue. Une femme a besoin de se retrouver dans l‘anonymat de la foule des passagers pour pouvoir ouvrir la lettre de rupture que son compagnon lui a envoyée. Tous attendent leur vol…

Nachmittag (2007)
Dans la maison qu’il partage au bord d’un lac avec son oncle souffrant, Konstantin, jeune écrivain, retrouve sa mère, actrice de théâtre ainsi qu’Agnès, son amour de jeunesse. Un après-midi d’été baigné de lumière suffit à constater la solitude de chacun et l’impossibilité des relations d’alors. "J’ai conçu Nachmittag en m’inspirant de La Mouette de Tchékhov, la pièce que j’avais en tête, ou plus exactement ce qu’elle représentait pour moi, le souvenir que j’en avais gardé. La mère, le fils, le frère aîné, la maison, le lac, l’été. Chez Tchékhov, plus de deux années s’écoulent ; mais pour pouvoir en saisir l’histoire, je pensais que, pour mon film, elle se déroulerait sur un après-midi seulement. D’où le titre. Finalement, il a fallu trois jours en été pour qu’on assiste à la fin d’une famille. Le plus souvent, j’ai pensé à l’amour entre la mère et le fils qui se côtoient sans jamais se rencontrer vraiment, ce rapport qui va jusqu’au vide où l’on se perd soi-même."

Marseille (2005)
Le temps des vacances, Sophie échange son appartement en Allemagne contre un studio à Marseille où elle ne connaît personne. Seule, elle sillonne les rues et s’imprègne de la ville. Son visage et son histoire sont un mystère.

Christoph Hochhaüsler

Le Bois lacté (2003)
Sylvia est la belle-mère de deux jeunes enfants, Léa et Konstantin. Ils vivent en Allemagne, près de la frontière polonaise. La jeune femme ne s'entend pas avec eux. Un jour, en les ramenant de l'école, elle prétexte une course à faire en Pologne pour les y abandonner. De retour à la maison, elle cache la vérité à son mari. Ne voyant pas ses enfants revenir, celui-ci part à leur recherche.

L'Imposteur (2005)
Étouffé par l'amour de sa mère, par les attentes de son père et par l'ennui mortel de la vie dans la banlieue, Armin, 18 ans, se met à écrire des lettres anonymes. Il s'inspire tout d'abord d'un accident dont il a été témoin, puis d'un crime dont il vient de prendre connaissance. Ce qui n'était au départ qu'un jeu vire bientôt à l'obsession.

Henner Winckler

Voyage Scolaire (2002)
Ronny est un lycéen timide et introverti. Au cours d’un voyage d’études en Pologne, alors que ses camarades s’amusent, il reste dans son coin, tout en sirotant des bières. Lorsque son regard croise celui d’Isa, une fille de sa classe au tempérament sauvage, il s’éprend d’elle. Un soir, ils rencontrent Marek, un jeune Polonais. Ronny s’aperçoit rapidement que Marek est très intéressé par Isa. Commence alors un jeu dangereux...

Lucy (2006)
Maggy est une jeune mère célibataire de 18 ans. Elle vit avec sa fille Lucy chez sa mère, jusqu’au jour où elle rencontre Gordon, serveur dans une discothèque. Ils s’installent ensemble et tentent tant bien que mal d’élever l’enfant malgré leur désir de liberté.

Ulrich Köhler
Bungalow (2002)
Au retour d’une manœuvre, Paul, un jeune soldat, se sépare furtivement du reste de la troupe en se laissant oublier à une station-service. Tandis que ses camarades retournent à la caserne, Paul se rend dans le bungalow de ses parents. Sa désertion se complique le jour où son frère Max arrive en compagnie de sa petite amie, Lene.

Montag (2006)
Nina et Frieder s’installent avec leur petite fille dans une nouvelle maison qu’ils rénovent eux-mêmes. Un soir sans prévenir personne, Nina ne revient pas chez elle. Elle se retrouve alors à rôder dans les couloirs d’un étrange hôtel qui s’élève au coeur de la forêt. Lentement, la nouvelle vie de la famille se fissure.

Si ces titres de film ou ses réalisateurs ne vous disent pas grand chose, ce n'est pas grave car vous avez le temps de faire connaissance avec la relève du cinéma allemand. Remercions le label La vie est belle de nous offrir ce coffret en édition limité à 250 exemplaires. Sachez que les films étaient déjà disponibles en duo ou à l'unité mais que ce regroupement à un prix très attractif est une bonne raison pour découvrir cette prometteuse génération de réalisateur.

En bonus pour approfondir cette Nouvelle vague, on vous propose un extrait de l'article de Pierre Gras paru dans les Cahiers du cinéma #662 en décembre 2010.

"Quatre facteurs majeurs expliquent l'apparition de cette génération des années 2000. Le premier est une réaction contre la banalité du cinéma commercial allemand de la fin des années 90, comme à ses variantes modernes (Cours, Lola, cours, Good bye Lenin ! et les trois films de Fatih Akin Head-on) devenues aujourd'hui des succès d'exportation. [...] Le deuxième facteur est l'existence d'un réseau dense d'écoles de cinéma et d'écoles d'art où la pupat des membres importants de cette génération ont été formés. Hochhaüsler et Heinsenberg ont travaillé ensemble à l'école de Munich, où un peu plus tard Ade a suivi les cours de production. Winckler a étudié le cinéma à Hambourg et Grisebach à Vienne, Köhler vient de l'école d'art de Hambourg. [...] En créant la revue semestrielle Revolver, Hochhaüsler et Heisenberg ont ensuite joué un rôle dans cette cristallisation d'ambitions neuves en donnant la parole aux cinéastes.[...] Enfin, les cinéastes profitent de la bonne santé économique de l'industrie après des années 90 mortifères.

Pierre Gras

Prix : 48 euro / 9 films

Pour commander le coffret envoyer un mail à theendstore@gmail(POINT)com

ArrowDrome, des rééditions et de la Blaxploitation

2011-12-01T11:44:00.000-08:00

Cela fait quelques semaines que nous n'avons pas évoqué la collection Arrowdrome de l'éditeur anglais Arrow et il était temps d'y remédier. Dans cette première salve de titres bon nombre sont des rééditions de films précédemment sorti en blu-ray dans de superbes packagings et aujourd'hui disponible en dvd à prix raisonnable. Vous comprendrez donc que l'ont passe rapidement sur ses sorties pour évoquer LE titre qui nous intéresse.

> Obsession de Brian De Palma
Interview avec Brian De Palma, Cliff Robertson et Genevieve Bujold, bande annonce cinéma et livret signé Brad Stevens
> The Bird With the Crystal Plumage de Dario Argento disponible en France chez Wild Side
> The Funhouse de Tobe Hooper
Interview du réalisateur, bande-annone et livret de Kim Newman (Videowatchdog, Sight and Sound).
> The Cat O' Nine Tails de Dario Argento également disponible chez Wild Side.
Interview du réalisateur, bande-annonce et livret de Alan Jones, biographe de Dario Argento.

Passons maintenant au titre de Février 2012 qui nous intéresse avec Penitentiary (1979) de Jamaa Fanaka (et non Sanaka comme sur la vhs française Carrere Video & Mariko).
A la suite d'une altercation dans un bar, Martel Cordone est incarcéré...

Écrit, produit et réalisé Jamaa Fanaka (de son vrai nom Walter Gordon), Penitentiary est une descente sans concession dans l'enfer carcéral. Si le déroulement du scénario peut paraitre classique, le film reste encore aujourd'hui atypique et (d)étonnant. De part leur durée ou par le sujet filmé, certaines séquences du film étonnera le cinéphage habitué de film de prison. Comme l'affrontement tendu et violent de plus de 10 minutes entre notre héros (Leon Isaac Kennedy) et son codétenu (Badja Djola) dans leur cellule alors que les autres prisonniers pensent à un viol ou la vision troublée d'un boxeur k-o de son adversaire en travesti, Fanaka place le sexe au centre de son film.

Plus étonnant est l’absence de clivage ethnique pour la simple et bonne raison que la prison est composée à 99% de noir. Pourtant dans tout bon film de Blaxploitation il y a toujours une scène (ou plusieurs) ou le blanc est un horrible esclavagiste moderne et le policier forcément facho, adepte de la ratonnade. Ici, au contraire c'est grâce aux blancs que notre héros retrouvera la liberté. Est-ce une faiblesse ? non, puisque le long-métrage ne cesse d'adopter des angles originaux pour évoquer la vie dans un pénitencier.
A l'exception de la scène d'ouverture et de la séquence de fin, le long métrage se situe dans l'enceinte de la prison (lieu qui servit au tournage de Freddy de Wes Craven). Mais pour autant le film comporte des (petites) bouffées d'air avec les travestis, la tenue des prisonniers (des jeans "pat d'eph") et des séquences de danse sur de la musique soul ou funky. A noter que la bande originale du film a été écrite par Frankie Gaye, frère de Marvin, dont c'est la seule incursion dans la Blaxploitation.

Déjà édité en zone 1 en édition spéciale, ce zone 2 uk (sans version française, ni sous titres) comporte comme suppléments un commentaire audio de Jamaa Fanaka, des bandes-annonces et un livret écrit par Calum Waddell, journaliste et auteur de Jack Hill: The Exploitation and Blaxploitation Master. Mais le bonus le plus important est l'ajout de la séquelle Penitentiary II (L'oeil du tigre en V.F.) avec Mr. T. Voilà de quoi donner envie de découvrir ce film plaisant et percutant.

The Wicker Man (1973) | Ciné B

2011-12-01T05:33:00.000-08:00

Alors qu'habituellement le fan de ciné Bis lorgne avec envie sur la programmation (bis) de la cinémathèque de Paris, le cinéphile azuréen pourra se délecter de The Wicker Man sur grand écran. Un cadeau de Noël avant l'heure.

À la suite de la disparition d'une petite fille sur la petite île de Summerisle, la police envoie un de ses inspecteurs pour enquêter. Sa tâche est compliquée par les insulaires qui nient l'existence de l'enfant et semblent dissimuler d'étranges pratiques...

Sur un scénario d'Anthony Shaffer (Frenzy, Le Limier), financé par le producteur de L'homme qui venait d'ailleurs (David Bowie / Nicolas Roeg) ce film étrange réalisé par Robin Hardy a acquis au fil du temps le statut d’œuvre culte. Réalisateur à la carrière brève, Robin Hardy a retrouvé en 2011 l'univers de The Wicker Man avec The Wicker Tree. Sorti dans divers festivals, ce nouveau film toujours inédit en dvd semble avoir quelques difficulté pour trouver le chemin des revendeurs.
Dans la production des années 70, The Wicker Man fait figure d'ovni à côté des films de la Hammer ou de la Amicus. Son sujet, sa mise en scène et les ombres scénaristiques font de ce long-métrage une inexpérience incroyable qui n'a toujours pas perdu de sa force et de son mystère.

Le film fut édité en dvd dans la collection "Cinéma de Quartier" de Jean-Pierre Dionnet dans une édition 2dvd (aujourd'hui introuvable) comprenant la version longue du film de 99 minutes contre 84 pour la version salle. Le site internet de la cinémathèque de Nice indique 1h39 ce qui laisserait penser qu'il s'agit de la version longue. Info ou Intox, seul les azuréens pourront confirmer ceci mais il n'est pas impossible que se soit la version longue tant la diffusion en dvd tant à se généraliser dans l'institution.

> vendredi 2 décembre à 21h30

Bela Tarr / livre // retrospective /// dvd

2011-11-30T12:35:00.000-08:00

Nous aurions pu faire un jeu de mot avec le nom de famille du réalisateur : "vaut mieux Tarr que jamais" mais sans doute celui-ci a déjà été fait par d'autre mais surtout l’œuvre du cinéaste hongrois ne mérite aucun trait d'humour. A The End nous aimons les marges, toutes les marges même celles d'un cinéma d'auteur pouvant paraitre de prime à bord abscons, ennuyeux et pompeux. L'objectif du blog est de modestement porté un regard sur des films, des cinéastes qui n'ont pas la lumière qu'il mérite.

La lumière est au centre de l’œuvre de Tarr, d'un magnifique noir et blanc (pour une grande partie de ses films) à la couleur éblouissante (Almanach d'automne), Bela Tarr a crée une œuvre à part, comme en suspension, emprunt d'une étrangeté forgé par une mise en scène construite sur des mouvements de caméra précis au durée hors normes,. A l'heure d'un cinéma MTV, certes jouissif par moment, découvrir un film de Bela Tarr c'est comme découvrir une réalité suspendue, fragile, magique mais parfois déroutante.

A partir du 3 décembre le Centre Pompidou entame une rétrospective intégrale (courts-métrages compris) du cinéaste intitulé Bela Tarr, l’alchimiste. Présentation du Président du centre Pompidou :

L’oeuvre du hongrois Béla Tarr est un fascinant paradoxe, qui défie les catégorisations esthétiques. Poursuivant et radicalisant la modernité de cinéastes tels que Miklós Jancsó ou Andreï Tarkovski, elle dévoile un style hautement personnel, une sincérité rageuse. Par leur durée, par leur précision, les plans qui composent ses films rendent presque douloureusement présents les fragments de monde qu’ils figurent. Mais loin de se contenter de cette plénitude de l’image, Béla Tarr joue tout autant de ce que la représentation retire au monde et lui ajoute : souvent dépouillées de leurs couleurs, les choses y acquièrent une qualité plastique sidérante. Les images s’entrechoquent pour construire ensemble un univers factice, tout en ménageant entre elles des intervalles propices au déploiement de l’imagination du spectateur.
Il y a quelque chose de documentaire dans cette oeuvre qui exalte la capacité du cinéma à enregistrer et restituer le mouvement - les sept heures de Satantango en sont le plus saisissant témoignage. Elle ne renie pourtant jamais la fiction et l’artifice, car ce qu’elle cherche à documenter en fin de compte est impalpable : un paradoxe primitif qui se loge au coeur de l’humain ; une contingence, une fragilité, et, malgré tout, une dignité imprescriptible. Comme chez l’écrivain László Krasznahorkai, avec qui il entretient une relation artistique soutenue depuis Damnation, la forme chez Béla Tarr ne se suffit jamais à elle-même mais se fait le véhicule de cette vision du monde.
Si l’art a pour fonction de sublimer nos passions et de nous aider ainsi à vivre avec elles, alors cette oeuvre en est l’une des plus précieuses expressions. La nouvelle confirmation que nous en apporte aujourd’hui Le Cheval de Turin est l’occasion pour le Centre Pompidou et le Festival d’Automne de mettre en lumière un travail unique en son genre, en compagnie de son auteur.

Alain Seban
Président du Centre Pompidou

Bela Tarr, l'Alchimiste

Capricci a la très bonne idée d'accompagner cette rétrospective en éditant un (petit) livre signé Jacques Rancière revenant sur le parcours méconnu de Bela Tarr.

Présentation de l'éditeur :
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Bela Tarr, né en 1955 en Hongrie, a commencé à filmer à la fin des années 1970. Ses films les plus marquants sont Damnation (1988), Les Harmonies Werkmeister (2000), et plus récemment L’homme de Londres (2007), adaptation de Georges Simenon. D’Almanach d’automne (1984) au Cheval de Turin qui sort cet automne, les films de Bela Tarr ont suivi la faillite de la promesse communiste. Mais le temps d’après n’est pas le temps uniforme et morose de ceux qui ne croient plus à rien. C’est le temps où l’on s’intéresse moins aux histoires, à leurs succès et à leurs échecs qu’à l’étoffe sensible du temps où elles sont taillées. Loin de tout formalisme, la splendeur des plans-séquence de Satantango ou de Werckmeister Harmonies est faite d’une attention passionnée à la façon dont la croyance en une vie meilleure vient trouer le temps de la répétition, au courage avec lequel les individus en poursuivent le rêve et en supportent la déception. Pour Jacques Rancière, le temps d’après est notre temps et Bela Tarr est l’un de ses artistes majeurs.

Jacques Rancière est l’un des philosophes français les plus importants et les plus lus. Il a été professeur émérite au département de Philosophie de l’Université Paris VIII, où il a enseigné de 1969 à 2000, et est aujourd’hui professeur visitant dans diverses universités américaines. Il est l’auteur de nombreux livres consacrés à la politique, à la littérature, à l’esthétique et à leurs rapports. Il a consacré au cinéma de nombreux articles publiés notamment dans Trafic et dans les Cahiers du cinéma et deux livres, La Fable cinématographique (Le Seuil, 2001) et Les Ecarts du cinéma (La Fabrique, 2011). Son dernier ouvrage Aisthesis. Scènes du régime esthétique de l’art paraît en Octobre 2011 aux éditions Galilée.
Prix : 7,50 euro | 96 pages

Si vous souhaitez découvrir les longs-métrages de Bela Tarr, sachez que THE END propose :
> SÁTÁNTANGÓ (1994) 450 mn / 32 euro
> DAMNATION (1987) 115 mn / 20 euro
> ALMANACH D'AUTOMNE (1985) 115 mn / 20 euro
> LE NID FAMILIAL (1977) 100 mn / 20 euro

Plus d'infos en envoyant un mail à theendstore@gmail(POINT)com

Bazaar & Co : les nouveautés

2011-11-24T10:57:00.000-08:00

Si les infos et les news autour de Bazaar & co sont rares, l'éditeur poursuit son travail dont voici leurs deux derniers titres :

Arnold Schwarzenegger, histoire d'une détermination

Depuis qu'il a été élu gouverneur de Californie en octobre 2003, Arnold Schwarzenegger a fait couler beaucoup d'encre. Sa vie actuelle est régulièrement commentée et le moindre de ses faits et gestes est rapporté. Mais qu'en est-il de son passé de culturiste et de star de cinéma ? Est-il réellement connu ? C'est ce que propose de découvrir ce livre qui retrace en détail le parcours atypique de ce conquérant des temps modernes qu'est Arnold Schwarzenegger, de son enfance autrichienne jusqu'à son avènement en tant qu'action star hollywoodienne, en passant par ses années de compétition culturiste et son entrée dans les sphères politiques américaines. Personnage omnipotent nanti d'une ambition et d'une détermination sans limites, Arnold Schwarzenegger a su traverser les époques et restera sans conteste l'une des célébrités les plus marquantes et fascinantes de notre temps.

Passionné de cinéma et de culturisme, Eric Faber signe ici son deuxième livre. Après avoir écrit la première biographie française consacrée à cette autre star du cinéma d'action du XXe siècle qu'a été Jackie Chan, il est également le premier à proposer en France une biographie d'Arnold.

Prix : 19 euro

Bill Plympton, portrait d'un serial cartoonist

Bill Plympton tient une place particulière dans le vaste monde du cinéma d’animation, puisqu’il est l’Auteur indépendant par excellence. Irrévérencieux, sarcastique, et doté d’un style jeté reconnaissable entre mille, il n’a pas de limites à son Art. Récompensé de nombreux prix (Festival d’Annecy, Annie Awards, nomination à l’Oscar) et reconnu par toute la profession, il est un artiste incontournable qui mérite qu’un livre lui soit enfin dédié. Entre des analyses de son œuvre et une longue interview dans laquelle Plympton dévoile ses secrets de fabrication, on va retracer l’itinéraire de ce digne héritier de Tex Avery et Ralph Bakshi, dont les mots d’ordre seraient sexe, violence et dessin animé.

Préface de Serge Broomberg

Prix : 25 euro

Les livres, commes les films de Bill Plympton, sont disponibles auprès de THE END en envoyant un mail à theendstore@gmail(POINT)com

Big Man Japan (Dai-Nipponjin) | Arte Cinéma Trash

2011-11-23T12:39:00.000-08:00

Chaque semaine ou presque, THE END se répète mais Arte est la chaine la plus excitante du PAF. Qui d'autre que Arte pourrait diffusait un film aussi fou que Big Man Japan ? enfin Dai-Nipponjin puisque c'est sous son nom japonais et non sous son titre international qu'Arte a décidé de diffusé ce premier film d'Hitoshi Matsumoto. Réalisé, interprété et concepteur de la bande originale Hitoshi Matsumoto est un humoriste japonais autant populaire que Beat Takeshi.

Face caméra, un homme chevelu raconte son quotidien : divorcé, il voit peu sa fille, un gros chat errant lui tient compagnie, ses voisins écrivent des insultes sur la façade de sa maison, il ne s’éloigne jamais vraiment de sa demeure, car il ne sait pas quand on risque d’avoir besoin de lui. En effet, à tout instant cet homme est susceptible d’être appelé à la rescousse pour sauver Tokyo des monstres géants qui la menace. Oui, car il est le descendant d’une lignée de super-héros qui, sous le coup d’une impulsion électrique, se transforment temporairement en géants (non sans avoir pensé au préalable à enfiler un slip adapté à leur taille). Mais comme les interventions de notre héros sont plutôt dévastatrices, la population ne l’aime pas spécialement, son show télé est d’ailleurs relégué en dernière partie de soirée et ne fait pas beaucoup d’audience.

> jeudi, 24 novembre 2011 à 00h35
> samedi 26 novembre à 01H50

Sachez pour ceux qui n'auront ni la forme, le courage ou d'appareil d'enregistrement que le film est disponible en dvd en zone 2 uk mais sans sous-titre français.

source : Arte

P.I.F.F.F / 1ière édition

2011-11-22T02:32:00.000-08:00

Du 23 au 27 novembre dernier, c'est tenu la première édition du PIFFF (Paris International Fantastic Film Festival), une manifestation chapeauté par Fausto Fasulo (rédacteur en chef de Mad Movies) et Cyril Despontin (trublion inimitable dans l'organisation de festival déjà à l’initiative de l'étrange festival de Lyon et de sa suite Hallucinations Collectives).

14 long métrages étaient présentés et nous en avons vu six, presque la moyenne, assez pour dire que cette première édition fut un véritable succès grâce à des films ouvertement fantastique ou flirtant de belle manière avec le genre.

> Vendredi 25 novembre / 19:45 / Extraterrestre
Après une soirée particulièrement arrosée, Julio se réveille dans l’appartement de Julia, une belle inconnue dont il a tout oublié. Mais la surprise du jour est ailleurs : une gigantesque soucoupe volante stationne au-dessus de leur ville…

Notre festival a commencé avec ce second film de Nacho Vigalondo. Après Timecrimes et son exploration du temps, le réalisateur espagnol continue d'explorer le fantastique à travers le quotidien des gens. Si l’élément "fantastique" permet d'apporter de la fraicheur dans la comédie romantique, le metteur en scène arrive à distillé un doute, permettant au spectateur d'être toujours en haleine des événements. Malheureusement la place à la comédie ne se fera jamais rattrapé par le fantastique, et notre soucoupe volante passera au second plan. Par bien des aspects, le film se rapproche de Signes de M. Night Shyamalan. Sauf que dans le film de Shymalan, l'extraordinaire permettait à un homme ordinaire de retrouver son chemin là où dans Extraterrestre, l'ovni sert d’élément moteur aux mensonges et qui pro quo dont la finalité est plus ordinaire avec un retour à une situation normale (ou presque), bref tout ça pour ça. Dommage.

> samedi 26 novembre / 17:00 / The Innkeepers

Après un sympathique House of the devil, ce nouveau long métrage de Ti West continue dans le rétro avec la volonté de réactiver certain code du cinéma d'épouvante des années 70.

Claire et Luke, deux employés d’un vieil hôtel de la Nouvelle Angleterre, tuent le temps en partant à la chasse aux fantômes qui rôdent dans l’établissement…
Ti West propose donc la même sobriété dans les effets au profit d'une ambiance oppressante. Sauf que dans Innkeepers, notre duo de personnages principaux insufflent une part de comédie qui vient désamorcer tous les efforts du réalisateur à créer une atmosphère. Pire, le découpage en chapitre vient ternir la fin du film avec une fin abrupte.

> 00:00 / The Violent Kind

Comme pour Ti West, la vie des réalisateurs indépendants de films d'horreur connait des hauts et des bas et les Butcher Brothers ne dérogent pas à la règle. Après le triste Avril Sanglant, les réalisateurs reviennent de plus belle avec une proposition à la fois originale, surprenante et inattendue. A la lisière de divers genre, The Violent Kind évoque par certains aspect le fantastique d'un Richard Kelly, posant plus de questions qu'ils n'y répondent notre duo de metteur en scène réussissent à mettre de la nouveauté dans ce mix de bikers et de bande rockabilly ultra violente. Malheureusement quelques ombres viennent obscurcir le plaisir par des cadrages et des séquences bâclées (notamment les combats ou les coups n'ont pas l'impact attendu). Mais ne boudons pas notre plaisir, c'est tellement rare d'être captivé aujourd'hui par un film que d'être sur le qui vive pendant 90 minutes restent un exploit en soi.

> Dimanche 27 novembre / 15:30 / Bellflower

Deux amis se préparent à une apocalypse nucléaire en construisant armes et véhicules de destruction. Mais une fille va venir tout perturber…
Si certains long-métrages ont du mal à nous captiver Bellflower fait parti des films qui remporte notre adhésion dès les premières minutes. Ce premier film écrit, monté et interprété par son réalisateur Evan Glodell est une réussite totale. Que dire de plus si ce n'est qu'il faudra attendre mars 2012 pour revoir ce film en France. Un de nos films de l'année. Voici la bande-annonce :

> 18:00 / 4:44 last days on Earth

New York. La fin du monde est prévue à 4h44. Un couple d’artistes tente d’exister jusqu’au moment fatidique…
Ce nouveau film d'Abel Ferrara est une déception malgré un charme fou dans la mise en scène, certaines séquences sont dignes d'un Mondo Movies voire ridicules. Moralisateur et bien pensant, ce long métrage est un pensum nauséeux et inutile. A qui s'adresse ce film ? Opposant le new age (Dalaï lama) à la vie consumériste artificielle (drogue, télévision, junk food) le film ne cesse de pointer du doigt, de questionner sur les responsables de cette fin du monde (lié au désastre écologique) mais il n'y pas de coupable à designer car nous le sommes tous à des degrés divers. Encore un cinéaste important des années 80 qui s'éteint films après films.

> 20:00 / Detention
Adolescente paumée, Riley tente de survivre à la pression quotidienne d’un lycée complètement azimuté et frappé par un tueur tout droit échappé d’un authentique slasher. Mais l’établissement recèle aussi d’autres secrets…

La consommation et tous les affres de la culture américaine sont au centre du nouveau film du réalisateur de Torque, Joseph Kahn. Si vous n'avez pas vu ce film qui semble être un ersatz de Fast and Furious ne vous inquiétez pas nous n'ont plus. Mais à la lumière de ce second film nous avons une folle envie de le découvrir tant Detention est une sucrerie de (contre) culture. Imaginez le meilleur de Gregg Araki (l'aspect sexuel en moins ou presque) couplé à l’énergie d'un Tony Scott sous amphétamines, vous obtiendrez une vague idée de l'effet de Detention sur votre organisme. Detention résume en 90 minutes 30 ans de teen movies, de films d'horreur et de fantastique, un maelström de citations, de musiques, de clins d’œil à internet, bref une belle surprise et un plaisir coupable agréable pour terminer ce festival sur une note légère.

Vivement l'année prochaine !

Louis Skorecki | Sur la télévision

2011-11-21T12:16:00.000-08:00

Sur le blog, on ne parle guère de série télé, non pas que le médium nous intéresse pas (bien au contraire) mais la durée, les intrigues et les personnages sont si nombreux que cela devient parfois vertigineux pour la compréhension. Heureusement, des auteurs (dont Pacôme Thiellement, Les mêmes yeux que Lost) et journalistes s'emparent de nos séries adorées pour en extraire toute la singularité de ses objets aux contours et aux interprétations quasi sans fin.

Les éditions Capricci avait inauguré leur collection "Actualité Critique" avec un texte d'Emmanuel Burdeau (ancien rédacteur en chef des Cahiers)sur les Soprano. Un signe fort pour témoigner de l'importance des séries dans les sujets de réflexion de nos journalistes et de la qualité de ces dernières.

Aujourd'hui c'est dans leur "Collection Cinéma" que sort un recueil de critiques de Louis Skorecki, critique et cinéaste discret, méconnu du grand public, mais qui a eu une certaine vista sur le format, jadis mésestimé, de la série télé.

Présentation de l'éditeur
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« J’ai dit un jour que Louis Lumière avait inventé la télévision, et pas le cinéma. Ce n’était pas une blague. Ses opérateurs faisaient dès les années 1910 de la publicité pour une marque de savon, et ils allaient projeter ces petits films à domicile. Mais la meilleure preuve que cette théorie tient la route, c’est que ce qu’on appelait jadis le public populaire, celui qui fait vivre les films et les personnages, c’est devant la télé, et nulle part ailleurs, qu’on le trouve aujourd’hui. Si j’étais cinéaste, c’est à lui que je m’adresserais exclusivement. Dans une salle de cinéma, les spectateurs prennent souvent les films pour de la blanquette de veau tellement il fait noir. Ça n’arrive pas à la télé. Réfléchissez-y deux ou trois minutes, en plein jour. Ça n’arrive jamais à la télévision. »

Ce recueil réunit trois décennies de chroniques, pour la plupart publiées dans Libération, consacrées par Louis Skorecki aux séries américaines et britanniques d’hier et d’aujourd’hui, ainsi qu’à quelques francs-tireurs de la télé française.

Au sommaire : 21 Jump Street, Ally McBeal, Chapeau melon et bottes de cuir, Code Quantum, The Cosby Show, Deux flics à Miami, Dr House, Les Enquêtes du commissaire Maigret, Equalizer, Friends, La Grande Vallée, Hélène et les garçons, Les Incorruptibles, La Petite Maison dans la prairie, Mad Men, Magnum, MacGyver, Millennium, Mission Impossible, Les Mystères de l’Ouest, New York Police Blues, Le Saint, Strip, T. J. Hooker, Tony Baretta.

Sur l'auteur
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Louis Skorecki est l’auteur de plusieurs films, livres, dont une chronique de son départ de Libération, Skorecki déménage (2009). Il est surtout connu comme critique de cinéma, aux Cahiers du cinéma du milieu des années 1960 au début des années 1980, puis au quotidien Libération jusqu’en 2007. En 1978, il publie un long texte au titre programmatique : Contre la nouvelle cinéphilie. La thèse qu’il y développe nourrira tous ses écrits ultérieurs : la cinéphilie des années 1950 ne peut se retrouver que dans le hasard des programmes de la télévision. Impossible de continuer à aimer le cinéma sans s’intéresser en même temps à la télévision, pour le meilleur et pour le pire. Aux Cahiers, puis surtout à Libération où il tient longtemps une chronique, Skorecki construit un style unique, à la fois érudit et enfantin, flamboyant et agressif qui lui vaut le titre de « journaliste le plus haï de France ». Il devient ainsi l’un des maîtres de la jeune génération, presque à l’égal de son ami Serge Daney.

208 pages | 16 euro

Sa trilogie "Les Cinéphiles" a été édité en dvd en mars 2007 par La Vie est belle éditions. Le restant de sa filmographie étant composé de documentaire sur et autour de la cinéphilie, ces chroniques consacrés aux séries sont le prolongement logique d'une pensée à contre courant. Rendons grâce à Capricci de nous sortir encore une fois un bouquin passionnant.

Saul Bass A life in Film & Design

2011-11-20T12:48:00.001-08:00

A la sortie du second long-métrage de David Fincher, Seven (1995), beaucoup de critiques et d'observateurs avaient souligné la qualité du générique du film. Si nos souvenirs sont bons, cette mise en bouche visuelle avait couté la bagatelle d'un million de dollars. Avec moins d'argent et tout autant de talent (si ce n'est plus), Saul Bass a marqué de son empreinte quantité d’œuvres par la puissance de ces images. D'une apparente simplicité, Saul Bass a su donner au générique cette capacité à ne plus servir de tableau informatif mais d'être une part intégrante du film, mieux, à aspirer le spectateur dans l'univers du film.

Présentation de l'éditeur :
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This is the first book to be published on one of the greatest American designers of the 20th century, who was as famous for his work in film as for his corporate identity and graphic work. Saul Bass (1920-1996) created some of the most compelling images of American postwar visual culture. Having extended the remit of graphic design to include film titles, he went on to transform the genre. His best-known works include a series of unforgettable posters and title sequences for films such as Alfred Hitchcock's Vertigo and Otto Preminger's The Man with the Golden Arm and Anatomy of a Murder. He also created some of the most famous logos and corporate identity campaigns of the century, including those for major companies such as AT&T, Quaker Oats, United Airlines and Minolta.

Mise en page par Jennifer Bass, fille de, et écrit par Pat Kirkham, historienne des arts graphiques et de design, ce livre comporte plus de 1400 illustrations dont de nombreuses sont extraites directement des archives de Saul Bass.
Voici quelques extraits de l'ouvrage, ainsi qu'une vidéo pour se remémorer de tous les films touchés par intelligence visuelle de Saul Bass.

Si une grand par de son travail a été lié au cinéma, le livre s’intéresse à toute une partie moins connu de ce côté de l'atlantique, le design. Créateur de logo pour des marques américain, la signature Saul Bass a marqué les foyers américains autant que ces génériques. Un livre de cinéma, mais surtout un livre historique sur un créateur d'images qui n'aura signé, ironie de l'histoire, un seul et unique film, phase IV.

Prix : 69 euro

Histoire du cinéma X | Orgasmo

2011-11-17T12:11:00.001-08:00

Petit à petit, le cinéma érotique et pornographique des années 60 à 80 semble trouver un regain d'intérêt que se soit en dvd, en livre ou en bande originale et tout ceci relayé par des médias nostalgiques d'une époque heureuse. Il suffit de voir, sur le blog de Christophe Bier, l'auteur du Dictionnaire des films français pornographiques et érotiques, les 15 pavés de presse (élogieux) alignés ici. Si vous êtes assidu(e)s au blog, vous n'avez sans doute pas louper les divers articles annonçant les sorties du dictionnaire français ici ou le pendant américain avec une historique du porno us là.

Et cela continue, puisque depuis septembre dernier est disponible dans toutes les bonnes librairies, le dernier ouvrage de Jacques Zimmer, déjà auteur de Sade et le cinéma (La Musardine) et Le cinéma X (La Musardine) bref deux livres qui lui offrent une certaine légitimité pour aborder son Histoire du cinéma X aux éditions Nouveaux monde.

Présentation de l'éditeur
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Le « X » est une expression récente : ce genre né avec le cinématographe s'est d'abord appelé clandestin, marginal, ou « de bordel » pendant près de 50 ans… Il a connu dans les années 1970 une sorte « d’âge d’or » vite réprimé, avant de connaître l’exploitation télévisée ou domestique avec l’explosion de la télévision thématique et de la vidéo sur Internet. Le « X » est une industrie considérable et un fait de société, une production torrentielle charriant le pire et le meilleur… et pourtant son histoire reste encore pour l’essentiel inexplorée. Spécialiste éminent du genre, l’auteur esquisse ici sa première histoire à partir d’entretiens inédits avec la plupart des grands témoins et acteurs les plus représentatifs : des actrices (de Marylin Jess à Ovidie), des réalisateurs (José Bénazéraf, Michel Barny…), des producteurs (Marc Dorcel, Francis Mischkind…), le programmateur « X » de Canal plus (Henri Gigoux), et quelques invités surprise tenant à l’anonymat ou aujourd’hui disparus. Car l’univers du X est constitué de secrets de fabrication et d’étonnants procédés d’exploitation flirtant avec l’illicite, de mystères, de légendes et parfois de révélations : même reconnu et accepté au grand jour, il a conservé quelques habitudes héritées de son sulfureux passé clandestin. Entre autres pour ses pseudonymes, ses tournages occultes, ses défis du bizarre et de l’interdit, ses personnalités insolites, ses démêlés parfois burlesques avec la censure, ses dessous financiers, ses scandales et ses « affaires », ses condamnations, les énigmes de certaines participations… Et beaucoup de mythes qu’il convenait, après enquête sérieuse, de remettre à leur place.

450 pages | 23 euro

Outre les bouquins précédemment cités, on peut également se remémorer des 6 volumes publiés chez Taschen de l'histoire des Men's Magazine. Un plaisir aussi bien visuel que cérébral et historique. Tout autant que le nouveau projet des éditions Serious Publishing, Orgasmo qui risque de satisfaire aussi bien l'historien de culture bis à tendance érotico-pornographique, le voyeur de papier glacé que l'amoureux d’illustrations haute en couleurs.

Affiches, photos de plateaux, memorabilia, pavés de presse... Orgasmo rend hommage aux films érotiques du monde entier. Genres et sous genres sont abordés et copieusement illustrés par des documents inédits ou rarement vus. Les textes sont signés Christophe Bier, spécialiste hors pair qui parage ici les trésors de sa collection unique au monde.

Pas encore de date mais il est annoncé "prochainement", peut-être sera-t-il sous le sapin ? Espérons...

source : seriouspublishing.fr /it's serious

James Cameron, l'appel des profondeurs

2011-11-16T12:34:00.000-08:00

En plus de 30 ans de carrière, aucun ouvrage (en dehors des livres "merchandising" autour des univers crées par Cameron) ne sait penché sur la filmographie du cinéaste. En effet, il faut bien le dire les journalistes et auteurs français non sans doute pas pris la mesure des avancées technologiques et les possibilités artistiques que le cinéma de James Cameron a permis d'inaugurer. Si personne ne conteste la capacité de Cameron a être un formidable moneymaker, peu ont un discours intellectuel sur ce génial filmmaker.

Mais cela change puisque en mars 2012, les (excellentes) éditions Rouge Profond sortiront un ouvrage qui viendra combler trente années de respect poli envers un créateur unique et ce avant la prochaine sortie de Titanic 3D.

Présentation de l'éditeur
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Titanic ressort en 3D : rien de plus logique. Quand James Cameron entreprend le tournage de son film catastrophe dans les années 1990, il a déjà en tête la réalisation d’images en 3D qui puissent procurer la sensation d’une totale immersion. D’où l’importance de la mer dans l’avancée de son projet révolutionnaire, cette mer qui est son élément naturel, cette mer qu’il sonde dans ses grandes profondeurs, se donnant ainsi les moyens de s’approcher de l’épave du Titanic comme personne ne l’a jamais fait auparavant. Cameron accomplit des explorations sous-marines avant de tourner Titanic, mais il continue aussi après son triomphe en 1997. Au point de quasiment disparaître de la scène hollywoodienne pendant près de dix ans, alors que les milliards engrangés lui permettaient de réaliser n’importe quel blockbuster. Quand il refait surface, il livre Avatar qui engage le cinéma dans une transformation sans précédent. C’est cet appel des profondeurs à l’origine de l’une des plus grandes mutations audiovisuelles que le livre explore, analysant Titanic suivant des perspectives nouvelles en lien avec Terminator, Abyss et Avatar, tout en dressant le portrait de James Cameron en travailleur de la mer, cinéaste aventurier et visionnaire, et raconteur au long cours.

L'auteur
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Directeur des éditions Rouge Profond, corédacteur en chef de la revue de cinéma Simulacres, parue de novembre 1999 à mai 2003, Guy Astic consacre la plupart de ses écrits au roman, au cinéma et au fantastique contemporains. Il a réalisé des anthologies pour les éditions du Seuil dans la collection Points-Virgule, notamment Suite fantastique. Douze nouvelles de Charles Nodier à Roland Topor (2002), et a coordonné les ouvrages collectifs Stephen King. Premières approches (Liège, Éditions du CEFAL, 2000), Colloque de Cerisy 2007. Autour de Stephen KIng, l'horreur contemporaine (Paris, Bragelonne, 2008). En 2004, il a publié La Tambour littérature. Günter Grass romancier aux éditions Kimé. Il a fait paraître deux ouvrages sur David Lynch dans la collection « Raccords ». Il enseigne la littérature et le cinéma au lycée Paul Cézanne d'Aix-en-Provence.

155 x 215 mm | cousu-collé, avec rabats | 192 pages | 300 images n&b couleur | 20 €

source : Rouge Profond

Les Maitres Italiens, nouvelle salve

2011-11-15T13:19:00.000-08:00

Avouons-le si nos "maitres" italiens sont plus du côté de Pupi Avati, Lucio Fulci ou Dario Argento, la collection les maitres italiens nous a permis de combler quelques lacunes et au passage de nous faire découvrir des pépites (Confession d'un commissaire de police au procureur de la République notamment). Jeudi prochain, 5 nouveaux titres seront disponibles, en voici les titres :

Les Ordres sont les ordres - Franco Giraldi (1974)

Giorgia, l’épouse d’un banquier vénitien, commence à entendre des voix qui lui ordonnent de faire des choses bizarres. Un ami lui explique qu’il s’agit en fait de son inconscient qui l’incite à se libérer de son rôle de femme objet…

Bonus :
> Notes de production
> « Portrait italien : Tonino Guerra (scénariste) » d’Antonella De Lillo (2001)
> Bandes-annonces

Casanova, un adolescent à Venise - Luigi Comencini (1969)

Le jeune Giacomo Casanova passe son enfance à Venise entre sa grand-mère et une mère volage. Envoyé en pension à Padoue, il fait la connaissance du père Don Gozzi, qui sera à l’origine de sa carrière ecclésiastique. Devenu adulte, Casanova revient à Venise où il décide d’abandonner la soutane et de suivre les élégants et mensongers chemins du libertinage…

Bonus :
> Notes de production
> Scènes commentées par Jean A. Gili (historien du cinéma)
> Manuscrit à la préface d‘« Histoire de ma vie » de Giacomo Casanova
> Bandes-annonces

Âmes Perdues - Dino Risi (1977)
Venu étudier la peinture à Venise, Tino est logé dans l’étrange demeure de son oncle Fabio qui ne cesse d’humilier se jeune épouse Elisa. Intrigué par des bruits bizarres, Tino apprend l’existence secrète d’un frère de Fabio, Berto, qui vit reclus, devenu fou après avoir causé la mort de Beba, la fille du premier mariage d’Elisa…

Bonus :
> Notes de production
> « Parlons cinéma : Tonino Delli Colli (chef opérateur) » de Carlo Lizzani (2002)
> Bandes-annonces

Le Sexe Fou - Dino Risi (1972)

Un valet amoureux de sa patronne, un jeune homme qui rêve de séduire une rombière, un couple qui ne jouit que dans l’agressivité, un playboy qui ne performe que dans les moyens de transport, un employé qui - pour sauver la face - remplace sa femme par une prostituée, un donneur de sperme, une veuve qui venge son époux assassiné en épuisant sexuellement l’assassin, un paysan amoureux d’une femme qui n’est pas celle qu’il imaginait, un couple qui invite un des subalternes du mari pour réveiller sa libido, tels sont les héros de ces neuf histoires courtes au comique grinçant et au thème unique : le sexe…

Bonus :
> Fiches film
> Scènes commentées par Jean-Baptiste Thoret (historien du cinéma)
> Bandes-annonces

Mimi métallo blessé dans son honneur - Lina Wertmüller (1972)

Mimi, un manœuvre sicilien, refuse de se plier à la foi de la mafia. Privé de travail, il s’expatrie, laissant sa femme Rosalia en Sicile. À Turin, Mimi ne tarde par à être à nouveau contacté par l’Organisation et comprenant le danger, il se fait plus coopératif. Promu métallo, puis contremaître, il tombe amoureux fou de Fiorella avec qui il a un fils. C’est alors que la mafia le rapatrie en Sicile où Rosalia l’attend…

Bonus :
> « Parlons cinéma : Giancarlo Giannini » de Carlo Lizzani (2002)
> Bandes-annonces

Melancholia en dvd / blu-ray

2011-11-14T11:54:00.000-08:00

Avec une presse quasi unanime, Melancholia est peut-être le film le plus abouti de son auteur. Synthèse absolu du style de Lars Von Trier, entre critique du noyau familiale et fantastique vécu au quotidien, Melancholia s'affirme comme l'aboutissement de sa carrière. C'est le 3 janvier prochain, que l'éditeur Potemkine publiera en dvd et blu-ray, le dernier long métrage du cinéaste Danois.

Edition double dvd accompagnée des suppléments suivants :

Commentaire audio du réalisateur (130’)
Autour du film (12’)
La plastique du film (10’)
Les effets spéciaux (7’)
Éclairage scientifique (4’)
Conférence de presse du Festival de Cannes (49’) [non censuré, NDR]
Filmbyen, documentaire (52’)

Pour le blu-ray, les bonus seront identiques. Ceci est à noter tant de nombreux éditeurs priviligent de plus en plus le support haute définition pour proposer davantage de complément et ainsi favoriser la vente de blu-ray, la technologie qui doit supplanter nos bons vieux dvd.
Pour la première depuis le lancement des éditions Potemkine / Agnès B, le visuel utilisé pour une sortie est d'une laideur incroyable. Si cet avis n'engage que votre serviteur, THE END espère vivement qu'il s'agisse d'une image de travail.

Le mois dernier, nous évoquions la fin d'année du label avec la sortie de l'intégrale Andreï Tarkovski et deux nouveautés, Shotgun Stories et Cagliostro, dont la première nous avait particulièrement réjouit. A l'époque, nous n'avions ni les jaquettes, ni les bonus. Nous ne résistons pas à vous les montrer pour remettre une couche sur le premier film de Jeff Nichols (Take Shelter) qui est une merveille. Vous êtes prévenu(e)s !

Présentation de l'éditeur
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Le comte de Cagliostro, aussi connu sous le nom de Joseph Balsamo, est un aventurier italien du XVIIIe siècle rendu célèbre par les romans d’Alexandre Dumas. Né en Sicile en 1743, le jeune Cagliostro est banni de sa terre natale pour escroquerie. Il quitte Palerme pour un voyage au long cours à travers la Méditerranée et l’Europe. Sa réputation de guérisseur lui vaut d’être invité à la cour de Versailles où il prodigue soins et remèdes magiques. Mais le prodigieux succès du comte de Cagliostro est bientôt mis à mal par une sombre histoire, la fameuse « affaire du collier de la reine »…
Mis en scène dans des décors somptueux par Richard Oswald, assisté du tout jeune Marcel Carné, Cagliostro est l’une des toutes dernières productions du prestigieux studio des Films Albatros. Longtemps considéré comme perdu, le film a été retrouvé par la Cinémathèque française et reconstitué à partir de bobines de négatif et de copies fragmentaires. En l’absence de matériel complet, la continuité de la restauration suit celle d’une version courte qui avait servi à établir les copies « Pathé-Baby ». La trame narrative est différente de celle du film d’origine, et des intertitres, résument les scènes perdues.

Pour cette redécouverte du film, deux nouvelles bandes-originales accompagnent Cagliostro :

- Une composition de Mathieu Regnault, pianiste français passionné par la musique de films. Il travaille régulièrement avec La Cinémathèque de Toulouse lors de ciné-concerts (La Passion de Jeanne d’Arc, Admirable Crichton, A Travers l’Orage). En 2010, la Cinémathèque Française fait appel à ses talents pour accompagner des films d’Ernst Lubitsch, Alfred Hitchcock ou de la Société des Films Albatros.
- Un ciné-mix de DJ Cam. Le DJ parisien, grand maestro de l'abstract hip-hop, s'est fait un nom prestigieux grâce à ses inventions sonores radicales. Musicien-né, son œuvre révolutionnaire a fait de lui l'un des pionniers des scènes underground hip-hop, trip-hop et club, de New-York à Paris, en passant par Tokyo. La Cinémathèque Française a fait appel à lui pour la projection de Cagliostro en novembre 2010.

Suppléments :
> Ce DVD contient un livret de 28 pages : Textes de Marcel Carné, de l’historien et critique de cinéma Bernard Eisenschitz, affiches d'époque.
> Un entretien de Mathieu Regnault, compositeur.

En bonus, on retrouve une "simple" rencontre avec le réalisateur (15mn) mais vu la qualité de l'équipe de Potemkine, nous pensons que cet entretien sera d'une riche d'information à ne pas en douter.

source : Potemkine

Roger Corman à l'honneur

2011-11-11T01:47:00.001-08:00

Chaque mois il y a une bonne raison de lire les Cahiers du Cinéma. Ce mois-ci, 16 pages d'entretien avec le pape de la série B, Roger Corman. Réalisateur de plus de 50 films et producteur de plus de 300 long-métrages, cette rencontre avec Thierry Méranger à l’occasion de la projection du documentaire d'Alex Stapleton Corman's world, Exploits of a Hollywood Rebel à Lyon dans le cadre de la 3ième édition du festival Lumière fourmille d'anecdotes sur la carrière de ce filmmaker.

Présentation du film :
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Enfin un film sur Roger Corman. Et quel film ! L’homme travaille plus vite que son ombre et à l’heure où nous écrivons ces lignes, il a produit 396 films. Mis à l’honneur par Hollywood en 2009 grâce à un Oscar pour sa contribution à l’histoire du cinéma, Roger Corman trouve auprès du grand public cinéphile l’aura qu’il possède depuis longtemps chez les professionnels. Au moment du témoignage, nul n’a rechigné, pas même l’invisible Jack Nicholson, dont la caméra d’Alex Stapleton attrape quelques larmes versées à l’évocation des jeunes années de formation passées auprès de Corman. Ni Martin Scorsese qui n’a jamais caché sa reconnaissance à son égard, en témoigne ce qu’il déclara à Cannes, en 2007 : « Après trois semaines de tournage de Mean Streets, nous n’avions plus d’argent. J’ai alors compris qu’un tournage était un marathon… C’est ce que j’ai appris au contact de Roger Corman. J’y ai aussi acquis une discipline, et appris à faire mon travail en toutes circonstances, y compris lorsque je n’en avais aucune envie. Il m’a appris à boucler un film en 24 jours. » Ajoutons John Sayles, Robert De Niro, Peter Bogdanovich, Joe Dante, Bruce Dern, Dick Miller, Paul W.S. Anderson, Pam Grier, Peter Fonda, Jonathan Demme, Eli Roth, William Shatner, Irvin Kershner et bien sûr, David Carradine qui raconte comment Roger Corman préférait tourner en trois jours plutôt que d’utiliser un budget supérieur à celui initialement prévu. Ce formidable documentaire est le premier film de la jeune réalisatrice Alex Stapleton. Venue de Los Angeles, elle sera présente pour l’hommage..

Lumière 2011

Le titre du documentaire a été traduit en Français par Le Monde de Corman : Exploits d’un rebelle hollywoodien. Espérons que cette traduction annonce une prochaine sortie en salle, ou plus probable en dvd. Wait & See...

Le 14 novembre prochain l'éditeur Sidonis, ayant déjà sorti quelques beaux titres du metteur en scène américain (on pense au Masque de la mort Rouge [Chef op : Nicolas Roeg] ou à La Tombe de Ligeia par exemple) sortira Gas-s-s-s, une comédie post-apocalyptique.

Présentation de l'éditeur :
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Après qu’un gaz mortel a été relâché dans l’atmosphère, seuls les humains de moins de 25 ans ont été épargnés. Dans cette nouvelle ère post-apocalyptique désormais aux mains de la jeunesse, un groupe de hippies se bat pour vivre en paix. Mais avec une bande de footballeurs fascistes, de jeunes policiers aussi arrogants que déterminés et des golfeurs capitalistes à leurs trousses, l’avenir du monde risque d’être passablement agité…
Spécialiste des films d’horreur (Le masque de la mort rouge, L’enterré vivant), Roger Corman nous délecte avec Gas-s-s-s d’une comédie jubilatoire où la contre culture et la satire politique plongent une poignée de visionnaires anarchistes dans un idéalisme soixante-huitard teinté d’espoirs surannés. Entre road-movie psychédélique et comédie loufoque, alliant ivresse et naïveté, Gas-s-s-s est un concentré d’optimisme pour créateurs d’avenir.

Et pour être tout à fait complet sur l'actu Roger Corman, sachez qu'en janvier 2012, un livre d'entretien sera publié. Un ouvrage réservé aux anglophones.

Claudio Pazienza | L'Éclat

2011-11-10T03:42:00.000-08:00

C'est aujourd'hui à 18h00 que débute la carte blanche de Claudio Pazienza à la Villa Arson (Nice). Vous connaissez ? Alors bravo pour votre culture, car nous, nous sommes obligés de l'avouer nous ne connaissions pas l'existence de ce réalisateur italien et c'est pourquoi nous remercions L’Éclat pour cette découverte.
Voici les trois films que le cinéaste a choisi de présenter à la Villa Arson. Trois œuvres qui viendront en complément d'une sélection de ses films présentés par Frédéric Sabouraud.

> 10 novembre à 18h00
Sayat Nova de Sergueï Paradjanov (Russie, 1969, 1h17, VOSTF)

Retracer en cinéma la vie d’un poète, Sayat Nova/ explorer la frontière entre
l’encre et la cellulose / entrelacs de beauté sauvage et de grâce / l’Arménie en partage / Paradjanov, l’un et l’autre / poète hiératique, collagiste iconoclaste, voltigeur ludique, compositeur des plans–récits / monter / relier / plans – pigments / tableaux dits vivants presque flamands / écrire en cinéma/ livres gorgés de sang / magnifier la puissance du verbe par l’immobilité / opéra cristalline / exalter la puissance du cinéma / chasser le convenu / bestiaire / mouvements incessants de la pensée qu’aucun symbole ne rassasie / formes du présent et donc prégnance du primitif / explorer les rituels / érotisme antisoviétique / se faire taxer d’hermétique / amputé de vingt minutes, l’oeuvre changea de titre : La couleur de la grenade / en attendant la perestroïka, le bagne, le silence / Demeurer indomptable.

Claudio Pazienza

My Childhood de Bill Douglas - 1er volet de la trilogie
(Royaume-Uni, 1972, 44 min)

La guerre à peine finie / feu qui ne chauffe pas / enfants esseulés / prisonniers en attente / béances palpables / voisins et chiens en faïence / décors miniers, dépouillés / pathos à fleur de peau / le père ne fait que passer / images essentielles / odeurs acides à l’école comme à l’hôpital / mère finissante / fantômes éructant, déambulant / ellipses / économie de plans / peu d’horizons / inventer les liens / chasser la folie / imaginer les amis comme des archipels / réécrire sa vie en images sans remords / assiéger le vide des disparus par la rage / se fondre dans la fumée d’une locomotive / imaginer Murnau et Bresson assis côte à côte pour la première de ce film / Parler de réalisme poétique ne suffit pas.

Claudio Pazienza

extrait vidéo de My Childhood

La trilogie est disponible en dvd auprès de THE END.

> Samedi 12 novembre à 21h30
Distant voices, still lives de Terence Davis (Royaume-Uni, 1988, 1h25, VOSTF)

Diptyque filmé / violence sourde et patriarcale / nostalgies / présences épaisses, terriennes souvent mutiques / rudesses / en finir avec la famille / noyer le réalisme anglais dans l’alcool, à Liverpool ou ailleurs / noyer la pauvreté dans le chant / “S’il n’y avait pas eu de souffrance, il n’y aurait pas de films” disait T. Davies en 1988/ rituels immuables / être ouvrier de père en fils / étroitesses / chanter encore / chanter l’insolence d’être le fils de son père, surtout le weekend / attendre le miracle, peut-être les Beatles / imaginer le purgatoire comme un pub / “Viendra la mort, elle aura tes yeux” écrivait C. Pavese en 1950. (Cl.P.)

Retrouvez toute la programmation dont les films de Claudio Pazienza (Tableau avec chutes) sur le site internet de L'éclat (leclat.org)

The Violent Kind en blu-ray / dvd

2011-11-08T13:12:00.000-08:00

Après avoir fait le tour des festivals, The Violent Kind trouve enfin le chemin d'une manifestation française (après sa diffusion à Cannes au Marché du film) avec la première édition du PIFFF, le Paris International Fantastique Film Festival qui se tiendra comme son nom l'indique à Paris du 22 au 27 novembre.
Retour d'une manifestation exclusivement consacrée au fantastique et à l'horreur dans la capitale, on n'avez pas vu cela depuis 1989 avec le Festival du film Fantastique et de science-fiction au grand Rex. Nous aurons l'occasion d'y revenir puisque THE END y sera pour découvrir une semaine de film en avant-première dont ce Violent Kind qui nous fait envie depuis sa production en 2010.

Mais ceux qui n'auront pas la chance ou l'opportunité de le voir le dimanche 27 novembre à 00:15 au Gaumont Opéra Capucines, pourront toujours (s'armer de patience) et se tourner vers le blu-ray ou le dvd annoncé pour le 4 janvier 2012.

Californie du Nord. Cody et sa bande ne sont pas des enfants de choeur. Ils sont membres d'un gang de motards qui carburent à l'alcool, à la drogue et au sexe. A l'occasion de l'anniversaire de la mère de Cody, ils se réunissent dans un chalet isolé afin de le célébrer dignement. Mais la soirée dérape quand Michelle, l'ex petite-amie de Cody, fait irruption, ensanglantée de la tête aux pieds. Elle est suivie de très près, par un gang de psychopathes rockabilly, sortis tout droit des années 50, et qui cherche quelques émotions fortes, du type violent. Le carnage peut commercer... Violence, baston et rock'n'roll seront au rendez-vous ce soir !

On avait quitté les Butcher Brothers avec The Hamiltons (disponible auprès de THE END), honnête série B lorgnant du côté de Larry Clark mâtiné d'un fantastique distillé de manière parcimonieuse pour les retrouver avec The Violent Kind, projet ô combien étrange et qui a sut faire son petit effet partout où il est passé. A ne pas en douter cette séance de minuit risque d'être mémorable.

LCJ éditions, les nouveautés

2011-11-07T06:52:00.000-08:00

A l'instar de René Chateau Video, LCJ éditions propose un catalogue riche et varié mais bien trop souvent dépourvu de bonus. Pire ! les versions originales sont également très rares ce qui est une aberration, voire un anachronisme tant on a l'impression de revivre les tristes heures de la VHS.

Pour autant, deux titres ont retenu notre attention. Deux films qui sont les exemples types des œuvres au potentiel certes restreint mais qui auraient mérité un tant soi peu de considération et surtout de respect afin de récompenser le cinéphage complétiste et aventureux ou le cinéphile courageux.

Un Dieu Rebelle - Peter Fleischmann (1989)

Dans un futur lointain, de l'autre côté de l'univers, des scientifiques terriens découvrent une planète similaire à la leur mais dont le peuple est à peine civilisé, arriéré et brutal. Confrontés au barbarisme de leur propre passé, les scientifiques observent de leur vaisseau en orbite, sans révéler leur présence. Mais, quand Richard, leur agent, rompt le contact avec le vaisseau, Alan, qui prend l'identité de l'aristocrate Rumata, part à sa recherche et se rend à la ville d Etat d Arkenar. Il rencontre un roi égocentrique mais le pouvoir réel est entre les mains de Reba, son ministre...

Dix ans après La Maladie de Hambourg, film culte pour beaucoup et toujours indisponible en dvd sous titré en français (le film est disponible en Allemagne édité par... Studio Canal mais sans aucun sous-titrage) et vingt ans après le choc Scènes de chasse en Bavière, Un Dieu Rebelle suit les pas de la Maladie de Hambourg avec une SF haut de gamme, délaissé de tous les oripeaux liés aux années 80. Adapté par Jean-Claude Carrière (Belle de jour ; Dans les griffes du maniaque) d'après l'ouvrage des frères Strugatsky, Un Dieu Rebelle est une belle curiosité malheureusement proposée dans sa version française et non originale, c'est-à-dire allemande. Ce long-métrage est d'autant plus à découvrir que parmi les acteurs au casting, on retrouve Pierre Clementi, étoile filante du cinéma français.

Le second film, est tout aussi malmené par l'éditeur en proposant encore une fois une simple version française pour ce long-métrage signé Jim McBride.

Qui a tué le chevalier - Jim McBride (1995)

Alors qu'elle restaure un tableau, Julia y découvre une inscription étrange représentant une partie d'échecs. Le propriétaire du tableau lui révèle que le peintre aurait cherché à désigner le meurtrier d'un chevalier tué il y a des siècles. Fascinée, Julia fait appel à un champion d'échecs afin de décrypter l'énigme du tableau.

Après être tombé dans l'anonymat, Jim McBride retrouve un peu d'exposition à travers la sortie de Qui a tué le chevalier (1995), un de ses derniers films mais surtout à l’occasion de la publication sur l'excellent label Survivance de son film Le Journal de David Holzman (1967). Si ce film ne vous dit pas grand chose, sachez que par bien des aspects il devance tous les home movies et qu'à ce titre il mérite d'être (re)découvert (surtout que l'édition française est superbe !). Jim McBride, c'est également Made In U.S.A. le remake d’À bout de Souffle ou Great Balls of fire, le biopic sur Jerry Lee Lewis.
En tête d'affiche de ce long métrage, nous retrouvons l'actrice de la saga Underworld ou de Pearl Harbor, Kate Beckinsale. Une "star" qui ne permet pas au dvd de bénéficier de bonus.

Passons à côté de ces défauts rédhibitoires et ne boudons pas notre plaisir face à ces raretés... enfin à vous de voir.

Jean Cocteau, le musée

2011-11-05T06:54:00.001-07:00

L'événement cinéma se déroule à Menton, petite station balnéaire de la Côte d'azur, qui inaugure aujourd'hui le second lieu de la ville consacré à l'artiste (le premier étant le Bastion, fortin du XVIIe siècle accueillant la plus part des travaux de la dernière période de Jean Cocteau). Avec le musée Jean Cocteau, collection Sévérin Wunderman, Menton s'offre le plus important lieu au monde dédié à l'artiste pluridisciplinaire. C'est autour de sept axes que le musée s'articulera :

1. Le théâtre de la chambre
Retour sur la jeunesse de Cocteau par des documents d'époques et sur les premiers écrits du poète.

2. L'Imposteur
Mélange d’autobiographie et de mythographie à travers cette séquence prenant cœur avec la Première guerre mondiale et qui sont les fondements des pratiques artistiques de Jean Cocteau.

3. Parades
Période charnière dans le style de Cocteau qui inaugure un nouveau graphisme. Illustré par des dessins, des photographies et divers programmes de son ballet Parade conçu avec Picasso et Satie.

4. Jean L'Oiseleur
Suite à la disparition de son ami Raymond Radiguet, Cocteau trouve réconfort dans un univers emprunt d’insouciance et de légèreté en partie dû à la consommation d'opium.

5. Le sang du poète
Premier moyen métrage de Cocteau, il annonce sa patte cinématographique en revisitant des mythes antiques avec des personnages tragiques. Période durant laquelle Cocteau écrira ses récits les plus connus : La Machine Infernale et Les Enfants terribles (adapté au cinéma par Jean-Pierre Melville).

6. Mystères
Présentation des œuvres réalisées au crépuscule de la seconde guerre mondiale où la frontière entre réel et imaginaire devient de plus en plus poreuse. Et ses deux films réalisés à cette période (Orphée et la Belle et la Bête) témoignent de cette recherche d'un "réalisme irréel".

7. Testaments
Dernier mouvement artistique dans l’œuvre de Jean Cocteau, où la couleur prend une place importante. On ressent tout l'apport de son amitié avec Picasso. Dernier film de ces années, Le Testament d'Orphée clôture la scénographie par des photographies de Lucien Clergue.

Pourquoi Menton ? C'est en 1955 que Cocteau, alors en visite à Saint-Jean Cap-Ferrat, découvre la dernière ville du littoral avant l'Italie. L'année suivante, il décore la salle de mariage de l’hôtel de ville à la demande du maire de l'époque. Et quelques années plus tard, le Bastion devient son musée en 1966, trois ans après sa mort.

Avec ses 700m², ses 1700 œuvres et 240 photographies, le musée Jean Cocteau, collection Séverin Wunderman (1938-2008) est un lieu à découvrir pour tous les amoureux de l'artiste.

Monroe, Mailer & Stern

2011-11-03T08:54:00.001-07:00

A l'approche des fêtes, les éditeurs de livres (et de dvd bien entendu) semblent mettre les bouchées double pour proposer des coffrets, des éditions limitées qui sentent bon le marketing et les découverts bancaires.

Figure mythique du cinéma et sujet inépuisable - au même titre que Kubrick, Hitchcock ou plus près de nous, Romy Schneider - Marilyn Monroe, n'est plus qu’accessoirement une actrice tant son visage est devenu l'incarnation d'une certain pop culture.

Après des éditions limitées, rares et donc... onéreuses consacrées au Napoléon de Kubrick jamais tourné, à Taxi Driver ou The Godfather de Coppola, Taschen sort ces jours-ci un pavé de 278 pages consacré à Monroe et son dernier photo shoot par Bert Stern. En accompagnement, l'éditeur a la riche idée de proposer pour la première fois un texte de Norman Mailer jusqu'ici inédit en français. Ce n'est pas nous qui le disons, c'est Taschen :

Présentation de l'éditeur
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Trois légendes
Monroe, par Mailer et Stern
TASCHEN a réuni le texte originel de Mailer et les photographies prises par Bert Stern lors de la légendaire Last Sitting, considérée comme la séance de photos les plus intimes jamais prises de Marilyn, pour créer un hommage à l’image d’une femme, qui, au moment de sa mort, en 1962, évoquait dans le monde entier et pour toute une génération le symbole absolu du glamour et de l’érotisme. Mais si son public l’adorait, sa vie privée restait celle d’une petite fille perdue, recherchant éperdument amour et sécurité. La Marilyn de Mailer est magnifique, tragique et complexe. Alors qu’il retrace la vie de l’actrice, – de son enfance déprimante, ses premières années difficiles, à sa consécration, sa vie romantique en dents de scie, jusqu’aux circonstances mystérieuses de son décès, – elle apparaît comme symbole de l’étrange décennie pendant laquelle elle a régné sans partage sur Hollywood.

Ce livre, conçu par Lawrence Schiller, collaborateur de Mailer sur cinq de ses livres, associe l’imposant texte de l’auteur aux photos de Stern capturant Marilyn à 36 ans. Photographiée pour le magazine Vogue à l’hôtel Bel-Air, Marilyn ne s’était jamais livrée de manière si intime, jamais révélée aussi belle. Trois semaines plus tard, elle était morte. À travers cette synthèse d’un classique de la littérature et d’une séance photo légendaire, Mailer et Stern lèvent le voile entourant Marilyn – femme, star, sex-symbol, – offrant un regard privilégié sur une icône dont la personnalité véritable demeure, énigmatique.

Vous voulez connaitre le prix de cet "objet"... 750 euro. Le rêve n'a pas de prix.

source : Taschen

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The End profite de ce message pour évoquer le très beau blog Pour 15 minutes d'amour, si vous aimez le rétro et les belles photos, alors vous serez aux anges.

Conversations with James Gray

2011-11-02T08:35:00.000-07:00

Parce que ses films sont aussi rares que précieux, nous ne pouvons qu'être enchanté de voir (et de lire) ce premier ouvrage en français consacré à l’œuvre encore "courte" (4 films en 17 ans) du cinéaste américain. 240 pages et 300 visuels (dessins, photos, peintures) pour un décryptage de l'univers de James Gray.

Présentation de l'éditeur :

En seulement quatre longs métrages – Little Odessa (Lion d’argent au Festival de Venise ; 1994) ; The Yards (Festival de Cannes ; 2000) ; La Nuit nous appartient (Festival de Cannes ; 2007) ; Two Lovers (Festival de Cannes ; 2008) – James Gray s’est imposé comme un des cinéastes incontournables de sa génération.

De ses origines modestes dans une famille immigrée du Queens à son dernier projet de film avec Brad Pitt, de ses premiers films de science-fiction en super 8, aux plus grands festivals de cinéma, le livre retrace le parcours d’un des cinéastes américains préférés des Français. Il y révèle aussi ses sources d’inspiration, ses méthodes d’écriture et ses expériences de tournage. Tempête de neige imprévue, budget impossible à boucler, coups bas des producteurs au sujet du « final cut » : James Gray dévoile sans tabou les coulisses de la création d’un film.

De nombreux acteurs, producteurs, scénaristes, décorateurs, monteurs, chefs opérateurs, qui ont travaillé avec James Gray, se confient dans ce livre. Des entretiens qui permettent de retracer, étape par étape, le processus de création de chaque film, de leur genèse au mixage final. A travers ces témoignages, mais aussi grâce à des documents exceptionnels (scénarios, story-boards, photos de plateau, partitions originales, archives personnelles du réalisateur etc.), James Gray nous livre une leçon de cinéma qui passionnera tous les cinéphiles et étudiants en cinéma.

Préfacé par Jean Douchet, célèbre critique de la Nouvelle Vague, et accompagné d’une introduction de Francis Ford Coppola, ce livre nous fournit également une analyse sans concession du cinéma américain contemporain.

Les entretiens ont été réalisés par Jordan Mintzer, critique au Hollywood Reporter. Il a débuté sa carrière au sein de Variety. Né et grandi dans le Queens, New York, il vit actuellement à Paris. Il a également produit les films de Matthew Porterfield, Hamilton et Putty Hill

Prix : 49 euro

source : Synecdoche Books

Cinémathèque de Nice | Novembre 2011 : Skolimowski, Carax , Garrel...

2011-11-01T04:25:00.000-07:00

... un vent de folie souffle sur cette programmation du mois de novembre. Non pas que la rétrospective consacré à Benoit Jacquot nous excite, ni sa leçon de cinéma mais entre ce flashback sur la carrière du réalisateur français et les films d'animations pour les fêtes, bon nombre de petites perles se sont glissées durant le mois. Voici notre sélection :

WALKOVER (1965) de Jerzy Skolimowski

Désorienté, Andrzej ne veut plus poursuivre ses études. Boxeur amateur, il décide de combattre sur le ring, mais ses matchs ne lui apportent pas plus de satisfaction…
> mardi 8 novembre à 14h00
> jeudi 10 novembre à 18h00

LES PETITES MARGUERITES (1966) de Vera Chytilova

Deux jeunes filles prénommées Marie, dégoûtée de l'état du monde, décident de multiplier les bêtises. Ce film surréaliste, parodique et nihiliste fut immédiatement interdit par le régime de l'époque…
> mardi 8 novembre à 17h00
> vendredi 11 novembre à 18h00

BOY MEETS GIRL (1983) de Leos Carax

Quitté par sa petite amie, Alex, aspirant metteur en scène, rencontre un soir Mireille qui, elle aussi, a un chagrin d'amour…
> mercredi 9 novembre à 16h00
> samedi 12 novembre à 18h00

MORE (1969) de Barbet Schroeder

Un jeune étudiant allemand rencontre une jeune Américaine à Paris et en tombe amoureux. Il la rejoint à Ibiza et s'aperçoit qu'elle se drogue…
> mercredi 16 novembre à 20h00
> vendredi 18 novembre à 15h30

MARIE POUR MÉMOIRE (1967) de Philippe Garrel
Deux adolescents amoureux se heurtent douloureusement à la réalité du monde et de la société…
> mercredi 30 novembre à 20h30

Projection unique pour se film sans affiche mais dont Philippe Azoury (Libération) a écrit un très bel article revenant sur la diffusion confidentielle mais à l'aura mythique.

Source : Cinémathèque de Nice

Rétro-viseur : Ice (1969) | Robert Kramer

2011-10-30T14:31:00.000-07:00

Sorti en dvd avec Milestone en septembre 2010 (nous en parlons ici), il nous a semblé important de revenir sur ce film admirable et déstabilisant . Entre documentaire et politique fiction, les résonances de ce film prennent une certaine mesure dans notre monde en pleine (r)évolution.

Ice peut-être considéré comme le prototype du film a-spectaculaire. Il s'agit en effet d'une oeuvre qui renonce d'emblée aux prestiges habituels du film américain - couleurs, comédiens célèbres, scénario bien agencé, images soignées - pour les remplacer par un 16mm gris, caméra à la main et son synchrone. Le cinéma américain découvre l'humilité des temps de crise politique et du même coup trouve des accents déchirants pour évoquer le drame qui se prépare dans un pays où s'accumulent chaue jour davantage les contradictions explosives.
Né en dehors du système, Ice est le résultat du travail effectué par une partie de l'équipe de "Newsreel", coopérative d'actualités indépendantes et militantes créées en 1967, à l'instigation de Jonas Mekas et Robert Kramer pour lutter contre le conformisme des actualités officielles et pour donner des événements américains une interprétation critique. Il y a d'ailleurs dans Ice un élément qui renvoie à l'activité de la coopérative, ce sont les nombreuses séquences où les membres du groupe préparent des films destinés à une utilisation comme instrument de propagande. Ice s'ouvre par un de ces films : film didactique où sont exposés, avec des textes se superposant aux images, un certain nombre de données théoriques et historiques.
Ice nous projette dans un futur immédiat. Les États-Unis se déchirent dans la guerre civile ; les tortures, les assassinats, les règlements de compte sont devenus chose courante. Les minorités opprimés - Noirs, Blancs, femmes, intellectuels, tous ceux qui refusent l’État fasciste enfanté par l'état libéral actuel - se sont engagés, en liaison avec la guérilla mexicaine, dans une lutte sans merci. Le but est clair : détruire l’État, détruire une société qui ne se définit plus que par l'oppression qu'elle exerce sur l'individu. La lutte est indécises, obscure, faite de brefs affrontements, d'enlèvements, de passages à tabac, de meurtres sommaires, d'agressions sournoises. Le pouvoir fasciste ne se défend même pas par sa police régulière, il a secrété comme un prurit des bandes de civils qui se chargent de la besogne. L'action révolutionnaire est ici le fait d'intellectuels ; pour eux l'action se mène à deux niveaux, celui de l'affrontement direct - armé - avec l'oppresseur, celui de la propagande - par la parole et par le film - auprès des masses à gagner : propagande, maison par maison, étage par étage, avec des résultats difficiles à apprécier. En ce domaine, l'efficacité ne se vérifie pas dans l'instant dans le progrès irréversible de l'idée-force du film : tout le pouvoir au peuple.

Dans la ligne de mai 68, auquel le film emprunte certaines images et certains slogans, notamment la très belle formule venue du curé Meslier : "L'humanité ne sera pas heureuse tant que le dernier bureaucrate ne sera pas dissout dans le sang du dernier capitaliste", Ice nous livre l'image d'une Amérique de plus en plus malade, d'une Amérique bloquée dans les glaces d'un hiver interminable et dont aucun signe n’indique la fin. Les combats engagés ici et là sont des combats longs, incertains, mais leur incertitude même conditionne la volonté de ne jamais renoncer. [...] Au milieu des luttes, les hommes et les femmes nous sont livrés avec leurs angoisses, leurs peurs, leurs brefs instants de bonheur, leur courage quotidien qui leur donne la force de poursuivre un combat inhumain. Tout l'art de Kramer consiste à nous montrer simultanément le plan théorique, collectif et le visage particulier de chacun des protagonistes et surtout à nous faire sentir de quelle somme de faiblesse mises bout à bout nait la force révolutionnaire. Ice nous introduit au cœur d'une dimension essentielle de l'homme contemporain : l'homme s'y définit et n'y existe que par rapport à son refus d'une société qui aliène sa liberté.

Jean A. Gili in Cinéma 70 - p136 à 138

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Jean A. Gili, critique et historien du cinéma, née à Nice en 1938, est professeur émérite de l'université Paris I Sorbonne. Auteur de plusieurs ouvrages sur le cinéma italien (Ettore Scola, une pensée graphique ; L'Italie de Mussolini et son cinéma) vient de réactualiser son livre Le Cinéma Italien (préface Ettore Scola) aux Éditions de La Martinière. Il intervient également dans les bonus dvd de la collection "Les Maîtres Italiens" et dans la revue Positif.

Le Samouraï de Melville en collector !

2011-10-29T06:28:00.000-07:00

L’œuvre la plus emblématique du cinéaste français Jean-Pierre Melville (1917-1973) sort enfin en version collector blu-ray et dvd. Jusqu'à présent le cinéphile avait le choix entre se procurer la version zone 2 René Chateau Vidéo, sans bonus et avec avec une image perfectible, ou de s'orienter vers le zone 1 avec le Criterion, remplis de bonus. Fini le dilemme, puisque c'est le 7 décembre prochain que fera son apparition chez les revendeurs d'une édition double dvd ou d'un digibook blu-ray / dvd en édition limitée. A l'instar du film Le Guépard sortie l'année passé ou du coffret Apocalypse Now, Pathé réitère le concept (à l'attention des cinéphiles) de proposer une version collector limitée avant une sortie plus "basique" pour le plus grand nombre (lire moins chère).

Bonus :
Nouveau master HD restauré
un livret de 48 pages rédigé par Jean-Baptiste Thoret
Documentaire : « Melville » (20’)
Interview d’époque d’Alain Delon (INA)
Interview de Jean-Pierre Melville dans le décor de la chambre du Samouraï (INA)

Si de prime abord, les suppléments semblent quelque peu modeste, il faut faire confiance à la qualité rédactionnelle du journaliste et auteur Jean-Baptiste Thoret pour que le livret soit le bonus le plus important et passionnant. A titre de comparaison, voici les compléments du dvd Criterion :

New, restored high-definition digital transfer
New video interviews with Rui Nogueira, author of Melville on Melville, and Ginette Vincendeau, author of Jean-Pierre Melville: An American in Paris
Archival interviews with Melville and actors Alain Delon, François Périer, Nathalie Delon, and Cathy Rosier
Theatrical trailer
New and improved English subtitle translation
PLUS: a 29-page booklet featuring film scholar David Thomson, filmmaker John Woo, and selections from Melville on Melville

Pour ceux qui ne connaissent pas ce chef d’œuvre du cinéma Français (et International, son influence sur des réalisateurs comme John Woo, Scorsese ou Refn est incontestable), voici un rappel de l'histoire :

Jef Costello, dit le Samouraï, est tueur à gages. Chargé d’abattre le patron d’une boîte de nuit, Jane, sa maîtresse, dot lui servir d’alibi… mais Valérie, pianiste, est témoin du meurtre. Arrêté, Jef est relâché faute de preuves. Les commanditaires du meurtre lui demandent alors d’éliminer Valérie.

Le cinéma de Melville, pour des raisons d'abord historiques, est un cinéma de l'après-coup, après-coup d'un genre, le film noir, dont il magnifiera les codes et les rituels, sur le mode de la célébration funèbre et du tragique mythologique. Après coup donc, maniériste sans doute, mais surtout moderne dans la façon dont il exige de la part du spectateur, qui est aussi un enfant, une attention particulière aux détails (vestimentaires, visuels, scripturaux, comportementaux...). voir, c'est déchiffrer, soit le pacte fondateur de la révolution optique conduite par la modernité cinématographique. Qu'est-ce qui, dans le plan importe vraiment ? Que faut-il regarder ? Moins radical que d'autres modernes européens en ce sens que son travail de mise en abyme n'a jamais désamorcé la croyance et le plaisir liés à la fiction populaire, Melville sait combien les apparences sont trompeuses, combien les mêmes habits ne fabriquent pas toujours les mêmes moines, combien la vérité des situations ou des rapports humains se loge parfois au sein d'infimes détails.

Jean-Baptiste Thoret in Riffs pour Melville / Editions Yellow Now

Duel au couteau (1965) | Ciné B

2011-10-27T14:01:00.000-07:00

Plus connu pour ses talents de maitre de l'angoisse (La fille qui en savait trop, Le masque du démon, Opération Peur ou encore Schock), Mario Bava a pourtant signé tout au long de sa riche et grande carrière des "petits" films venant balisé sa filmographie d'un certain hommage envers un cinéma plus "Hollywoodien". Mario Bava a réalisé aussi bien des films à grand spectacle, de science fiction, des westerns voire même une comédie. Si tous ces films ont la volonté de satisfaire avant tout les spectateurs des classes populaires, il faudrait un jour qu'un journaliste / auteur français planche sur son œuvre autrement qu'à travers la peur ou les effets spéciaux. Ou alors, espérons que dans un avenir lointain un éditeur français courageux (ou fou) décide de traduire l'ouvrage, que dis-je la bible, sur Mario Bava "All the colours of the darks" signé Tim Lucas.

Arald, roi des Vikings, a disparu en mer il y a plusieurs années. Son général, Aghen, rentre au pays avec son armée et décrète que la couronne et l’épouse d’Arald, Karin, lui appartiennent. Cette dernière s’enfuit avec son fils, Moki, pour se cacher dans la forêt. Un jour, alors qu’ils sont attaqués par des hommes d’Aghen, un voyageur solitaire leur porte soudain secours. Il reste avec eux pour réparer les dégats causés par l’attaque, et Karin commence à se confier à lui...

À mi-chemin entre Les Vikings de Richard Fleischer et L’Homme des vallées perdues de George Stevens, Duel au couteau participe au renouveau du film d'aventures dans le cinéma italien des années 60. Mario Bava (Le Masque du démon) réalise une œuvre épique au Techniscope flamboyant qui se distingue par sa psychologie complexe. Pour leur dernière collaboration, le maître italien offre à Cameron Mitchell (Six femmes pour l’assassin) un rôle sensible et exigeant, à la hauteur de son talent.

Édité en 2009 par Carlotta dans une salve consacrée à Mario Bava (Les Vampires, La Baie Sanglante), le film de Mario Bava est accompagné d'un entretien avec Jean-Pierre Dionnet intitulé « Un western viking », revenant sur le tournage du film et sur la manière dont les productions hollywoodiennes de l’époque ont influencé tout un pan du cinéma de genre italien.

Le film, ainsi que d'autres long métrage de Mario Bava sont disponibles auprès de THE END. Plus d'infos à theendstore@gmail(point)com

> Vendredi 28 octobre à 22h00 à la Cinémathèque de Nice

Monte Hellman en blu-ray

2011-10-25T15:05:00.000-07:00

Si la presse dans sa globalité à saluer le retour - après 20 de "silence" - de Monte Hellman, son nouvel opus laisse un gout trouble de déception. Peut-être que cette nouvelle vision permettra de réévaluer le film d'un cinéaste devenu légendaire grâce à Macadam à deux voies.

Mitchell Haven prépare un nouveau film inspiré de faits réels dans lesquels un politicien corrompu, sa maîtresse et plusieurs milliers de dollars ont disparu. A la recherche de son actrice principale, il rencontre une jeune femme qui ressemble étrangement à l’héroïne de son histoire. Alors que le tournage commence, il tombe amoureux d’elle et la sombre affaire criminelle remonte à la surface.

Son nom d'enfer ("Hellman") est légendaire depuis Macadam à deux voies (1971), road-movie beckettien, limite conceptuel, tout l'opposé d'Easy Rider. Mais sa carrière est pleine de trous - en cinquante ans, seulement dix films, échecs commerciaux pour la plupart, certains jamais distribués. Curieux parcours, assurément, que celui de Monte Hellman, inconnu du grand public comme des jeunes cinéphiles, mais adulé par une faction de partisans isolés. Ni reconnu ni vraiment maudit, cet atypique n'a cessé de travailler, souvent dans l'ombre, faisant du montage çà et là, produisant Tarantino (Reservoir Dogs) ou lançant Vincent Gallo. Voilà qu'il revient en pleine lumière avec Road To nowhere, polar bizarre, arty et qui se moque de l'être, autour d'un tournage de film compliqué par une affaire criminelle et l'amour d'une femme (la troublante Shannyn Sossamon). C'est une mise en abyme du cinéma (avec au moins trois films dans le film !), un excercice de style qui peut sembler un peu vain, autour de l'idée selon laquelle le cinéma détruit à mesure qu'il crée. Reste qu'on est bluffé par la définition inédite de l'image - on a l'impression qu'elle regorge d’oxygène - associé à de la pure mise en scène, autrement dit à du jeu sur le point de vue. Les dix première minutes, puzzle de plusieurs séquences aussi spectaculaires que silencieuses et qui n'ont a priori rien à voir entre elles, sont d'une beauté à couper le souffle.

Jacques Morice in Beaux-Arts Magazine

Et les journalistes ne s'y sont pas trompés en rapprochant le nom du film à l’œuvre culte des années 70 à travers des articles créant un pont entre ces deux long-métrages.

"Monte Hellman reprend la route" Le monde / "Reprendre la route" Chronic'art / "Monte Hellman, la route du retour" GQ /

Mais on est face à une impasse, un cul-de-sac, tant le concept du film tourne rapidement à vide et la force du projet s'évapore, se dilue, dans une mise en scène exemplaire mais dénué d'âme. Espérons que le dvd ou le blu-ray annoncé pour le 8 novembre prochain permettra de revivre cette mise en abyme et d'en apprécier toute l'ampleur.
En bonus, on retrouve un making of, une bande-annonce et les scènes coupées. Vu le temps qu'il a fallu à Monte Hellman pour retrouver le chemin des plateaux, ne laissez pas passer ce (dernier ?) film d'un réalisateur "fantôme".

Wild Side, les prochains titres

2011-10-25T14:20:00.000-07:00

Pas de news de première fraicheur mais voici un récapitulatif des prochaines sorties du label au félin.

Tirant son titre d’une demande faite par Jackie Kennedy Onassis à ses agents de sécurité « cassez son appareil photo », ce documentaire retrace la carrière fulgurante de Ron Galella: célèbre photographe et paparazzo autoproclamé. Véritable chasseur aux méthodes frisant parfois le délire, le paparazzo espionne, traque, harcèle les stars pour capturer le moment où ses proies révèleront le visage qu'elles tentent désespérément de cacher au public. Ce film porte également un regard sur la nature de la célébrité, la relation entre les vedettes et leurs chroniqueurs, et l’équilibre fragile entre vie privée et liberté de la presse.

Leon Gast, auteur du magistral When we were kings – sur le match de boxe d’anthologie Ali-Foreman - traite ici d’un sujet très différent, plus pervers que le monde de la boxe : le portrait d'un des plus célèbres paparazzi américains, Ron Galella, aujourd’hui 77 ans, et tous flashes dehors. Galella est une légende urbaine du monde de la nuit new-yorkaise : un type qui a traqué la terre entière, et notamment Jackie Kennedy, laquelle lui a fait un procès pour l'avoir poursuivie dans Central Park ; ou encore Marlon Brando, qui lui a cassé cinq dents devant un resto chinois de Chinatown.

Sur les traces de son anti-héros, Leon Gast interroge bien sûr les pratiques de ces photographes « à l'arrache », dont les stratagèmes ne peuvent que provoquer l'indignation mais dont l'énergie et l'humour bon enfant forcent parfois la sympathie. Il pointe aussi l'étrange fascination qui les lie parfois aux vedettes. Le film est drôle, bourré d'anecdotes, bâti autour d'un personnage spectaculaire – qui se met en scène autant qu'il met en scène les célébrités. On comprend au bout du voyage qu'il a fait un job nécessaire pour capter l'essence d'une époque et de ceux qui la font. Ron Galella vit aujourd'hui de ses archives, des livres nostalgiques qu'il publie : il a été exposé au MoMA. C'est une mémoire de la culture populaire qui pleure un âge d'or, celui d'avant les « chargés de presse » et les «photocalls».

Vienne, 1957. Max, (Dirk Bogarde) un ancien officier SS, est portier de nuit dans un grand hôtel. Il se retrouve un jour face à Lucia (Charlotte Rampling), l’épouse d’un chef d’orchestre. Un fantôme de son passé. Car, pendant la guerre, Max entretenait dans un camp de concentration une passion sadomasochiste avec Lucia, l’une de ses prisonnières, alors à peine âgée de 16 ans. Irrésistiblement attirés l'un par l'autre, tous deux finissent par renouer leur liaison. Ceci n’est pas du goût des anciens compagnons nazis de Max, qui organisent des "procès-thérapies" où ils pensent pouvoir se décharger de leur culpabilité… ce qui passe par l’exécution des protagonistes de l’époque, derniers témoins de leurs atrocités. Les deux amants se retranchent dans l’appartement de Max, assiégés par les ex-nazis…
Réalisé en 1973, PORTIER DE NUIT fit scandale à l’époque de sa sortie, notamment aux États-Unis, où il fut classé X. La relation entre une ancienne victime des camps et un tortionnaire nazi, sur fond de sado-masochisme, permet à Liliana Cavani d’observer la fascination pour le Ma, que les sociétés de l’immédiate après-guerre refusaient de regarder dans les yeux. Mélancolique et provocant, PORTIER DE NUIT ressemble au théâtre d’ombres d’une génération qui a voulu surmonter le traumatisme du nazisme et tenter de le comprendre de l’intérieur. Le film doit enfin beaucoup à l’interprétation juste et enflammée du couple formé par Dirk Bogarde et Charlotte Rampling, dont le visage d’ange maladif, les cheveux courts et le numéro de cabaret où elle chante Marlène Dietrich, constitue l’une des séquences les plus marquantes et dérangeantes de l’histoire du cinéma.

Bonus :
> La Donna Nella Resistenza : le documentaire de Liliana Cavani sur l’implication
> des femmes dans la Résistance italienne (50')
> Interview de Liliana Cavani (20')

Le film sera également disponible en blu-ray à la même période.

sortie : 26 octobre

Été 1971. Anna, jeune mère ravissante et frivole, remporte le concours de beauté d’une station balnéaire. Son tempérament inconséquent et jouisseur rend sa vie de famille quelque peu chaotique. 30 ans plus tard, toujours marqués par cette vie haute en couleurs, Anna et ses enfants, réunis à son chevet, sauront-ils se réconcilier ?

Réalisateur admiré et plusieurs fois récompensé à la Mostra de Venise, Paolo Virzi nous entraîne dans un magnifique voyage à travers l'Italie des années 70 Un ton léger, des décors rafraîchissants et une "mama" rayonnante, magnifiquement interprétée par Micaela Ramazzotti et Stefania Sandrelli pour un film qui a remporté 3 Donatello (meilleur acteur, meilleure actrice et meilleur scénario).

Bonus :
Making-of (12mn)

Sortie : 7 décembre 2011

source : Wild Side